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ARTISTI
20 anni di genio italiano
Dal 1992 hanno collaborato con FMR-ART’E' più di 120 grandi artisti tra pittori, scultori e maestri dell’arte fotografica. Cifre importanti che fanno di FMR-ART’E' il numero 1 al mondo tra i “musei” d’arte contemporanea.
![Baratella Paolo](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/Baratella.jpg', 'Baratella Paolo', 'Nato a Bologna nel 1935 da genitori ferraresi, trascorre l\'infanzia nel capoluogo felsineo per poi trasferirsi con la famiglia nel 1940 a Ferrara<em>.</em> <p>Nel 1958 è a Milano, dove conosce, tra gli altri, Piero Manzoni, Mario Nigro, Lucio Fontana ed Emilio Tadini. Vinta la Biennale di San Marino, espone a Londra e a Parigi. </p> <p>Negli anni Sessanta utilizza immagini prelevate dai mezzi di comunicazione di massa, ampliando le tematiche della Pop Art nel senso di una testimonianza del profondo disagio nei confronti della realtà contemporanea. </p> <p>Nel 1964 incontra in Germania Günther Grass, ed entra in contatto con gli artisti "che la politica la fanno, dicono, davvero": Vostell, Beuys, Kienholz, Grutzche, Canogar, Caniaris, Alverman, Monory, Kitaj, Tilson, Arrojo, Rancillac, Staeck, Errò, Klasen... </p> <p>Con la mostra alla Galleria del Grattacielo, nel 1967, inizia un\'attività espositiva in tutta Europa connotata da un forte impegno politico. </p> <p>Dall\'inizio degli anni Ottanta i suoi apparati visivi si arricchiscono di riferimenti culturali, pittorici e letterari, con una visione prevalentemente introspettiva ma di forte tensione etica. </p> <p>Negli anni Novanta insegna all\'Accademia di Belle Arti di Brera, a Milano, partecipa alla XIII Quadriennale d\'Arte di Roma, affresca la nuova Sacrestia della Cattedrale di Ferrara (<em>La storia della salvezza</em>, raffigurazione dei quattro momenti principali della fede in Cristo: Annunciazione, Nascita, Morte, Resurrezione) e realizza grandi vetrate a Milano, nella chiesa "Mater Ecclesiae" di Buccinasco. </p> <p>L\'interessante percorso di Baratella, un pittore "in lotta continua con i limiti del tempo e dello spazio" (come ha scritto Maurizio Pradella), si snoda tra le immense tele dipinte nell\'arco della sua attività creativa e un costante sguardo sull\'uomo soggetto della propria contemporaneità e degli archetipi costitutivi del proprio essere: un\'esperienza artistica la sua che si è confrontata coraggiosamente e in modo del tutto originale con le molte tendenze, scuole e movimenti che hanno reso feconda e innovativa la seconda metà del Novecento.</p> <p>Per FMR-ART\'È realizza gli interventi artistici dell\'opera <em>Maria Madre di Dio</em> (2008) e per <em>Omaggio all\'Italia </em>(2010) i due bassorilievi che costituiscono <em>Allegoria dell\'Italia</em>, ideata per celebrare il centocinquantesimo anniversario dell\'Unità d\'Italia.</p> <p>Partecipa a numerose collettive ed edizioni di fiere d\'arte internazionali portato dalla Galleria Soave di Alessandria (Arte Fiera, Bologna; Miart, Milano; Rassegna internazionale d\'arte contemporanea, Sulmona). Quanto alle mostre personali, per citare solo le più recenti, nel 2009 la Casa dei Carraresi di Treviso gli dedica un\'antologica, <em>Costanti e Variabili</em>, e nel 2010 la Casa dell\'Ariosto di Ferrara espone <em>Baratella prima di Baratella; </em>successivamente, per la rassegna "Limes - Castellarte 2010", si tiene a Castelli presso l\'Istituto d\'Arte per la ceramica una sua mostra personale dal titolo <em>Per eliminare il Vampiro scollare la tela.</em></p> <p>Nel 2011 è la volta di <em>Il canto del capro nel giardino delle Esperidi</em>, alla Galleria civica d\'Arte Contemporanea Montevergini di Siracusa. </p> <p>Scrive Baratella: [...] nella forbice che si apre tra realtà sociale, ragione e sentire nasce l\'indignazione, l\'impulso all\'espressione forte nelle modalità di linguaggio proprie del momento storico. [...] Ideologico e intransigente l\'artista della mia specie, alle prese con gli umili strumenti della ‘pittura\', lanciato in narrazioni crude, simboliche, di ‘tipicità\' etica, in cui l\'estetica costituisce il fine morale irraggiungibile da ricercare instancabilmente come valore non effimero e universale."</p> <p>Attualmente Paolo Baratella vive e lavora a Lucca. </p>'))
 e in diverse gallerie di Seoul. Nel 1994, ormai residente in Italia, espone alla rassegna Arte Sacra, presso la basilica di San Simpliciano e Milano, al Miart, sempre a Milano e alla fiera Arte Contemporanea Internazionale di Palermo. Nel 1995 partecipa ad Artefiera di Bologna. Nel 1996 prende parte ad Artefiera di Padova e ad una rassegna nazionale su invito al Museo di Cento (BO). Nel 1997, oltre alla fiera Paf di Palermo, espone in Perù, prima all\'Istituto Nazionale di Cultura a Trujillo, poi presso il Centro Cultural Chaves del la Rosa a Lima, e ancora al Museo Municipal de Arte Contemporaneo di Cuzco. Nel 1998 espone in Messico, ad Azcapotzalco e ad Innsbruck, in Austria. Nel 1996 tiene la sua prima personale alla Galleria Famiglia Artistica Milanese (Milano), seguita l\'anno successivo da un\'altra presso la Galleria d\'Arte Pigalle a Lamezia Terme (CZ). Nel 1999 tiene tre personali: una a San Donato Milanese (MI), una a Seoul, in Corea, e una a Mantova. Nel 2000 torna ad esporre alla Galleria Famiglia Artistica Milanese, mentre nel 2001 è a Piacenza. Nel 2000 arriva quarto al Premio Nazionale di Pittura "Treccani degli Alfieri" di Montichiari (BS).</p> <p>Nel 2002 prende parte al "Premio Durini", a cura di Alessandro Riva, al Museo della Permanente di Milano. Nella primavera del 2003, oltre alla personale a lui dedicata al Ta Matete living gallery di Roma, citiamo la collettiva di venti artisti, curata da Flaminio Gualdoni, <em>Meraviglia</em>, sempre nello spazio romano, dove Si Young sarà anche nel 2004 con <em>Dipingere è amare ancora</em>, in cui ognuno dei sei artisti selezionati espone sei opere. </p> <p>La Galleria Previtali di Milano propone nel 2006 la personale <em>Yoon Si-Young - Milano dagli occhi a mandorla</em>, nel 2007 espone sue opere nella collettiva <em>Singolarità plurale </em>e nel 2008 fa nuovamente di Yoon Si Young il protagonista di una personale, <em>Milano, New York, Seul</em>.</p> <p>Nel 2010 l\'artista coreano è presente presso la stessa galleria milanese nell\'ampia collettiva <em>Metropolitan Baby</em>, che indaga la complessità del mondo dell\'infanzia.</p> <p>Vedute urbane, scorci di folla colti nella metropoli, musicisti sul palcoscenico. Su ciascuno dei suoi soggetti l\'inconfondibile segno di riconoscimento della sua arte è quella nebbia opalescente ottenuta sovrapponendo alla pittura ad olio, una volta asciutta, acrilico bianco diluito in acqua, un effetto che crea un filtro tra l\'opera e lo spettatore, come un vetro appannato frettolosamente pulito al centro, regalando ad ogni scena un vago senso di distanza con le realtà quotidiane, di volta in volta create, ma poi maliziosamente negate.</p> <p>Così scrive Giannino Giovannoni in <em>Yoon Si-Young. Recent Works</em> (Milano, 2001): "Yoon Si-Young [...] propone una sintesi di due modi differenti di concepire l\'arte figurativa e di vedere la realtà: talvolta si avvicina per osservare con incredibile minuzia delle goccioline d\'acqua delle quali rappresenta ogni pur minimo particolare, poi si allontana per lasciare intravedere un corpo femminile attraverso una grata. [...] è quindi un artista dai forti contrasti, per non dire delle contraddizioni: afferma e descrive con amorosa minuzia un dato reale, poi lo cancella e lo nega. Tutto ciò può rendere implicita anche una visione filosofica della realtà e della vita, che potrebbe sintetizzarsi nella precarietà e nella dimensione sostanzialmente illusoria del reale. [...] Nell\'opera di Yoon Si-Young vi è quindi l\'amore per un\'armonia totale della natura, che viene però sostanzialmente negata, e per i particolari della realtà, come i fiori, che vengono quasi percepiti come frammenti di una totalità ormai perduta". </p> <p>Yoon Si-Young vive e lavora a Opera, in provincia di Milano.</p> '))
 e Giuseppe Marchiori. Nel 1951 è a Parigi con una borsa di studio del governo francese, grazie al sostegno di importanti nomi della cultura italiana, fra cui Elio Vittorini e Mario Sironi. Qui stabilirà la sua residenza principale, alternando lunghi soggiorni di lavoro a Forio d\'Ischia, fino alla fine del 1955. Nel 1956 soggiorna a lungo in Bretagna, dove conosce l\'amico George Perros. Nel 1958 soggiorna per due anni a Panarea. Dal 1952 al 1960 espone quasi esclusivamente a New York, senza mai risiedervi. In quegli anni diventano suoi amici artisti e scrittori quali Gino Severini, Balthus, Sebastian Matta, Paul Delvaux, Alberto Moravia, Dacia Maraini, Michel Butor, Henry Cartier-Bresson.<br /> A partire dal 1960, la sua attività si manifesta sempre più in Europa: continua a vivere a Parigi, e alterna soggiorni di lavoro a Bertinoro, in Romagna, a Procida, a Bagheria, in Andalusia, in Normandia, a Panarea e sui colli fiorentini. Le mostre retrospettive più importanti si tengono nei musei di Basilea, Bruxelles, Metz, Parigi, Praga, Siena, Strasburgo, Spoleto, Tokyo, Bologna, Aosta, Montecarlo, Grenoble, Toulon, Milano.<br /> Nel 1964 ha una sala personale alla Biennale di Venezia. Nel 1965 riceve il premio della Biennale di San Marino; sempre nel 1965 partecipa alla IX Quadriennale Nazionale d\'Arte di Roma. Nel 1979 riceve il premio del Presidente della Repubblica Italiana all\'Accademia Nazionale di San Luca.<br /> In questo ventennio si precisano le complicità e le amicizie di una vita, tra cui spiccano Italo Calvino, Giorgio Soavi, Enrico Crispolti, Carlo Ludovico Ragghianti, Franco Solmi, Dino Buzzati, Alberto Sughi, Renzo Vespignani, Jean-François Lyotard, Jean Clair, Vittorio Sgarbi, Luchino Visconti, Bernardo Bertolucci ed Elio Petri. <br /> Dal 1983 al 1992 è Chef d\'Atelier de Peinture presso l\'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts di Parigi. È commendatore delle Arti e delle Lettere in Francia e membro dell\'Académie Royale des Sciences, des Lettres et des Beaux-Arts de Belgique, dell\'Accademia Nazionale di San Luca a Roma, dell\'Académie des Beaux Arts a l\'Institut de France, dell\'Accademia delle Arti del Disegno a Firenze.<br /> Nel 2005 e 2006 è Presidente dell\'Accademia di San Luca. Nel 2008 presenta a Legnano la produzione inedita degli anni accademici, in una grande mostra curata da Flavio Arensi e Alberto Buffetti. Sempre nel 2008 sono suoi gli interventi artistici, appositamente realizzati per l\'edizione FMR-ART\'E\', dei primi cinque Libri della <em>Bibbia</em> (<em>Genesi, Esodo, Levitico, Numeri, Deuteronomio</em>) nella versione ufficiale curata dalla Conferenza Episcopale Italiana. <p>Nel 2009 esce il volume <em>Cremonini. Disegni e acquerelli 1946-2006 </em>(a cura di Flavio Arensi, Allemandi editore) che per la prima volta raccoglie l\'ampia produzione su carta del maestro bolognese. <br /> Nel 2010 ad Atene s\'inaugurano mostre a lui dedicate, curate da Adriano Baccilieri: l\'una presso l\'Istituto Italiano di Cultura, l\'altra, una monografica, al Centro Culturale Athinais. </p> <p>La sua attività prosegue con esposizioni e retrospettive nei più importanti musei d\'arte contemporanea del mondo, ed è sempre presente su invito, oltre che alle mostre italiane, alle maggiori rassegne americane, giapponesi ed europee. Sue opere fanno parte delle collezioni di importanti musei italiani e stranieri, per citarne solo alcuni: The Museum of Modern Art di New York; The Carnegie Museum of Pittsburgh; Colorado Springs Fine Arts Centre; il Brooklyn Museum di New York; la Galleria degli Uffizi, a Firenze; Musée d\'Art Moderne de la Ville de Paris e il Centre Georges Pompidou di Parigi, la Galleria d\'Arte Moderna di Milano; la Galleria d\'Arte Moderna di Bologna.</p> <p>Muore a Parigi nell\'aprile del 2010.</p>'))
 dal 1981 ritorna a servirsi esclusivamente della pittura. Nel 1982 e nel 1983 vince due concorsi per la realizzazione di opere murali esterne su edifici pubblici, a Venezia e a Marghera (VE). Nel 1986 è uno dei giovani artisti esposti presso la Galleria L\'Attico di Roma nella mostra <em>Tre su mille: tre artisti scelti da Sargentini</em>. Nel 1990 espone nella stessa sede una personale di ritratti (dove la figura umana, da sempre al centro delle sue ricerche, torna a riaffiorare nei volti di artisti e di poeti famosi). "Con i poeti - scrive - ci vuole leggerezza [...] Come una vena carsica la figura umana, ossessione monotematica della mia pittura fino ai primi anni Ottanta, è ricomparsa, nel 1988, in alcuni volti di Pier Paolo Pasolini, all\'interno di una rassegna di paesaggi urbani e relitti del mondo contemporaneo". Nello stesso anno espone a Milano, presso la Galleria Avida Dollars, una serie di lavori dei cinque anni precedenti, intitolata <em>Archeologie</em>, dove accanto ai fantasmi dell\'arte passata (soprattutto quella barocca) rivivono le tracce e i relitti dell\'età contemporanea (treni, autobus e navi in disarmo). </p> <p>Sulla stessa linea si collocano i successivi <em>Interni</em>, proposti per la prima volta nel 1992 allo Studio Gastaldelli di Milano, dove esporrà poi un suggestivo ciclo serie di vedute veneziane, intitolata <em>Venezia, tentativi di immersione</em>, tema che ritorna più volte nella sua pittura, sempre con risultati eccezionali. </p> <p>La sua riflessione lo porta poi ad accostarsi al tema dei libri: la serie delle <em>Carte</em> rappresenta un po\' la summa della sua poetica pittorica. </p> <p>Nel 2002 realizza la spettacolare esposizione<em> Biblion</em> nel Salone Abbaziale di Sesto al Reghena: un omaggio al libro, alla carta e alla parola scritta. Seguono le personali <em>Elogio della pittura</em> (2002) allo Studio Gastaldelli e, l\'anno successivo, <em>Architetture dell\'anima</em> al Ta Matete living gallery di Milano, <em>Pagine Nere</em> (2003) all\'Attico di Roma; nel 2004 prende parte alle collettive curate da Flaminio Gualdoni, prima <em>Il sentimento dell\'arte</em> a Palazzo Isolani, Bologna, poi <em>Dipingere è amare ancora</em> al Ta Matete living gallery di Roma; espone quindi in <em>Paesaggi urbani</em> (2005) nella sala Claudia Augusta dei Palazzetti Cingolati, Feltre; <em>Percezioni di paesaggio</em> presso Ghiggini Arte Contemporanea, Varese (2005); <em>Forza motrice</em> (2005) nell\'Hangar ATAC di Piazzale Prenestino, Roma.</p> <p>Nel 2006 presenta <em>Pier Paolo Pasolini: volti 1988-2005</em> al Palazzo Ducale di Mantova: un ciclo di dipinti ispirati all\'icona del poeta con cui da anni continua a confrontarsi. Nello stesso anno realizza un importante ciclo espositivo dal titolo <em>Viaggio in Italia</em>, corredato da un ampio catalogo che sintetizza vent\'anni di ricerca e ripercorre visivamente aspetti contrapposti della cultura e della vita del Paese, e viene esposto prima alla Galleria Civica d\'Arte Moderna di Palazzo Collicola, a Spoleto, poi nella Torre Massimiliana dell\'Isola di Sant\'Erasmo, a Venezia. Del 2007 è la retrospettiva <em>I luoghi del sacro</em>, che si tiene nelle sale di Palazzo Agostinelli, a Bassano del Grappa; nello stesso anno tiene una grande mostra antologica dal titolo <em>Pietas Mundi</em> alla Galleria Sagittaria di Pordenone. Nella primavera del 2008 riprende il <em>Viaggio in Italia</em> con un\'ampia esposizione nella Galleria di Palazzo Dolmabahçe, a Istanbul, nel complesso dell\'ultima residenza dei sultani sulle rive del Bosforo. Nel 2008 realizza per il Comune di Feltre due grandi dipinti da inserire nel rinnovato complesso turistico museale della Galleria Romita. Da settembre 2008 inizia <em>Memorie di carta</em>, un percorso biennale con sei appuntamenti - che si sviluppano tra Gorizia, Roma, Udine, Mantova e Ivrea - dedicato a un tema vasto che spazia dalla carta, al libro, alle biblioteche, ai volti di scrittori e poeti da lui amati. Nel 2010 inaugura lo spazio espositivo della nuova Biblioteca Civica di Pordenone con la mostra <em>Post scripta, scrittori e poeti tra Veneto e Friuli</em> e realizza la grande mostra <em>Verde rame</em> nell\'edificio dei forni fusori delle miniere di rame di Valle Imperina (BL).</p> <p>Paolo Del Giudice vive e lavora fra Treviso e l\'altra sua casa che si trova alle falde del vicino Montello.</p> <p>Nell\'autunno del 2011 è protagonista, con un centinaio di tele, della rassegna <em>Percorsi dipinti. Sguardi quotidiani su Treviso</em> che coinvolge nove luoghi della sua città e consiste in una personale rilettura da parte dell\'artista del patrimonio storico, artistico e ambientale trevigiano.</p> '))
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; nel 2003 alla Galleria Alidoro, Pesaro, a cura di White Project, e alla Pianissimo Contemporary Art di Milano con<em> Marco Memeo, Giuseppe Restano</em>,<em> </em>a cura di Mauro Bianchini.</p> <p>Nel 2005 espone alla Galleria Ta Matete (nelle sedi di Roma e Bologna) con <em>Di che cosa parliamo quando parliamo di Carver</em>, personale a cura di Walter Guadagnini; nel 2006 è la volta di <em>MENS</em>, Memeo+Jins, allestita presso lo Studio Silvia Pastore di Torino; nel 2007 si tiene <em>Windows and Playlist</em>, Mens©, Spina 3, From Spoon to City, Torino; nel 2008 <em>The Dragon</em>, Mens©, Museo Arti e Mestieri di un Tempo, Cisterna d\'Asti, a cura di Arthesi; nel 2009 <em>Asti </em>al Palazzo della Provincia di Asti, a cura di Ivan Fassio, e <em>Oniriche di Donna</em>, presso Asti Nuovi Rumori, a cura di Marcello Coppo; nel 2010 <em>Mens@Momus</em> alla Galleria Momus di Torino, a cura di Ivan Fassio.</p> <p>Così l\'artista, pittore di spazi disabitati, di metafisica sospensione e d\'inquietudine, racconta la sua poetica: "Considero l\'Arte un linguaggio universale, ma che può e deve raccontare la storia del particolare, del singolo, alla ricerca di un terreno di confronto con tutto ciò che lo circonda e lo condiziona. Il paesaggio urbano diventa così il mio terreno d\'indagine e la mia fonte inesauribile d\'ispirazione: facciate di palazzi, teorie di balconi, finestre, lampioni, cartelli stradali, ecc. Aldilà del ruolo puramente funzionale, la città entra in rapporto estetico con chi non la vive soltanto distrattamente e ciascun dettaglio è lì a raccontarci qualcosa e a procurarci uno spazio di riflessione e fantasia".</p> <p>Tra le collettive a cui partecipa Memeo si segnalano: <em>Il Treno</em>, Galleria Recalcati, Torino, 1994; Biennale dei giovani artisti dell\'Europa e del Mediterraneo; Galleria Hyperion, Torino, 1997; <em>Nuovi Arrivi</em>, Galleria San Filippo, Torino, 1998; <em>Primaparete</em>, Galleria San Fedele, Milano, 1998; <em>Fuori Campo</em>, in occasione della 48a Biennale Internazionale d\'Arte, Venezia, 1999; <em>Ways Out</em>, Ausstellung Zeitgenossischer Kunst, Berlino, Buckenham Galleries, Southwold (Suffolk), Asociation Cultural Cruce, Madrid, 1999; <em>She is not alone</em>, Galleria Maria Cilena, Milano, 2000; <em>Quotidiana°°</em>, Galleria Civica Cavour, Padova, a cura di Virginia Baradel, Guido Bartorelli e Stefania Schiavon, 2000; <em>Na.To</em>., GAle GAtes et al., New York, a cura di Ombretta Agrò, 2000; <em>Bianco e Azzurro</em>, Fondazione Italiana per la Fotografia, Torino, 2001; <em>Godar</em>t, Museolaboratorio Arte Contemporanea, Città di Sant\'Angelo, Pescara, 2001; <em>Visura Aperta</em>, Centro Culturale Italiano, Momiano (Croazia), 2002; Premio Lissone, Civica Galleria d\'Arte Contemporanea, Lissone (MI), 2002; <em>White Project</em>, Galleria Franco Marconi, Milano, 2003; <em>Spazio Urbano</em>, Palazzo Bice Piacentini, San Benedetto del Tronto (AP), 2003;<strong> </strong><em>From Italy</em>, Claudio Poleschi Arte Contemporanea, a cura di Mauro e Renato Bianchini, Art Forum, Berlino, Trevi Flash Art Museum, Trevi (PG), 2003, Galleria Lipanjepuntin, Trieste, 2003; IV Premio Cairo Communication, Palazzo della Permanente, Milano, a cura di Maurizio Sciaccaluga, 2003; <em>FunCity</em>, Gas Gallery, Torino, a cura di Gabriella Serusi, 2005; <em>In Sede</em>, Divisione Servizi Culturali, Torino, a cura di Francesco Poli, 2005; <em>Il Corridoio dell\'Arte</em>, Palazzo della Provincia, Torino, a cura di Gabriella Serusi e Gabriele Fasolino, 2005. Per arrivare agli anni più recenti con: <em>Il Corpo Nudo</em>, curata da Patrizia Fischer, alla Galleria Narciso di Torino, nel 2008; <em>Paratissima</em>, curata da Daniele Ratti, Borgata San Salvario, a Torino, nel 2009; <em>La Città</em><em> di...</em>, curata da Ivan Fassio, Blu Box Arte Contemporanea, ad Asti, nel 2010.</p> <p>Marco Memeo vive a Rivoli, ma lavora a Torino.</p> <p> </p> '))
. Nel 1986 ottiene il quarto premio alla <em>Rassegna d\'Arte Contemporanea Amedeo Modigliani</em> a Cecina (PI), nell\'87 partecipa alla terza edizione d\'arte contemporanea <em>Spazio Arte</em> a Pisa, nell\'89 alla collettiva <em>Segnali di Casa Città di Pontedera</em>, nel \'90 alla <em>Rassegna d\'Arte Contemporanea Città di Fucecchio</em> e nel \'91 a <em>Pittori in Vetrina</em>, nuovamente a Pontedera (PI).</p> <p>Paola Vallini realizza le sue opere con tecniche miste su tela o su tavola. La preparazione di base può essere a tempera acrilica, ad acqua o a olio, con inserti di materiali vari, come la pomice o la malta sabbiata, il tutto rifinito a olio per mezzo di spatole o di pennelli. I segni sono incisi con la tecnica del graffito.</p> <p>Nel 2000 partecipa alla collettiva d\'arte contemporanea <em>Immagini senza tempo</em> nello storico Palazzo Datini a Prato, curata da Giovanna M. Carli. Nel 2001 il quadro <em>Oltre il sogno</em> è selezionato per il Premio Nazionale Autore Donna che si svolge a Castello Pasquini di Castiglioncello (LI); partecipa alla collettiva di artisti italiani a Tokyo, <em>Small Art Works</em>; a Firenze alla rassegna <em>Contuscanart</em> al Consolato Usa, con una trilogia di dipinti dedicati a New York. A Ponsacco (PI) l\'amministrazione comunale propone la personale <em>Passaggi </em>che si tiene a Palazzo Valli, e l\'editore CLD pubblica il volume <em>Paola Vallini. Passaggi</em>, con testi di Luca Faccenda, Ilario Luperini e Giovanna M. Carli. </p> <p>L\'opera <em>La notte di San Lorenzo</em> viene inserita nel calendario cinematografico 2002 dell\'ARCI, dedicato al cinema dei fratelli Taviani; il dipinto <em>Visioni e frammenti</em> entra a far parte della Collezione d\'arte contemporanea del Consiglio Regionale della Toscana. Per l\'otto marzo dello stesso anno realizza un\'opera grafica ispirata al film <em>Resurrezione</em> dei fratelli Taviani. Nel 2002 presenta la mostra <em>Immagini</em> alla Galleria d\'Arte Moderna di Pisa e lo stesso anno inizia a collaborare con ART\'E\' per il progetto Ta Matete. Nel 2003 presenta a Siena, ai Magazzini del Sale in Piazza del Campo, la mostra <em>Cieli di Toscana</em>, un omaggio ad Andrea Bocelli, con testo in catalogo di Luca Faccenda. Successivamente la mostra viene portata all\'Aereoporto Internazionale Galileo Galilei di Pisa. Nello stesso anno espone la raccolta di opere <em>Nostalgia del Presente</em> nella Chiesa della Spina, a Pisa, e alle Terme di Casciana. Partecipa, inoltre, alla mostra collettiva <em>Artisti a Pontedera</em> che si tiene al Centro per l\'Arte Otello Cirri e alcune sue opere vengono scelte dalla Manifattura di Signa per tirature su tela.</p> <p>Nel 2004 partecipa alla rassegna <em>Vision Leggiadre</em> alla Casa Carducci a S.Maria a Monte e Nicola Micieli presenta l\'ultimo ciclo di opere dell\'artista, <em>Terre di Confine</em> (catalogo Bandecchi e Vivaldi,) nell\'antica Fornace di Sammontana, a Montelupo, dove ha sede La Fornace Art Club. Nel 2005 partecipa al laboratorio didattico <em>Giocalarte</em>, da un progetto di Matithyah in collaborazione con il Comune di Pontedera. Nel 2006 è protagonista di una performance di <em>body painting</em>. Nel febbraio 2007 espone alla fiera d\'arte moderna e contemporanea di Genova e nel mese di ottobre ad ArtVerona. Nell\'aprile 2008 Giuseppe Cordoni presenta l\'ultimo ciclo della ricerca pittorica dell\'artista, <em>Oltre la porta del tempo</em>, nelle logge dello storico Palazzo Pretorio, a Volterra. Nel maggio 2008 espone alla Galleria d\'Arte Contemporanea di Arezzo e nella Pinacoteca del Consiglio Regionale della Toscana, a Palazzo Panciatichi di Firenze, partecipando al progetto <em>Acqua in Arte</em> di Ucodep. Nel novembre dello stesso anno partecipa alla collettiva <em>Donne in Arte</em> alla galleria Centro d\'Arte Moderna di Pisa. In marzo e giugno 2009 partecipa alla rassegna <em>Vedo Quadro</em> a Villa Pacchiani di Santa Croce sull\'Arno e all\'Accademia dei Ravvivati di Piombino. In luglio espone nella storica Torre Medicea di Castiglioncello. In novembre e dicembre, su iniziativa di CARISMI per l\'Arte, partecipa all\'esposizione <em>ARTEMIS </em>a Palazzo Inquilini San Miniato (PI). Nel marzo 2010 prende parte alla collettiva <em>Tratti di donna</em>, patrocinata dalla Provincia Pisa, a Villa Pacchiani di Santa Croce sull\'Arno (Pisa). In marzo e aprile partecipa alla collettiva <em>Eva e il pennello proibito. L\'Arte di essere donna</em>, al Castello di Lari (Pisa). Da giugno 2010 a luglio 2011 partecipa alla mostra itinerante <em>50 Pittori Toscani per 50 Cantanti Toscani</em>, con l\'opera dedicata a Petra Magoni. La mostra tocca prestigiosi luoghi espositivi della Toscana, quali la Pinacoteca Comunale di Volterra, Villa Pacchiani di Santa Croce sull\'Arno (PI), la Biblioteca San Giorgio a Pistoia, Palazzo Casali a Cortona (AR), il Grand Hotel La Pace a Montecatini (PT), il Museo Archeologico e la Galleria del Teatro Romano di Fiesole (FI), Palazzo Appiani a Piombino (LI).</p> <p>Paola Vallini vive e lavora in località Montecchio, Calcinaia (PI).</p> '))
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![Rosselli Natale](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/ROSSELLI.jpg', 'Rosselli Natale', '<p>Nato nel 1940 ad Empoli, in provincia di Firenze, Rosselli è pittore autodidatta, che inizia la propria attività ispirandosi ai grandi maestri della tradizione paesaggistica toscana. </p> <p>Ama dipingere dal vero, <em>en plein air</em>, per ottenere particolari effetti di luce e di colore. La sua pittura si svolge interamente nel solco della grande tradizione toscana che, dai Macchiaioli ai Coloristi, ha sempre seguito una via autonoma rispetto alle grandi correnti internazionali, rappresentando una delle poche acquisizioni originali italiane. In particolare, lo colpisce il tanto amato paesaggio toscano che, nella sua personale rielaborazione poetica, diviene il motivo centrale della sua pittura.</p> <p>Il critico d\'arte Raffaele De Grada dice di Rosselli che appartiene alla "schiera di coloro che dal paesaggio toscano traggono un\'emozione psichica eccezionale e fuori dalla norma".</p> <p>Visto il successo delle sue opere, inizia a studiare con assiduità le tecniche pittoriche e la storia delle arti figurative, creandosi un bagaglio culturale di grande ricchezza. Organizza la sua prima personale nel 1992, presso il Palazzo Comunale di Empoli. Nel 1993 partecipa ad importanti mostre nazionali, ottenendo numerosi riconoscimenti, ed espone al Palazzo Ghibellino, sempre di Empoli. Nel 1994 tiene una personale al Museo della Ceramica di Montelupo Fiorentino e viene inserito nel catalogo Mondadori <em>Pittori in Toscana</em>, curato dai critici Calandra, De Rosa e Ugolini. Nel 1995 allestisce una personale al Palazzo delle Esposizioni di Empoli, con circa quaranta opere, e tiene altre mostre a Forte dei Marmi, Milano, Mantova, Reggio Calabria, Trapani, Cortina e nel Principato di Monaco. </p> <p>Nel 1996 partecipa a Expo Arte a Bari e ad Arte Fiera a Padova. Nel 1997 è presente nuovamente ad Arte Fiera a Padova, a Expo Arte a Bari, ad Arte Fiera di Parma e a Vicenza Arte. Nel 1998 ripete le stesse esperienze, aggiungendo una mostra ad Arte Fiera Palazzo dei Congressi, Montecarlo. Nel 1999, oltre alle solite manifestazioni fieristiche, organizza una mostra alla Galleria Civica del Comune di Padova. Nel 2000 tiene una personale alla Galleria Lazzaro by Corsi di Milano; nel 2001 una alla Galleria San Lorenzo di San Miniato (PI) e una alla Art Gallery di Capri.</p> <p>Nel 2003 espone nella collettiva <em>Meraviglia </em>al Ta Matete living gallery di Roma; seguono numerose collettive: nel gennaio 2007 <em>Costellazione </em>a<em> </em>Santa Croce sull\'Arno (PI); nel maggio-giugno 2008 <em>Perché io no?</em> a Villa Valdisonsi a Crespina (PI); nel 2009 <em>Da Collezione Privata </em>a<em> </em>Perugia, Torre Strozzi - Centro per l\'arte contemporanea; nel febbraio 2009 <em>Luce, emozione e fantastici enigmi. Omaggio a Turner</em> a Ferrara, al Castello Estense e alla Galleria dell\'Uva; infine, nella primavera 2009, a Villa Pacchiani di Santa Croce sull\'Arno <em>Vedo quadro</em>, cento artisti nel formato trenta per trenta, mostra che poi si sposta a Piombino, all\'Accademia dei Ravvivati.</p> <p>Di Rosselli hanno scritto Raffaele De Grada, Marco Dallari, Riccardo Ferrucci, Flaminio Gualdoni, Dino Pasquali, Alessandra Scaffini, e tanti altri.</p> <p>In particolare, Raffaele De Grada scrive: "Nel paesaggio Rosselli avverte la principale contraddizione contro la dissoluzione della forma come anticipazione della morte della forma stessa, un verde prato che ascende verso il cupo indistinto dei boschi, un allontanarsi di colli, oltre la siepe di grano, verso l\'azzurro di un cielo infinito, una costa al di là del fiume, rigata da una spatola inquieta, non sono un ‘motivo\' come era inteso nella pittura novecentesca, sono invece altrettanti elementi che alimentano un pathos spirituale tendente a imporsi al sentimento del grande pubblico come mediazione tra la scienza del dipingere e il buon senso comune". (in <em>Natale Rosselli</em>, 1996).</p> <p>Natale Rosselli vive e lavora a Empoli.</p> '))
. <p>Le sue partecipazioni alla Biennale saranno in tutto quattordici, dal 1928 al 1972; invitato ad otto edizioni consecutive, fino al 1942. Nel 1929 vince il premio Baruzzi e partecipa alla Mostra internazionale di Barcellona, con l\'opera <em>Bagnanti</em>. Nel 1930 si reca a Venezia per insegnare all\'Accademia di Belle Arti: a soli 28 anni è il più giovane insegnante italiano. Nel 1931 (e fino al 1972) prende parte alla Quadriennale di Roma; mentre l\'anno dopo, assieme a Bucci e Montanarini, vince il Premio Firenze, con <em>Donna con bambina</em>. </p> <p>Partecipa alla grandi rassegne internazionali organizzate dalla Biennale veneziana (Praga, Varsavia, Cracovia, Budapest, Vienna, Sofia, Bucarest) oltre che a numerose rassegne nel territorio nazionale, La visita che Saetti fa, nel 1935, a Pompei e alle raccolte di frammenti di pitture parietali al Museo Nazionale di Napoli avrà grande influenza nel processo di passaggio dalla tela al muro, dall\'olio all\'affresco. Una visita che ravviva oltre misura il suo amore per questa tecnica e che lo porterà ad essere considerato, nel dopoguerra, l\'ultimo "maestro frescante italiano". </p> <p>Nel 1939 viene invitato alla terza edizione della Quadriennale romana con una mostra personale, dove espone ventun\'opere e ottiene anche il primo premio per la pittura, davanti a Giorgio Morandi. Nel 1950 diviene direttore dell\'Accademia di Belle Arti di Venezia, carica che manterrà fino al 1956. Negli anni successivi realizza (a volte insieme a Ferruccio Ferrazzi) affreschi in molti edifici pubblici e viene insignito di numerosi premi (il Salsomaggiore, il Michetti, il Fiorino, ecc.). Suo è l\'affresco che adorna l\'Aula Magna dell\'Università di Padova, la <em>Sacra Famiglia</em> del 1958. </p> <p>Per quel che riguarda gli affreschi, tra le sue opere maggiormente conosciute, oltre a quello di Padova, ricordiamo <em>Angeli</em> del 1961, conservato nella chiesa dell\'Autostrada del Sole e <em>Colloquio con l\'angelo</em> del 1974, affresco su tela che si trova alla GAM di Bologna. </p> <p>Nel 1962 alla XXXII edizione della Biennale di Venezia espone con una sala personale.</p> <p>Nel 1972 viene invitato dal Governo Giapponese a insegnare tecnica dell\'affresco alle Università dell\'Arte di Tokyo e di Nagoya, oltre che a tenere importanti esposizioni in queste città e a Osaka.</p> <p>Pittore anche di arte sacra, viene invitato a numerose rassegne a tema. Nel 1975 tiene un\'antologica a Venezia nell\'Ala Napoleonica e nel 1979 conclude la sua carriera pubblica con un\'altra antologica a Firenze, a Palazzo Strozzi.</p> <p>Bruno Saetti, subisce nel corso della sua carriera, numerosi influssi; in particolare, dopo un iniziale interesse per l\'impressionismo, negli anni Quaranta rivolge la propria attenzione alla creazione di una personale interpretazione del realismo, sempre di tendenza espressionista, ma con una rigorosa strutturazione formale, nella quale poi, col tempo, convergeranno anche le tecniche dell\'affresco e del mosaico.</p> <p>Soggetti tipici di Saetti sono i paesaggi veneziani, al tramonto, con il sole che cade nella laguna, quella forma circolare che, come egli stesso diceva, "si inscrive perfettamente in questa meravigliosa città creata dall\'uomo, in queste vecchie case, negli stupendi palazzi veneziani, sopra il piano affascinante dell\'orizzonte sul quale si disegnano le Zattere del Canale della Giudecca", ma ci sono anche le figure, dalle pose statiche e dalle espressioni attonite. Saetti si concentra, infatti, soprattutto sul ritratto, sullo studio della figura femminile e sul tema della maternità; la donna diventa così il principio di sorgente di vita, mentre l\'angelo e il sole, considerato dallo stesso artista "il miracolo quotidiano della vita", sono altri temi cari che si affiancano a paesaggi e nature morte.</p> <p>Dopo un\'antologica di commiato a Venezia e a Firenze per "salutare" definitivamente la sua carriera artistico-pittorica.</p> <p>Bruno Saetti muore a Bologna nel 1984.</p>'))
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 i <em>Pliages d\'ombres</em> e tiene una personale al Musée de Menton; nel 1978 pubblica <em>Escargots</em>, con testo di Francis Ponge (Matarasso, Nizza). </p> <p>Nel 1981 espone la serie <em>Jacques Prévert</em> alla Fondation Nationale de la Photographie di Lione e pubblica <em>Portraits de Picasso</em>, <em>Drôle de vie</em> e <em>Prévert-couleurs</em>.<br /> Tra le sue collaborazioni spiccano quelle con Jacques Prévert, con il pittore Antoni Clavé e con Michel Butor. <br /> Pubblica su numerose riviste di prestigio e realizza mostre in tutto il mondo; in particolare ricordiamo la personale del 1985 alla <em>Galerie d\'art contemporain </em>di Nizza e, sempre a Nizza, nel 2000, l\'antologica al <em>Théatre de la photographie et de l\'image</em>. </p> <p>Nell\'aprile 2004 si tiene la<em> </em>mostra <em>André Villers. Picasso e altri ritratti</em> alla Living gallery Ta Matete di Roma, novantotto scatti realizzati da colui che, a partire dagli anni Cinquanta, per mezzo secolo è stato l\'autore di una delle più geniali gallerie di ritratti del Novecento.</p> <p>Le produzioni di Villers nell\'ottobre del 2004 si spostano negli Stati Uniti per un\'importante mostra che si tiene alla galleria Gagosian di New York<em>.</em> </p> <p>Per arrivare ad anni più recenti, del 2008 è la rassegna itinerante <em>André Villers - REFLEXions I. Picasso negli occhi</em> (al Credit Suisse di Varese, alla Sala espositiva dell\'Hotel des Etats di Aosta e in altre sedi per tutto l\'arco del 2008): a trentacinque anni dalla scomparsa di Pablo Picasso e a cinquantacinque da quando il giovane Villers conobbe il più grande genio del XX secolo, una importante monografia, <em>Album Villers</em>, a cura di Debora Ferrari e Luca Traini (edita da Fabbrica Arte, Varese) raccoglie per la prima volta in modo esaustivo l\'opera fotografica e artistica di questo straordinario personaggio.</p> <p>Nel luglio 2010 è la volta di <em>André Villers - La perspective du ventre</em> a Venezia, Fondaco dei Tedeschi. </p> <p>Nel 2011 esce <em>Villers et les Sapone, Photographies d\'une amitié</em> (edito da Sapone Gallery, Nizza),</p> <p>Oggi Villers vive a Mougins con la moglie Chantal. </p>'))
![Maraniello Giuseppe](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/Maraniello.jpg', 'Maraniello Giuseppe', '<p>Nato a Napoli nel 1945, compie i suoi studi prima presso l\'Istituto d\'Arte, poi per due anni all\'Accademia di Belle Arti di Napoli. Nel 1969 insegna al Liceo Artistico di Benevento e inizia la sua collaborazione con la Galleria Morra. Nel 1971 si trasferisce a Milano, entra in contatto con vari artisti e con la galleria di Luciano Inga Pin, il ché favorirà la sua attività artistica allora indirizzata verso l\'uso della fotografia. Verso la fine degli anni Settanta questo strumento viene abbandonato a favore della pittura e, in generale, dei linguaggi tradizionali dell\'arte. <br /> Tra le prime mostre pubbliche si ricorda nel 1979 <em>L\'estetico e il selvaggio</em>, a cura di Giorgio Cortenova, alla Galleria Civica d\'Arte Moderna di Modena e nel 1980 <em>Italiana nuova immagine</em>, a cura di Achille Bonito Oliva, alla Loggetta Lombardesca di Ravenna. Con la mostra <em>Dieci anni dopo i nuovi nuovi</em>, a cura di Renato Barilli, nasce il gruppo dei "nuovi nuovi" col quale partecipa a tutte le esposizioni, esclusa l\'ultima tenutasi nel 1996 alla Galleria d\'Arte Moderna di Torino. La sua attività continua con partecipazioni a mostre pubbliche e private in Italia e all\'estero. Dal 1989 insegna Pittura all\'Accademia di Belle Arti di Brera, a Milano. Nel 1990 partecipa con una sala personale alla XLIV Biennale d\'Arte di Venezia. Nel 1993 la Galleria Civica di Trento e la Galleria d\'Arte Moderna di Bologna (Villa delle Rose) gli dedicano una retrospettiva, con particolare attenzione anche alle ultime esperienze. A Trento Maraniello installa un\'opera pubblica permanente<em>, Vasi comunicanti</em>, nei giardini del Centro Santa Chiara. Nel 1994 espone alla mostra <em>L\'incanto e la trascendenza</em>, a cura di Danilo Eccher, a Castel Ivano (Ivano Fracena, Trento). Nel 1995 viene invitato a "Artelaguna", a cura di Simonetta Gorreri, col patrocinio della Biennale di Venezia. Nel 1996 realizza un\'opera pubblica in bronzo, installata nei giardini della Galleria d\'Arte Moderna di Bologna. Nel 1997 partecipa alla mostra <em>Arte Italiana Materiali Anomali</em>, a cura di Danilo Eccher e Dede Auregli, che si tiene alla Galleria d\'Arte Moderna di Bologna, e alla mostra "ARtMONIE", a cura di Pier Giovanni Castagnoli, ancora a Castel Ivano. Nel 1998 espone alla mostra <em>Trash. Quando i rifiuti diventano Arte</em>, a cura di Lea Vergine, a Palazzo delle Albere, Trento e all\'Archivio del Novecento di Rovereto. Nello stesso periodo la Galleria Giò Marconi di Milano gli dedica una mostra personale che si sviluppa su tre piani; espone con Luigi Mainolfi a Pesaro al Centro Arti Visive Pescheria. A Napoli partecipa alla mostra <em>Bandiere di Maggio</em>, a cura di Eduardo Cicelyn, nel Colonnato di Piazza Plebiscito. Sempre nel 1998 alla casa del Mantegna, a Mantova, partecipa alla mostra<em> </em>curata da Maria Teresa Fiorio e Concetto Pozzati <em>Viaggio in Italia 1998-2000: Milano da Boccioni a... </em><br /> Da ottobre 1999 installa varie opere permanenti: nella città di Molfetta, Bari, un\'opera dedicata al Marinaio; nel 2000 nell\'Atrio della Facoltà di Giurisprudenza di Trento e nell\'area antistante l\'ingresso al pubblico della Corte d\'Appello di Caltanissetta. Nel 2001 espone alla Fortezza Firmafede di Sarzana, La Spezia, a cura della Galleria Cardelli & Fontana. Nel 2002 realizza un progetto con Arnaldo Pomodoro, un <em>Cristo</em> per la Cattedrale di St. John Evangelist a Milwaukee, USA. Nel 2002 espone alla Rocca Sforzesca di Imola. Nel 2004 espone nella Casa Musumeci Greco di Roma e in contemporanea allo Spazio Volume, sempre a Roma, alla Galleria Levy di Amburgo e alla Torre Guevara a Ischia. Nello stesso anno Lea Vergine, Giorgio Verzotti e Jean-Hubert Martin lo invitano a partecipare alla mostra <em>Il bello e le bestie</em> presso il Mart di Rovereto. Nel 2005 espone alla Fondazione Arnaldo Pomodoro di Milano nella mostra dedicata alla <em>Scultura italiana del XX secolo</em>. Nel 2006 inaugura con una personale alla Galleria Civica di Arco di Trento, a cura di Giovanna Nicoletti. Nel 2007 realizza per FMR-ART\'È l\'opera di copertina, una scultura originale a bassorilievo, per il volume <em>Credo</em>. <em>Immagini d\'arte e letteratura. </em>Nel 2008 gli viene assegnato il Premio "Guglielmo Marconi" per la pittura scultura e arte elettronica, promosso dall\'Università degli Studi di Bologna, Fondazione Guglielmo Marconi. Nello stesso anno espone in Piazzetta della Croce Rossa a Milano nella mostra <em>MIRAGGI a MiArt</em> un\'opera in bronzo alta 13 metri. Espone nell\'atrio della Nuova Università Bocconi una scultura in bronzo, a cura della Fondazione Arnaldo Pomodoro. Nel 2009 installa nella città di Terni, in Piazza dei Poeti, un\'opera pubblica permanente, di 24 metri di altezza.<strong> </strong>Nel 2009 viene allestita una sua grande mostra dal titolo <em>Il gatto dorme rotondo</em> di sculture monumentali al Giardino di Boboli, Firenze.</p> '))
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 e <em>Laboratorio Italia. La fotografia nell\'arte contemporanea</em>, a cura di M. Paderni (Johan & Levi Editore).</p> <p>Le mostre collettive del 2009 a cui prende parte sono: <em>Rereading the Image - Photography as storage of meaning (Italy 1970/1990)</em>, curata da L. Panaro, Biennale di Praga 4; e <em>La presenza delle cose, l\'assenza delle persone</em>, curata da P. Weiermair, Spazi della Benfenati & Co. di Bologna.</p> <p>Viene selezionato tra i finalisti del "Premio Agenore Fabbri IV. Posizioni attuali dell\'arte italiana", nell\'edizione 2009-2010.</p> <p>La personale <em>Big Bang</em>, curata nel 2009 da Marinella Paderni alla galleria Nicoletta Rusconi di Milano, è la descrizione di mondi lontanissimi evocati trasfigurando oggetti di uso quotidiano nel microcosmo della camera oscura senza l\'uso dell\'apparecchio fotografico. Con la galleria Nicoletta Rusconi espone ad Arte Fiera nel gennaio 2010, al MiArt nel marzo dello stesso anno e, a settembre 2011, nella collettiva <em>Come le lucciole.</em></p> <p>È uno dei vincitori dell\'edizione 2010 del "Premio Terna 03 per l\'arte contemporanea". </p> <p>Altre mostre collettive a cui partecipa nel 2010 sono:<em> (+150) Visione: origine e potere. Energia attraverso le generazioni</em>, Tempio di Adriano, Roma; Festival di Fotografia Europea, Reggio Emilia; <em>Al di là delle apparenze opache</em>, Museo dei Cappuccini, Reggio Emilia.</p> <p>Nel 2011 alcune sue opere vengono acquisite dalla collezione permanente di fotografia della Galleria Civica di Modena e tiene la personale <em>Luci, ombre e bugie</em>, curata da Luca Panaropresso, da Betta Frigieri arte contemporanea di Modena. Del 2011 sono inoltre le collettive <em>Sembianze. La fotografia tra realtà e apparenza</em>, curata da Italo Zannier e Roberto Maggiori, San Marino e <em>Tracciabil</em>i, curata da Sara Mazzocchi, Porta di Sant\'Agostino e Traffic Gallery, Bergamo.</p> <p>Davide Tranchina vive e lavora tra Bologna, Milano e Bergamo.</p>'))
![Rotella Mimmo](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/ROTELLA.jpg', 'Rotella Mimmo', 'Nasce a Catanzaro nel 1918. Diplomatosi all\'Accademia di Belle Arti di Napoli, si stabilisce a Roma nel 1945. <p>Dopo una prima fase di sperimentazione di diversi stili pittorici, che lo porterà a rivoluzionare i linguaggi artistici del dopoguerra, allestisce nel 1951 la prima mostra personale alla Galleria Chiurazzi di Roma. Lo stesso anno ottiene una borsa di studio dalla Fulbright Foundation, che gli consentirà di frequentare la prestigiosa Università di Kansas City.</p> <p>Realizza un pannello murale nella Facoltà di Fisica e registra i poemi fonetici che definisce "epistaltici". Nel 1952 viene invitato prima a Boston dalla Harvard University per una performance di poesia fonetica, poi a Washington dalla Library of Congress per la registrazione di alcuni poemi fonetici. </p> <p>Rientrato in Italia, dopo una fase di riflessione sui mezzi della pittura e sulla necessità di utilizzare nuovi strumenti, inventa la tecnica del <em>décollage</em>, caratterizzata dallo strappo di manifesti pubblicitari affissi nelle strade i cui frammenti vengono incollati sulla tela. Esempi memorabili di questa fase sono <em>Un poco in su</em> e <em>Collage</em>, entrambi del 1954.</p> <p>Dal 1958 abbandona gradualmente le composizioni puramente astratte per realizzare <em>décollage </em>con immagini chiaramente leggibili. Questa tendenza culmina nella serie <em>Cinecittà</em>, realizzata nel 1962, dedicata alle stelle del cinema e a personaggi famosi. Appartengono agli anni Sessanta i lavori dedicati alle <em>affiches</em> del cinema mondiale, con i volti dei grandi miti di Hollywood.</p> <p>Nel 1961 aderisce, su invito del critico e teorizzatore Pierre Restany, al gruppo del Nouveau Réalisme, anche se non ne firma il manifesto. Trasferitosi a Parigi nel 1964, lavora alla definizione di una nuova tecnica, la <em>Mec Art</em>. I primi lavori, risultati da questa ricerca, vengono esposti nel 1965 alla Galleria J di Parigi.</p> <p>Continua la sperimentazione con la serie degli <em>Artypo</em>, prove di stampa tipografiche scelte e incollate liberamente sulla tela. Nel 1972 pubblica per la casa editrice Sugar il volume autobiografico <em>Autorotella</em>.</p> <p>Nel 1975 espone alla Galleria Plura di Milano la serie <em>Plastiforme</em> e nello stesso anno pubblica il primo disco LP italiano di poemi fonetici; nel 1976 prende parte al Recital Internazionale di Poesia Sonora-Poesia Azione, presso l\'atelier Annick Le Moine di Parigi; e nel 1977 partecipa alla Cooperarte, insieme ad artisti come Accardi, Perilli e Turcato.</p> <p>Gli anni Settanta sono caratterizzati anche da viaggi frequenti negli Stati Uniti, in India e in Nepal, poi si stabilisce definitivamente a Milano (1980).</p> <p>Appartengono agli inizi degli anni Ottanta le <em>Coperture</em>, manifesti pubblicitari ricoperti da fogli che occultano l\'immagine sottostante, presentati allo Studio Marconi di Milano e alla Galleria Denis René di Parigi (1981).</p> <p>A metà degli anni Ottanta ritorna alla pittura con il ciclo <em>Cinecittà 2 in cui riprende il tema del cinema affrontato in tele di grandi dimensioni e con la serie Sovrapitture </em>su <em>décollage</em> e su lamiera: si tratta di interventi pittorici su manifesti lacerati e incollati su pannelli metallici che caratterizzano la stagione più recente dell\'artista.</p> <p>Oltre che alle principali mostre dei Nouveaux Réalistes e a più di cento esposizioni personali in Italia e all\'estero, l\'artista partecipa a importanti rassegne nazionali e internazionali, fra cui:<em> The Art of Assemblage</em> (MoMA di New York, 1961); <em>Oltre l\'Informale</em> (IV Biennale Internazionale d\'Arte di San Marino, 1963); <em>Vitalità del negativo nell\'arte italiana 1960/70</em> (Palazzo delle Esposizioni di Roma, 1970); <em>Linee della ricerca artistica in Italia 1960/1980</em> (Roma, Palazzo delle Esposizioni, 1981); <em>Arte Italiana contemporanea</em> (Hayward Gallery di Londra, 1982); <em>Arte Italiana del XX secolo</em> (Royal Academy of Arts di Londra, 1989); <em>The Italian Metamorphosis 1943-1968</em> (Solomon R. Guggenheim Museum di New York, 1994); <em>Art and film since 1945. </em><em>Hall of Mirrors</em> (Museum of Contemporary Art di Los Angeles, 1996).</p> <p>Tra le personali degli ultimi anni citiamo quella del 1999 al Museo d\'Arte Moderna e Contemporanea di Nizza, del 2000 a New York e a Parigi; nel 2001 espone a Palazzo Lanfranchi di Pisa, alla Galleria Spaziotempo di Firenze, alla Galerie Fish Platz di Ulm e alla Galerie Binz Kramer di Colonia.</p> <p>Tra le collettive ricordiamo nel 1999 <em>Pop art Europe/Usa,</em> al MoMA di New York; la Biennale di Venezia, che nel 2000 gli dedica un\'intera sala, e nel 2001 Rotella è presente al Centre Georges Pompidou di Parigi con <em>Les années pop</em>.</p> <p>Nel 2000 viene costituita, per volontà dell\'artista, la Fondazione Mimmo Rotella, con l\'obiettivo di raccogliere le opere e le documentazioni catalogate della vita artistica del maestro. Nel 2004 Rotella riceve la laurea honoris causa in Architettura all\'Università degli Studi Mediterranea di Reggio Calabria.</p> <p>Mimmo Rotella muore a Milano il 9 gennaio 2006. </p>'))
![Fabbri Giovanni](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/fabbri.jpg', 'Fabbri Giovanni', 'Nasce a Meldola nel 1947 da una famiglia di mezzadri agricoli e interrompe gli studi a dodici anni, quando si trasferisce a Castiglione di Cervia. Nel 1960, studiando clarinetto e sax tenore, inizia un percorso musicale che si sviluppa con esperienze orchestrali fino al 1970. Nel 1980 inizia la sua vocazione artistica che lo porta a diplomarsi in pittura all\'Accademia di Belle Arti di Ravenna, sotto la guida di Umberto Folli. Sono di questo periodo molti studi di figure segnate da un\'attenta riflessione sulla forma di marca "cezanniana". Si avvicina poi ad atmosfere simili a quelle della pittura degli anni Ottanta. Un figurativo visionario che emerge direttamente dall\'inconscio dove l\'espressione diventa forma, ma in una continua ricerca pascolando nell\'altrui pittura passando da Morandi a De Stael per ritrovarsi in quel vasto continente un tempo definito "astratto concreto". Una ricerca ossessiva sulla natura delle cose, un naturalismo sul filo della memoria più che visto con gli occhi fino ad arrivare all\'immagine astratta come sintesi, "un tempo che si sente per così dire, nella materia pittorica, nel trasudare di certi colori, nei toni spesso trattenuti e come velati" (Claudio Spadoni). <p>La sua prima personale si tiene all\'inizio degli anni \'90 alla Galleria Free Time Club di Cesena.</p> <p>Parallelamente per Fabbri inizia un momento di grande esperienza nei confronti del mondo dell\'arte contemporanea, complice in questo il legame con il gallerista cesenate Albo Sirri che gli permette di entrare in relazione con alcuni dei maggiori protagonisti della pittura italiana del dopoguerra, tra cui Achille Perilli e Piero Dorazio. Questi contatti, uniti alla partecipazione a numerosi concorsi e fiere d\'arte contemporanea, gli permettono di elaborare una maggiore apertura e di arrivare a una piena e consapevole maturità artistica. </p> <p>Giovanni Fabbri è inserito nella sezione "giovani generazioni anni Quaranta", catalogo ragionato della pittura italiana a cura di Giorgio Di Genova ed è in permanenza al Museo Bargellini di Pieve di Cento, al M.A.R. di Ravenna, al Museo Parmeggiani di Cento, a Casa Cini a Ferrara, a San Zeno in Monte con l\'affresco commissionato all\'inizio del 2000 per la cappella di San Giovanni Calabria nel veronese. Parallelamente si sviluppa una forte amicizia con il poeta ed artista Carlo Marcello Conti che, sulla rivista Zeta, dedicherà a Fabbri numerosi saggi e articoli.</p> <p>Come ha scritto Giorgio Di Genova, la sua è "una gestualità assolutamente veloce e sintetica. Quasi terrorizzata dall\'indugiare accessorio e lezioso del pennello, che invece di rifinire in alcuni casi infierisce creando solchi nella materia cromatica, come un modus operandi simile all\'informale di Fautrier. Sì, perchè nei dipinti più recenti maggiore si fa la tensione alla non-figurazione e protagonista rimane lo stratificarsi corposo delle cromie."</p> <p>Nel 2002 espone alla galleria Ta Matete di Milano, nel 2004 al Palazzo del Ridotto di Cesena e nel </p> <p>2009 è presente alla Fiera d\'Arte Contemporanea con la galleria Incontri d\'Arte di Forlì </p> <p>e ai Magazzini del Sale di Cervia, Ravenna. </p> <p>Attualmente, oltre all\'attività di pittore, Fabbri si occupa del coordinamento della sua azienda agricola a Castiglione di Cervia. </p>'))
![Fiume Salvatore](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/Salvatore-Fiume.jpg', 'Fiume Salvatore', 'Nato a Comiso, in Sicilia, nel 1915, a sedici anni, entra grazie a una borsa di studio al Regio Istituto d\'Arte del Libro di Urbino; qui acquisisce una profonda conoscenza di tutte le tecniche di stampa. Nel 1936, terminati gli studi, si reca a Milano dove conosce artisti e intellettuali, fra cui Quasimodo, Buzzati e Carrieri, con i quali stringe amicizia. <br /> Nel 1938 si trasferisce a Ivrea, presso la Olivetti, dove è art director della rivista "Tecnica e Organizzazione", a cui collaborano intellettuali di fama, come Franco Fortini e Leonardo Sinisgalli. Sebbene intenda affermarsi come pittore, Fiume ottiene il primo successo con un\'opera letteraria, il romanzo <em>Viva Gioconda!</em>, scritto nei primi anni della guerra e pubblicato a Milano nel 1943 dall\'editore Bianchi-Giovini. Per potersi dedicare completamente alla pittura, nel 1946 lascia la Olivetti e si stabilisce a Canzo, vicino a Como, dove adatta a studio una filanda dell\'Ottocento che, dal 1952, diverrà anche la sua residenza.<p>La prima mostra si tiene a Milano, nel 1949, alla Galleria Borromini, dove le sue <em>Isole di Statue</em> e <em>Città di Statue </em>suscitano molto interesse da parte della critica. Segue nel 1950 l\'invito della Biennale di Venezia ad esporre il trittico <em>Isola di Statue</em> (ora conservato nei Musei Vaticani) che gli vale una copertina della rivista americana "Life". Ma già nel 1949 il direttore del Museo d\'Arte Moderna di New York acquista un\'opera di Fiume per il museo, mentre la Collezione Jucker di Milano acquisisce un altro suo dipinto.</p> <p>Nel 1953 le riviste "Life" e "Time" gli commissionano per le loro sale riunioni di New York una serie di opere raffiguranti una storia immaginaria di Manhattan e della Baia di New York, che Fiume reinventa come isole di statue.</p> <p>Fra il 1949 e il 1952, su invito dell\'industriale Bruno Buitoni Sr, Fiume completa un ciclo di dieci grandi dipinti sul tema "le avventure, le sventure e le glorie dell\'antica Perugia" nei quali è evidente la lezione di maestri italiani del Quattrocento come Piero della Francesca e Paolo Uccello. I dipinti, donati dalla famiglia Buitoni alla Regione Umbria nel 1998, sono conservati a Perugia nella Sala Fiume di Palazzo Donini.</p> <p>Nel 1950 il grande architetto Gio Ponti gli commissiona un enorme dipinto (48 x 3 metri) destinato alle pareti del salone di prima classe del transatlantico Andrea Doria. Fiume vi rappresenta una città rinascimentale immaginaria, ricca di capolavori italiani del Quattrocento e del Cinquecento. Nel 1956 questa immensa tela affonda con l\'Andrea Doria al largo di Nantucket, Massachusetts.</p> <p>La prima esperienza di Fiume nella scenografia risale al 1950, quando esegue i bozzetti per le scene e i costumi de <em>La Vida Breve</em> di Manuel de Falla, un\'attività che continua fino ai primi anni Sessanta anche con altri teatri come il Covent Garden di Londra, il Teatro dell\'Opera di Roma e il Teatro Massimo di Palermo.</p> <p>Nel 1962 una mostra itinerante porta cento quadri di Fiume in vari musei tedeschi toccando, fra le altre, le città di Colonia e Ratisbona.</p> <p>Nel 1973, accompagnato dall\'amico fotografo Walter Mori, Fiume si reca in Etiopia, nella Valle di Babile. </p> <p>Per la grande antologica del 1974 al Palazzo Reale di Milano, realizza un modello a grandezza naturale di una sezione delle rocce dipinte in Etiopia, occupando quasi interamente l\'enorme Sala delle Cariatidi. Nella stessa occasione presenta per la prima volta la <em>Gioconda Africana</em>, ora custodita nei Musei Vaticani.</p> <p>Nel 1975-\'76 l\'artista dipinge alcune pareti interne ed esterne dell\'antico castello semidiroccato della cittadina calabrese di Fiumefreddo Bruzio e nel 1977 la cupola della Cappella di San Rocco. In seguito negli anni Novanta, collocherà una scultura di bronzo in ciascuna delle due piazze panoramiche di Fiumefreddo che dominano il mare dall\'alto.</p> <p>Nel 1985 tiene una grande mostra a Castel Sant\'Angelo a Roma.Del 1987 è l\'esposizione intitolata <em>De Architectura Pingendi</em> allo Sporting d\'Hiver di Montecarlo, inaugurata dal Principe Ranieri di Monaco.</p> <p>Nel 1988 l\'Università di Palermo gli conferisce la laurea ad honorem in Lettere Moderne come riconoscimento per la sua attività di narratore, poeta e drammaturgo.</p> <p>Nel 1991 espone i suoi progetti architettonici alla Mostra Internazionale di Architettura, al Palazzo delle Esposizioni di Milano.</p> <p>Del 1992 è la mostra a Villa Medici, sede dell\'Accademia di Francia a Roma.</p> <p>Nel 1993 Fiume visita i luoghi di Gauguin in Polinesia e, in omaggio al grande maestro francese, dona un suo dipinto al Museo Gauguin di Tahiti.</p> <p>Sebbene si cimenti con la scultura fin dagli anni Quaranta, Fiume debutta ufficialmente come scultore solo nel 1994 con una mostra alla Galleria Artesanterasmo di Milano. La sua produzione comprende opere in pietra, bronzo, resina, legno e ceramica, alcune delle quali di grandi dimensioni, come la statua di bronzo al Parlamento Europeo di Strasburgo, i gruppi in pietra degli ospedali San Raffaele di Milano e di Roma e il gruppo bronzeo per la Fontana del Vino a Marsala. Nel 1995 il Centro Allende di La Spezia ospita una mostra all\'aperto di sue sculture.</p> <p>Oltre a <em>Viva Gioconda!</em>, Fiume pubblica altri tre romanzi, numerosi racconti, nove commedie, una tragedia e due raccolte di poesie. Il suo libro <em>Pagine Libere</em>, del 1994, è una raccolta di osservazioni personalissime sulla vita e sull\'arte.</p> <p>Sue opere sono conservate in alcuni dei più importanti musei del mondo, quali i Musei Vaticani, l\'Ermitage di San Pietroburgo, il MoMA di New York, il Museo Puškin di Mosca e la Galleria d\'Arte Moderna di Milano.</p> <p>Salvatore Fiume muore a Milano il 3 giugno 1997.</p>'))
![Balsamo Renato](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/balsamo.jpg', 'Balsamo Renato', 'Renato Balsamo nasce a Napoli nel 1937 da genitori sorrentini. Inizia gli studi artistici nel 1953 presso l\'Istituto Statale d\'Arte di Sorrento e già dal 1954 partecipa a mostre nazionali e internazionali. Trasferitosi a Torino nel 1957, continua qui i suoi studi e si iscrive all\'Accademia di Belle Arti, per poi passare all\'Accademia di Belle Arti di Napoli dove si diploma nel 1961. Soggiorna per un periodo intenso di ricerca e di studio in Spagna; qui visita la Calcografia Nazionale di Madrid, dove tocca con mano le lastre di rame del Goya, lo studio di Antoni Tàpies, una grande personale di Picasso e ammira l\'architettura del Gaudì. Nel novembre dello stesso anno si trasferisce a Cortina ed inizia l\'attività di docente presso il locale Istituto Statale d\'Arte. <p>Incontra e diventa amico del famoso collezionista d\'Arte del Novecento, Mario Rimoldi, a lui già noto dagli anni di Torino. Rimoldi gli mette a disposizione un atelier e gli acquista delle opere; nel 1962 lo presenta alla Galleria Santo Stefano di Venezia. In quell\'occasione conosce Bruno Saetti e Guido Cadorin, nonché il critico d\'arte Paolo Rizzi, che in un suo articolo ne "Il Gazzettino" di Venezia lo definisce "un giovane da tenere d\'occhio". Nello stesso periodo tiene contatti con lo studio Marconi di Milano, ma per breve tempo per non abbandonare Cortina.</p> <p>Nel 1963 Giuseppe Marchiori lo presenta per una personale al Circolo Artistico di Cortina, allora importante centro culturale che annovera tra i soci Rodolfo Pallucchini, Rosita Mecenati e Pietro Cavellini, presenti all\'inaugurazione a sottolineare l\'interesse per il giovane artista.</p> <p>Nel 1964, con Mario Rimoldi, visita lo studio di Giorgio de Chirico a Roma. L\'incontro si rivela molto importante per il giovane pittore, che riceve dal maestro la sua famosa "ricetta" (in realtà, di Böcklin) della tempera all\'uovo.</p> <p>Seguono nel 1965 alcune importanti mostre personali, tra cui quella allestita alla Galleria del Cerchio di via del Babuino a Roma, con presentazione di Giuseppe Gatt, e quella alla Galleria Hausammann di Cortina, presentato da Gianlorenzo Mellini, dove espone anche in alcune collettive insieme a Music, Santomaso, Plessi e Celiberti.</p> <p>Nel 1968, con la presentazione del poeta Andrea Zanzotto, tiene una personale alla Galleria Medea di Cortina e, successivamente, presso alla Galleria Arte Oggi di Pescara, il manifesto della mostra viene scelto dalla rivista "Domus" tra i venti migliori manifesti del mondo. Inizia, in quel periodo un intenso ciclo di rivisitazioni e citazioni di Arnold Böcklin.</p> <p>Nel 1970 assume la direzione dell\'Istituto Statale d\'Arte di Cortina d\'Ampezzo, che mantiene fino al 1982. Nello stesso anno inizia un\'intensa collaborazione di lavoro con la Galleria Forni di Bologna. Nel 1973, per conto delle Regole d\'Ampezzo, realizza il Museo d\'Arte Moderna "Mario Rimoldi" del quale è direttore. </p> <p>Negli anni Ottanta espone in spazi pubblici e privati, quali alla Galleria dello Scudo di Verona, all\'Ariel di Vicenza, alla Forni di Bologna, al Castello Estense di Mesola (Ferrara), al Castello Svevo di Bari, ma anche in fiere internazionali e all\'estero: musei di Tokyo e spazi pubblici e privati, tra Losanna, Innsbruck e Baltimora.</p> <p>Nel 2004 realizza le tavole del <em>Purgatorio</em> per l\'edizione in tre volumi de <em>La Commedia</em> edita da FMR-ART\'E\'.</p> <p>Dal 2005 espone presso la Galleria Goethe di Bolzano, la Maison d\'Art di Montecarlo, la galleria Marieschi di Monza, a Cortina d\'Ampezzo alla galleria Civica (Palazzo delle Poste) e alla galleria Marescalchi, al Castello Aragonese di Ischia, ad alcune edizioni di "Vineart", la Fiera di Arte Moderna e Contemporanea di Bolzano.</p> <p>Hanno scritto di lui, tra gli altri, Mario Luzi, Bruno Munari, Vittorio Sgarbi, Ferruccio Ulivi, Lea Vergine, Andrea Zanzotto e Federico Zeri.</p> <p>Vive e lavora tra Cortina d\'Ampezzo e Sorrento. </p>'))
![Occhiomagico](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/OCCHIOMAGICO2.jpg', 'Occhiomagico', '<p>Giancarlo Maiocchi nasce nel 1949. Dopo aver fatto qualche esperienza come fotografo e musicista, nel 1971 dà vita al progetto "Occhiomagico", uno pseudonimo scelto per rendere omaggio al talento di Man Ray. Dal 1972 al 1978 si cimenta in una ricerca espressiva volta all\'azzeramento dei linguaggi fotografici tradizionali. Al 1978 risale la prima dimostrazione della "piacevolissima Illusione della fotografia" presso la Galleria Il Diaframma di Milano, con l\'esposizione dell\'opera intitolata <em>La porta di Niepce</em>: un monolito di cristallo di 100 x 200 centimetri contenente due immagini fotografiche tratte dallo stesso negativo, una in bianco e nero e una a colori. </p> <p>Miscelando esperienze simboliste, surrealiste, metafisiche e psichedeliche, Occhiomagico indirizza la propria ricerca verso un linguaggio multimediale che definisce "Nuova Fotografia". I titoli delle sue mostre risultano in questo senso emblematici circa il superamento della fotografia come documento: oltre a <em>La porta di Niepce</em>, citiamo <em>Paesaggi di finzione</em> (1981), <em>L\'immagine truccata</em> (1982), <em>Archeologia del futuro</em> (1983).</p> <p>Nel periodo 1979-1984 partecipa alla fondazione del movimento Post e Neo-Modern in Italia, collaborando con lo Studio Alchimia (che lui stesso definisce "un luogo di ricerca sul design, l\'architettura, la moda, un luogo di contaminazioni di linguaggi") e con architetti di fama internazionali come Alessandro Mendini, Aldo Rossi ed Ettore Sottsass Jr. </p> <p>Negli anni 1982-1983 produce 24 copertine per la rivista "Domus", a testimonianza della svolta imposta alla fotografia, che comincia così a rappresentare in maniera verosimile il progetto e non l\'oggetto. Dello stesso periodo è la collaborazione con riviste come "Casa Vogue", "Interni", "Abitare", "Ottagono".</p> <p>Successivamente si occupa della direzione artistica del gruppo musicale Matia Bazar, contaminando la fotografia con la musica, i video e la moda. </p> <p>Nel mondo della moda collabora con Cinzia Ruggeri, Moschino, Armani e riviste come "Uomo Vogue", "Vogue Italia" e "Amica". </p> <p>Tra il 1985 e il 1996 allestisce varie mostre importanti in Italia e all\'estero, affinando la tendenza a creare scenari utopici da registrare su pellicola fotografica.</p> <p>Dal 1990 affronta una dimensione più intima, costruendo paesaggi immaginari, abitati da figure femminili e oggetti sospesi in perenne attesa.</p> <p>Oltre a tenere conferenze e workshops, dal 1994 è docente presso l\'Istituto Europeo di Design di Milano e dal 1999 insegna anche presso l\'Istituto Italiano di Fotografia, sempre a Milano, l\'École d\'Arts Appliques de Vevey di Losanna e all\'Accademia di Brera a Milano. </p> <p>Nel 2001-2002, su incarico dell\'Istituto Europeo di Design di Milano, coordina gli studenti del corso di fotografia per la realizzazione di immagini destinate a illustrare le rappresentazioni delle opere nella sezione Musica, Teatro, Danza della Biennale di Venezia.</p> <p>Così scrive: "Le parole sono luoghi. Anche quando stiamo in silenzio, ci ritroviamo in viaggio". E ancora: "Lavoro sulle storie che la fotografia mi aiuta a rappresentare, costruendo teatri inventati, contrariamente alla sua natura di documento e nello stesso tempo giovandomi del suo Realismo Magico. Metto in scena racconti e sogni, vissuto ed immaginato, presente e passato, luci ed ombre. Attraverso ed osservo il mio ‘giardino segreto\' trovando analogie, complicità, mezze verità, ricordi...".</p> <p>Per venire ad anni più recenti, nel 2009 al Palazzo della Borsa Nuova a Genova partecipa alla mostra <em>La Visione</em><em> dello Spazio, </em>collettiva di Fotografia realizzata nell\'ambito del XXIII Congresso Mondiale di Architettura; infine nella primavera del 2011 partecipa insieme ad altri 127 artisti italiani e cinesi alla Biennale di Alessandria Videofotografia Contemporanea.</p> <p>Opere di Occhiomagico sono presenti in importanti collezioni pubbliche e private.</p> '))
. Verso gli anni Novanta si orienta verso uno studio delle origini, delle impronte del passato sul presente e delle radici lontane della cultura mediterranea. Tra queste opere ricordiamo le serie <em>Eden</em> del 1998, <em>Il Reale Albergo dei Poveri</em> (1999-2000) e <em>Isolario Mediterraneo</em> (1999-2000): se <em>Eden</em> offre una visione di Napoli come paradiso terrestre, <em>Isolario Mediterraneo</em>, come Jodice stesso ha scritto, "parte dalla distesa infinita del mare per condurci alla dimensione infinita dell\'isolamento". </p> <p>Dopo il periodo iniziale d\'indagine socio-antropologico sulla cultura popolare, la ricerca espressiva di Jodice s\'indirizza verso una rilettura dell\'arte, individuando nella scultura il genere artistico prediletto al di sopra di ogni altra arte. Le sculture in quanto oggetti/soggetti in grado di relazionarsi con lo spazio e "mutare anima" grazie alla luce, diventano i nuovi "luoghi di indagine", come all\'inizio della sua carriera lo erano i vicoli e i quartieri partenopei.</p> <p>Tra le sue personali più importanti ricordiamo: Memorial Federal Hall, New York, 1985; Musée Réattu, Arles, 1988; Philadelphia Museum of Art, 1995; Kunstmuseum Dusseldorf, 1996; Maison Européenne de la Photographie, Parigi, 1998; Palazzo Ducale di Mantova, 1998; Museo di Capodimonte, Napoli, 1998; The Cleveland Museum of Art, 1999; Galleria Nazionale di Arte Moderna, Roma, 2000; Castello di Rivoli, Torino, 2000; Galleria d\'Arte Moderna, Torino, 2000; MassArt, Boston, 2001; Museum of Modern Art, Wakayama, Giappone, 2004; The Museum of Photography, Mosca, 2004; Museu de Arte de Sao Paulo, 2004; MART di Trento e Rovereto, 2004; Galleria d\'Arte Moderna, Bologna, 2006; Museo di Capodimonte, Napoli, 2008; Palazzo delle Esposizioni, Roma, 2009; Maison Européenne de la Photographie, Parigi, 2009; Museo del Louvre, Parigi, 2011.</p> <p>Nel 2003 l\'Accademia dei Lincei gli conferisce il prestigioso premio "Antonio Feltrinelli", per la prima volta dato alla Fotografia. Sempre nel 2003 il suo nome viene inserito nell\'Enciclopedia Treccani. Nel 2006 l\'Università degli Studi Federico II di Napoli gli conferisce la Laurea Honoris Causa in Architettura.</p> <p>Jodice è uno dei grandi nomi della storia della fotografia italiana; non un fotografo d\'arte, ma un artista, uomo di sguardi e di visioni, che, un certo punto, decide di misurarsi con lo scultore forse più complesso davanti a cui porre l\'obiettivo: Antonio Canova. Per questo viene scelto come interprete dell\'opera edita nel 2009 da FMR-ART\'È <em>Antonio Canova. L\'invenzione della bellezza</em>, che sarà l\'omaggio voluto dal Presidente del Consiglio Silvio Berlusconi per i Capi di Stato intervenuti al G8 dell\'Aquila.<br /> Attraverso l\'utilizzo sapiente della luce, Jodice enfatizza le ombre sulle pieghe delle vesti, sulle acconciature femminili, sui muscoli degli atleti. L\'artista di oggi si pone con umiltà a tu per tu con il genio del passato, interrogandosi su quell\'immagine e sulla propria. A tal proposito Jodice ha scritto: "Vorrei citare Fernando Pessoa: ‘Ma cosa stavo pensando prima di perdermi a guardare?\'. Questa frase sembra scritta per me e descrive bene il mio atteggiamento ricorrente: perdermi a guardare, immaginare, inseguire visioni fuori dalla realtà". </p> <p>Oggi Jodice è una figura centrale di riferimento per le nuove generazioni che riconoscono nel suo lavoro una sensibilità e una capacità unica nel coniugare sapientemente innovazione e raffinatezza classica.</p> '))
 inaugura una sua personale dal titolo <em>Nuovi Fiori Nuovi Santi </em>e lo Spazio Mazzotta di Milano presenta, insieme allo scrittore Giorgio Soavi, l\'opera<em> La figlia era Nuda.<br /> </em>Dal 2006 al 2008 una sua personale dal titolo <em>Disegno Italiano</em> viene esposta nei principali Musei d\'arte contemporanea in Cina e si conclude con una grande mostra alla Galleria Schoeni di Hong Kong. <br /> Il <em>Grande Disegno Italiano </em>viene presentato nel 2006 al Palazzo della Permanente di Milano nell\'ambito della mostra <em>La Bellezza</em><em> </em>e, successivamente, a Verona al Palazzo della Ragione, all\'interno dell\'esposizione <em>Il Settimo Splendore.</em> Sempre nel 2006 l\'Università e il Museo di Caracas ospitano una sua personale dal titolo <em>Disegnarsi</em>,<em> </em>che nell\'aprile del 2007 viene portata in Marocco, al Museo Hassan di Rabat; ed è ancora nel 2006 che realizza per FMR-ART\'È il trittico<em> Nel nome del Padre, del Figlio e dello Spirito Santo</em> che correda l\'opera<strong> </strong><em>Preghiere di Giovanni Paolo II</em>; mentre l\'anno successivo, insieme al figlio Michelangelo, realizza gli interventi artistici di <em>Amor sacro</em> sempre edito da FMR-ART\'È.<em><br /> </em>Nel giugno 2007 s\'inaugura la mostra <em>Tra Oriente e Occidente</em>. <em>Omar Galliani e il Grande Disegno Italiano in Cina </em>presso la sede della Fondazione Querini Stampalia, inserita tra gli eventi collaterali della 52a Biennale di Venezia. L\'evento (realizzato con il patrocinio dell\'Ambasciata Cinese in Italia, in collaborazione con il Ministero Italiano per gli Affari Esteri e il Governo della Repubblica Popolare di Cina) vede la presenza dell\'Associazione degli artisti cinesi e la collaborazione dei musei di Shangai, Ningbo, Dalian, Xian, Hangzou, Jinan, Chengdu e Wuhan.<br /> A fine luglio 2009, Christian Mermoud, presso la sua galleria di Saint-Paul de Vence, inaugura lo spazio permanente <em>Space Galliani </em>che raccoglie alcune tra le sue ultime opere. Sempre nel 2009 la galleria K35 di Mosca inaugura una sua personale con un nuovo ciclo di opere; la Fondazione Michetti di Francavilla al Mare gli dedica una grande retrospettiva, documentata dal catalogo Allemandi. Nel maggio 2009 la galleria Shangheie di Shangai allestisce la sua personale <em>Lontano da Xian</em>. Ancora nel 2009 l\'Istituto Italiano di Cultura di Vienna ospita una sua personale intitolata <em>Dalle stanze dei miei disegni</em>; la stessa mostra approda a Lucca, prima a Villa Bottini, poi al Museo Archeologico di Palazzo Giunigi<em>. <br /> </em>Nel maggio 2010 è presente nella collettiva <em>Détournement</em>, tenutasi nell\'antico Ospizio di San Lorenzo, nell\'ambito di un evento collaterale della 53a Biennale di Venezia, e <em>Andy Warhol-Omar Galliani, Tutti i Denti di Santa Apollonia</em>. A novembre dello stesso anno la galleria Dep Art di Milano gli dedica un\'ampia retrospettiva: <em>Omar Galliani. Riscontri generazionali</em>. A fine 2010 l\'Istituto Italiano di Cultura di Bogotà (Colombia) inaugura la personale intitolata <em>21 debuios para una noche en Bogotà</em>.<br /> Nel 2011, oltre che in numerose personali e collettive, è presente al Palazzo Vescovile del Museo Diocesano di Padova con la grande opera-installazione, appositamente pensata per questo spazio, dal titolo <em>Omar Galliani. Il codice degli angeli</em>.<br /> Omar Galliani vive e lavora a Montecchio di Reggio Emilia.'))
, e come collaboratore presso alcune istituzioni culturali (<em>Fondazione William Congdon</em> di Buccinasco e <em>Centro Culturale San Fedele</em> di Milano). Nel 2005 inizia la carriera come scenografo, collaborando alla realizzazione del <em>Flauto Magico</em> di W.A Mozart (che verrà rappresentato al <em>Suntory Hall</em> di Tokyo nel 2006) e per un <em>Don Giovanni</em> per il <em>Tuscany Sun Festival a Cortona</em> (con scene di Sandro Chia). Sempre nel 2005 partecipa a un workshop tenuto dall\'artista <em>Anselm Kiefer</em> in occasione della preparazione dell\'installazione I<em> Sette Palazzi Celesti</em>, presso l\'Hangar Bicocca di Milano.</p> <p>Premiato nel 2000 a Trento sul tema <em>La riscoperta dell\'immagine di Vigilio nell\'autenticità e sensibilità odierna</em>, premiato al <em>Salon di Scenografia</em> 2004 all\'Accademia di Brera, ha partecipato al <em>Premio Morlotti</em> nel 2005, ed è stato finalista al <em>Premio Cairo</em> 2007. Nel 2003 tiene la sua prima personale a Milano; dal 2004 collabora con numerose gallerie e viene presentato regolarmente nelle più importanti fiere di arte contemporanea. </p> <p>Dal 2005 l\'attività teatrale viene per lui declinata in una intensa attività in ambito sociale. Nel 2006 soggiorna in Kosovo per un progetto di arteterapia per bambini affetti da traumi psichici di guerra, ed è responsabile del laboratorio teatrale nel corso per allievi disabili presso il CFP di Lodi. Nel giugno 2009 tiene un workshop e una mostra in Sudafrica, a Cape Town, presso la Bell-Roberts Gallery, dove propone il lavoro realizzato insieme ai bambini orfani del Rainbow Centre di Gugulethu. Dal 2009 coordina laboratori con utenti psichiatrici, e nell\'ambito del disagio giovanile, dove riesce a verificare la propria tecnica pittorica attraverso una sua reale applicazione in ambito sociale lavorando con materiali di origine naturale.</p> <p>Nel 2011 realizza per l\'opera FMR-ART\'È <em>Sogno d\'Italia</em> il bassorilievo dal titolo <em>Memoria d\'Italia</em>, un\'opera originale a tuttotondo da lui concepita in collaborazione con la direzione artistica della casa editrice.</p> <p>L\'attenzione per il tema della memoria e della materia è centrale nel lavoro di Mariconti, il quale dipinge e modella con materiali di origine naturale (cenere, petrolio, cera d\'api, terra e cementi) con una forte componente essenziale e simbolica che ne caratterizza lo stile formale e poetico fin dagli esordi. </p> <p>Nella sua ricerca ha attraversato sia i temi della figura umana che i temi del paesaggio, sempre cercando di superare l\'approccio formale e descrittivo a favore di una componente anamnestica della materia organica che compone le opere stesse. </p> <p>Del suo lavoro si sono occupati importanti critici italiani come Flaminio Gualdoni, Maurizio Sciaccaluga, Antonio Spadaro S.I., Silvia Pegoraro, Fabrizio Dentice, Carlo Ghielmetti, Rodolfo Balzarotti e Davide Benati.</p>'))
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, si trasferisce prima a Parigi, poi a Milano, dove si iscrive all\'Accademia di Belle Arti di Brera. Dapprima frequenta i corsi di Pittura del professor Morelli e successivamente quelli di scenografia del professor Varisco. </p> <p>Si diploma nel 1964 e da allora non lascerà più Milano. Nel 1966 diventa docente di Ornato Disegnato presso il Liceo Artistico di Brera. Dal 1971 al 1973 è Direttore dello stesso istituto. Nel 1973 assume l\'incarico del Corso Complementare di Tecniche Grafiche Speciali presso l\'Accademia di Brera. Nel 1979 viene nominato docente di Scenografia all\'Accademia di Belle Arti di Bari. Nel 1982 ritorna ad insegnare a Brera, di cui diventa Direttore nel 1991, incarico che ha tuttora. </p> <p>Nel 1998, insieme a Baratella, Mariani e Spadari, ha l\'onore di essere ospitato al Palazzo Reale di Milano per la mostra <em>Percorsi nel mito. Quattro artisti a Milano</em>. </p> <p>Tiene mostre in tutta Italia, ma anche all\'estero: a Varsavia, Bruxelles, Belgrado, Parigi, Ginevra, Lisbona, New York, Anversa, Berkeley... <br /> Dai primi anni Novanta realizza molte e importanti opere pubbliche; tra le più recenti citiamo: la scultura monumentale realizzata nel 2001 esternamente al Palazzo di Giustizia di Palermo e la scultura monumentale, in fase di esecuzione, per Piazza Repubblica a Tortolì (Nuoro): un tempio-fontana costruito con forme e stili dell\'architettura greca. <br /> Nel 2005, nella sede del Castello Sforzesco di Milano, gli viene assegnato il Premio Internazionale "Principe di Venezia".</p> <p>Oltre alla mostra al Palazzo Reale (1998), tra le sue più importanti mostre personali ricordiamo: quella al Palais des Beaux Arts di Bruxelles (1973), al Musée d\'Art Moderne de la Ville, Parigi (1974), la sala personale alla Biennale di Venezia nel 1976, al Seoul Fine Art Center di Seoul, Corea del Sud (2000); e, negli ultimi anni, nel 2005 al Centro Borges di Buenos Aires; alla Casona Municipale di Cordoba (Argentina); al Museo d\'Arte Contemporanea di Rìo Quarto (Argentina); nel 2007 <em>Innaturale</em> allo Spazio Annunciata di Milano; nell\'inverno 2010 a Lecce, ex Convento di San Francesco della Scarpa, <em>Fernando De Filippi - Opere 1962-2009</em>.</p> <p>La lista delle mostre collettive a cui prende parte De Filippi sarebbe lunghissima; per citarne alcune: la Quadriennale di Roma (1965), <em>Mythologies Quotidiennes</em>, Museé d\'Art Moderne, Parigi (1977); <em>Arte in Italia dal \'60 al \'75</em>, Galleria d\'Arte Moderna di Torino (1977), <em>Arte Italiana 60/82</em>, Haward Gallery, Londra (1982), <em>Aspetti della pittura italiana dal dopoguerra a oggi</em>, Museo de Bellas Artes, San Paolo, Rio de Janeiro (1989), <em>Due secoli di progetto scenico. Dalla prospettiva alla scenografia</em>, Salone Napoleonico, Accademia di Brera, Milano (1999). Degli ultimi anni ricordiamo: nel 2004 <em>Figurazione a Milano. Dal secondo dopoguerra a oggi</em>, La Posteria, Milano; nel 2006 <em>La scoperta del corpo elettronico. Arte e video negli anni \'70</em>, alla Galleria Civica d\'Arte Contemporanea di Torino; <em>L\'immagine critica</em>: <em>Milano anni \'60. Tra pop art e contestazione</em> allo Spazio Annunciata di Milano; sempre nel 2006 al Museo d\'Arte Contemporanea di Lissone e <em>Arte per la Vita</em> al Comune di Lanciano (Chieti); nel 2007 <em>Generazione anni \'40</em> al Museo Parisi Valle di Taccagno e allo Spazio Guicciardini di Milano; <em>Il Mondo a Brera</em> a Villa Borromeo Visconti di Lainate; Raccolta d\'Arte Contemporanea della Provincia di Lodi, Parco di Villa Braida, Lodi; <em>Il gioco del tessile</em> a Shanghai; <em>In pubblico. Azioni e idee degli anni \'70 in Italia</em> al Museo d\'Arte Contemporanea Villa Croce di Genova.</p> <p>Tra giugno e ottobre 2011, in occasione della 54a edizione della Biennale di Venezia, è presente al Padiglione Italia-Puglia, al Complesso Monumentale di Santa Scolastica di Bari; dell\'autunno 2011 è invece <em>La Parola</em><em> e il Tempo</em>, la collettiva che si tiene al Crab Centro Ricerca Accademia di Brera - Ex Chiesa di San Carpoforo.</p> <p>Hanno scritto di lui i più importanti critici italiani e il suo nome è citato in tutti i manuali dell\'arte contemporanea come uno degli esponenti di punta della figurazione del secondo dopoguerra.</p> <p>Claudio Cerritelli ha scritto di lui: "Architettura e pittura si congiungono nella ricerca di Fernando De Filippi come uno spazio indivisibile in cui verità e sogno respirano l\'idea di classicità intesa come superamento delle contraddizioni tra realtà e artificio, tra natura e cultura, tra superficie pittorica e finzione scultorea. [...] Sulla perfetta linearità dell\'architettura si innesta la vibrazione del colore e del segno che insieme si trasfigurano in un gioco di precisi rimandi che danno luogo a una crescente luminosità atmosferica. Dentro la dimensione classica del tempio nascono vampate di sole, sonorità prospettiche, danze di forme animali e vegetali che dialogano con il clima marmoreo del colore".</p> <p>Fernando De Filippi vive a Milano, dove dirige l\'Accademia di Belle Arti di Brera.</p> '))
![Basilico Gabriele](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/BASILICO.jpg', 'Basilico Gabriele', 'Gabriele Basilico nasce a Milano nel 1944. È uno dei più noti fotografi italiani ha lavorato, nel corso del tempo, su diverse città: da Milano a Beirut, da Bolzano a Berlino; primo e unico italiano, fra l\'altro, a partecipare, nel 1984, alla prestigiosa missione fotografica francese Datar.<p> </p> <p>Le mostre e i libri di Gabriele Basilico costituiscono sempre un importante momento di riflessione sulla fotografia di paesaggio. La sua ricerca, che spazia ben al di là dei confini della mera fotografia documentaria, è, infatti, un punto di riferimento obbligato per quanti oggi si occupano di fotografia e di urbanistica. Nelle sue vedute, recupera una lentezza dello sguardo che gli permette di cogliere i minimi particolari, propone una contemplazione che, attraverso la sua perizia tecnica, ci permette di collocarci al limite superiore della capacità percettiva del reale. In una recente intervista Basilico ha dichiarato: "È certo che io faccio fotografie in relazione al principio e all\'esperienza estetica della ‘visione\'. In questo senso io sono pienamente fotografo. Ma è anche vero che la fotografia, e non solo come linguaggio, è entrata da parecchio tempo, e a buon diritto, nel mondo dell\'arte. Sono convinto però che un\'unità della fotografia nel grande bacino della ricerca artistica è un\'idea troppo riduttiva: una cosa è usare la fotografia come linguaggio per comunicare un\'opera concepita in modo diverso (per esempio un\'installazione), un\'altra cosa è pensare ‘fotograficamente\', interpretandola, la realtà".</p> <p>Tra le mostre personali degli anni 2000 ricordiamo: nel 2002, con Salvo, alla Galleria Civica d\'arte moderna e contemporanea di Bergamo; nel 2003 espone al MART di Rovereto e alla Biennale di San Paolo del Brasile; nel 2004 è al Palazzo dell\'Arte, Triennale di Milano; del 2005 è l\'installazione permanente su commissione della Metropolitana di Napoli (banchina della stazione Vanvitelli); nel 2006 è presente alla Maison Europeenne de la Photographie Ville de Paris con <em>Photographs 1980-2005</em>; nel 2007 alla Pinacoteca Provinciale di Bari, alla Fondazione Ludovico Ragghianti di Lucca e al Palazzo della Ragione di Mantova; nel 2008 al Planet Discovery Center di Beirut, alla Cohen Amador Gallery di New York e al San Francisco Museum of Modern Art con <em>Gabriele Basilico - Silicon Valley</em>; nel 2009 allo Spazio Oberdan di Milano è la volta di<em> Milano ritratti di fabbriche 1978-1980 / Mosca verticale 2007-2008, a cura di Roberta Valtorta e Umberto Zanetti; nel 2010 la Fondazione Stelline di Milano presenta Gabriele Basilico. Istanbul 05 010</em>.</p> <p>Tra le collettive degli ultimi dieci anni citiamo: nel 2001 al Centro per l\'arte contemporanea Luigi Pecci di Prato, al Palazzo delle Papesse di Siena e al Foto Instituut di Rotterdam; nel 2003 al MAXXI di Roma, al Centro Galego de Arte Contemporaneo di Santiago de Compostela e al Musée Malraux di Le Havre; nel 2004 la rassegna <em>Affinità</em>, allestita alla Sala Dorica di Palazzo Reale, a Napoli, <em>Arti e Architettura 1900-2000</em>, al Palazzo Ducale di Genova e <em>Sguardi Contemporanei. 50 anni di architettura italiana</em>, alla IX Biennale Internazionale di Architettura, a Venezia; sempre nel 2004 è alla Robert Mann Gallery di New York, a Londra (The Photographer\'s Gallery) con <em>Mediterranean: Between Reality and Utopia</em>, infine alle Scuderie del Quirinale, Roma, con<em> Italia. Doppie visioni</em>, <em>Italia: spazi e luoghi</em>; nel 2005 espone alla IX Biennale Internazionale di Istanbul, al Complesso Monumentale del Vittoriano di Roma e alla Palazzina di Caccia di Stupinigi (Torino); nel 2007 è alla 52a Biennale d\'Arte di Venezia e al Festival della Fotografia di Roma<em> </em>(<em>Ereditare il paesaggio</em>); nel 2009 al Museum of Contemporary Art di Chicago, alla Pinacoteca Nazionale di Bologna, al Novas Contemporary Urban Centre di Liverpool, al Padiglione Oval Lingotto di Torino, a Palazzo Grassi di Venezia, al Museo di Santa Giulia di Brescia, al Musée d\'Art Moderne di Saint Etienne, al Museo de Arte Contemporaneo di Madrid e alla Biblioteca Nazionale di Roma; nel 2010 espone alla Fondazione Stelline di Milano, al MARCA di Catanzaro, a Roma al MAXXI , all\'Auditorium Parco della Musica, <em>La voce delle immagini</em>) e all\'Ara Pacis, per <em>Man Ray and his heritage</em> al Seoul Museum of Art, alla Triennale di Milano, alla Fondazione Bevilacqua La Masa di Venezia, al Palazzo della Ragione di Verona, alla Gamec di Bergamo; nel 2011 si tiene, infine, presso lo Studio la Città di Verona<em> Una prospettiva italiana/An Italian perspective. Ma lo sguardo vede?,</em> a cura di Angela Madesani.</p> <p>Gabriele Basilico vive e lavora a Milano.</p> '))
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.</p> <p>Il primo riconoscimento ufficiale arriva nel 1974, col Premio Città di Foiano, per cui con l\'opera <em>C\'era una volta</em><em> </em>ottiene il primo premio. Nel 1978 soggiorna per un breve periodo a Parigi, dove incontra il famoso pittore Mario Tozzi, diventandone il discepolo prediletto e stringendo con lui un sodalizio artistico così importante da potersi considerare l\'esperienza formativa fondamentale della sua vita e di tutta la successiva produzione.<br /> Dopo la personale patrocinata dal Comune di Foligno nel 1981, l\'anno successivo Marchionni partecipa con il dipinto <em>L\'invetriata</em> alla XII edizione del premio Città di Gallarate. Nel 1983 tiene una personale presso la Galleria Fumagalli di Bergamo e partecipa ad Arte Fiera di Bologna. </p> <p>Negli anni seguenti espone alla rassegna <em>Temps de l\'Art, Art du Temps</em> che si svolge al Centre Regional d\'Art Contemporain di Tours. La mostra si sposta poi a La Baule, Parigi e a Suzzara. Partecipa a grandi manifestazioni internazionali, tra cui F.I.A.C., Parigi; A.R.C.O., Madrid; EXPO, Bari ed espone nel 1986 al Palazzo della Cultura di Palma de Mallorca e alla Kunstgalerie di Heidelberg. <br /> Successivamente espone in diverse città italiane: Umbertide, Assisi, Latina, Bari, Bergamo e Gioia del Colle. Nel 1989 gli vengono commissionate quattro formelle per il tabernacolo cinquecentesco della Cappella del Sacramento a Spello. Durante gli anni Novanta espone a Milano, Roma, Bologna, Belluno, Brindisi, Cremona, Foggia, e alla prestigiosa Biennale d\'Arte Sacra di Venezia.</p> <p>In anni più recenti si segnala un\'importante personale che si tiene nel 2000 in un doppio spazio espositivo: alla Rocca Paolina di Perugia e a Villa Fidelia a Spello; la mostra del 2004 alla Fortezza di Vieste, sul Gargano; un grande dipinto murale realizzato nel 2004 per la sala convegni dell\'Istituto San Camillo di Cremona; un\'importante opera del 2005 per il Monastero di Santa Chiara ad Assisi; nel 2006 con <em>Racconti nel tempo</em> espone a Milano alla galleria Artesanterasmo, mentre nel 2007 partecipa alla collettiva <em>...e la storia continua</em> a Villa Borromeo di Cassano D\'Adda (MI). A luglio 2009 partecipa a <em>Dante 100 per 100. Paradiso</em>, mostra triennale itinerante tra letteratura ed arti visive, e in agosto crea la Fondazione Elvio Marchionni il cui principale scopo, didattico-artistico, è ricreare l\'ambiente e l\'atmosfera delle antiche botteghe rinascimentali, dove la conoscenza e il mestiere si trasferivano dal maestro al discepolo e viceversa, in un continuo scambio di creatività. Con la Fondazione, oltre a promuovere manifestazioni e mostre, Marchionni intende costituire un grande laboratorio in cui visitatori, scuole e appassionati possano ammirare tutte le fasi di lavorazione che occorrono per realizzare ogni opera d\'arte. <br /> Nel 2010 partecipa alla collettiva <em>Arte Italiana 1968 - 2007 Pittura</em>, ideata da Vittorio Sgarbi e curata da Maurizio Sciaccaluga, che si tiene a Milano, a Palazzo Reale; a Bettona (PG) è presente prima alla Biennale Internazionale d\'arte contemporanea, poi, in dicembre, al Museo della Città, dove inaugura la mostra personale <em>Arcani Racconti. Pittura di memoria ed emozioni</em>. Nel marzo 2011, nell\'ambito del progetto "ArtevitA", è all\'Art & Co Gallery di Milano, nuovo spazio che inaugura con una sua personale. </p> <p>Per FMR-ART\'È realizza gli interventi artistici per varie opere, in particolare: <em>San Francesco d\'Assisi</em> (1999), <em>I Vangeli </em>(2000), <em>Iliade </em>(2002), <em>Decameron </em>(2003) e <em>Orlando Furioso </em>(2005).</p> <p>Pittore di memoria ed emozioni, nei suoi muri strappati c\'è anche il recupero, il respiro dell\'espressività del Quattrocento umbro di cui è un sapiente conoscitore, e a cui spesso si riferisce, facendosi ammirare per la sua capacità di materializzare la memoria del passato attraverso le finte muffe, le apparenti corrosioni dei secoli che esaltano il fascino misterioso e suggestivo di quei volti, di quei gesti o di quelle architetture d\'interni che sembrano riassumere la storia dell\'arte rinascimentale.</p> <p>Le sue opere appaiono, quindi, come frammenti di pittura murale, "strappi" di affreschi e di memorie, filtrati e consumati dal tempo. Le immagini si confondono tra figure e oggetti, tra materia e cancellatura, avvolte da una luce irreale, trasparente. Con la sua ricerca Marchionni fonde la lezione della maniera pittorica tradizionale con le esigenze di una moderna sensibilità estetica; per questo può considerarsi uno storico della modernità che, al di là delle evidenti capacità tecnico-espressive, riesce a far proprio lo sguardo interiore dell\'arte moderna.</p> <p>Elvio Marchionni vive a Spello, dove lavora in uno studio dal pavimento completamente affrescato che è una vera e propria "bottega d\'arte", con sede nella chiesa sconsacrata di San Michele Arcangelo.</p> '))
 e da oltre trent\'anni svolge un\'intensa attività espositiva, in Italia e all\'estero, accompagnata da un\'ininterrotta riflessione sullo statuto dell\'immagine. <p>Dopo aver frequentato l\'Accademia di Belle Arti di Bologna, partecipa a numerose collettive fra cui ricordiamo la Prima Biennale del Mediterraneo, a Barcellona, e la Biennale giovani a Bologna (1985), due edizioni del "Premio Campigna" a Santa Sofia (1987-1990), <em>Pitture. Il sentimento e la forma</em> a Treviso e Bologna (1996), la Prima Biennale della figurazione fantastica e meravigliosa al Castello di Poppi (1997), <em>Sui Generis</em> al P.A.C di Milano (2000), <em>Figure del \'900 (2)</em> a Bologna (2001), <em>Urban landscape</em> al Carrousel du Louvre a Parigi (2005). </p> <p>Allestisce numerose personali, tre delle quali con la Galleria Forni, nelle sedi di Bologna e Milano (2000-2002-2006), due mostre antologiche alla Galleria Wimmer di Montpellier (1999) e alla Galleria delle Arti di Bologna (1997), <em>Distanze</em> al Teatro di Apt (2004), <em>L\'oro della memoria</em> alla Art Bank Gallery di Londra (2005). </p> <p>Dal 2004 il critico Alessandro Riva lo invita a far parte del gruppo "Italian Factory" per la nuova figurazione italiana, con cui partecipa a <em>The new italian art scene</em> al Museo di Taipei (2007), a <em>Nuova figurazione...to be continued</em> alla Fondazione Borroni (2008), <em>Rumors </em>all\'Arsenale di Torino (2008) e <em>No LandScape</em> alla Fondazione Bandera (2009). Nel 2006 esce <em>Voci nel buio</em>, il secondo volume della collana "I Quaderni di Italian Factory", edito da Charta, con un racconto inedito di Edoardo Albinati. </p> <p>Nel 2007, in occasione della personale al Museo di Forlì, esce il volume monografico bilingue <em>Il Grido Silenzioso</em>, edito da Electa e curato dal filosofo Rocco Ronchi, con cui collabora da anni e a cui lo lega una grande amicizia. </p> <p>Nel 2007 Vittorio Sgarbi lo invita alla grande rassegna <em>Arte Italiana 1968/2007. Pittura</em> e questo sancisce la continuità della presenza di Lombardi nella scena della nuova pittura italiana. </p> <p>Sue opere sono conservate presso musei italiani, di Conegliano, Ravenna e Forlì, e presso il Museo Davis di Barcellona. </p> <p>Numerosi critici e storici dell\'arte italiani gli dedicano testi e presentazioni Marco Goldin, Alessandro Riva, Vittorio Sgarbi, Claudio Spadoni, per citarne solo alcuni. </p> <p>Fitta è anche la collaborazione con poeti e pensatori, da alcuni dei quali ha ricevuto importanti testi interpretativi; per fare qualche nome, Fulvio Abbate, Antonella Anedda, Umberto Fiori, Silvia Lagorio, Federico Leoni, Rocco Ronchi, Carlo Sini. Una scelta dei suoi scritti teorici compare nel volume <em>Al limite del mondo. Filosofia, estetica, psicopatologia</em>, curata da Federico Leoni e Mauro Maldonato (Dedalo Edizioni, 2002) e in numerosi suoi cataloghi monografici. </p> <p>Nell\'autunno del 2009 Marco Goldin lo invita all\'importante rassegna sulla nuova pittura italiana <em>Pittura d\'Italia</em>, che si tiene a Rimini, al margine dell\'esposizione dei capolavori del Museo di Boston, e alla mostra <em>Italia dipinta</em> all\'Università IULM di Milano, curata da suoi allievi e testimoniata dal catalogo Silvana Editoriale. </p> <p>A fine 2009 si tiene a Ravenna, patrocinata dall\'Assessorato alla cultura e dal Museo d\'Arte, la sua personale <em>Il tempo dell\'ombra</em>, curata da Chiara Canali e presentata dalla poetessa Antonella Anedda. </p> <p>Nel 2010 inizia una nuova collaborazione con la Blackheath Gallery di Londra. </p> <p>Nel 2011 viene invitato alla terza edizione del "Premio Maretti. Valerio Riva memorial" che si tiene negli spazi del Museo Pecci di Prato e alla 54a Esposizione d\'Arte Internazionale della Biennale di Venezia, nominato dal filosofo Carlo Sini, alle Corderie dell\'Arsenale di Venezia. </p> <p>Nell\'autunno del 2011 allestisce, nella Chiesa del Pio Suffragio di Bagnacavallo, col patrocinio dei Musei Civici, <em>La pazienza dell\'ombra</em>, una personale presentata da Carlo Sini. </p> <p>Enrico Lombardi, pittore e scrittore, definisce così il suo lavoro: "Non dipingo per capire e neppure per essere (anche se riesco a capire di essere, dipingendo). Non dipingo per esprimermi, né per trovare il mio senso. Dipingo per dimenticarmi, per disabitarmi, per abbandonarmi."</p> '))
 Ceroli scopre la possibilità di utilizzare forme e figure che poi, sempre sul legno, vengono ritagliate. Sempre in questo periodo, inizia ad occuparsi delle "cose quotidiane": oggetti comuni che popolano la realtà della società dei costumi che li fa diventare idoli necessari e onnipresenti.</p> <p>La sua comparsa sulla scena artistica romana contribuisce a quella riformulazione del linguaggio che caratterizza, non solo in Italia, gli anni Sessanta e apre la strada alle poetiche dell\'arte povera e alle successive installazioni. Ceroli è protagonista assoluto di questa stagione di trasformazione, ridefinizione e superamento del linguaggio nell\'arte figurativa, tanto che alcuni dei più autorevoli esponenti della critica internazionale (da Restany a Celant, da Crispolti a Christov-Bakargiev) gli riconoscono il ruolo di avanguardia indiscussa della sua generazione. Nel \'64 allestisce la sua prima mostra a Tokyo e del \'65 sono le sue opere più note: <em>Goldfinger</em>,<em> Arco di trionfo</em>,<em> Mister</em>, <em>L\'ultima Cena</em>, <em>Ombre</em>, <em>La scala</em>,<em> Piper</em>.</p> <p>Nel 1966 si reca negli Stati Uniti, dove si confronta direttamente con i grandi artisti americani realizzando anche diverse mostre; qui risente delle influenze del linguaggio pop statunitense, pur non rinunciando mai al discorso formale a favore dell\'immagine e di ciò che vuole rappresentare.</p> <p>Sempre nel \'66, selezionato da Maurizio Calvesi, partecipa alla Biennale con <em>La Cassa Sistina</em> e <em>La Cina</em>, vincendo anche il Premio Fullbright. Nel \'67 si avvicina a quella che poi verrà definita "arte povera", anche se per lui l\'uso del materiale "povero" non esclude il suo progetto comunque legato a una definizione della forma. Nel frattempo espone a Boston, New York, Milano, Roma, Torino, Venezia, Bologna. </p> <p>Da quando viene chiamato da Luca Ronconi per l\'allestimento teatrale del <em>Riccardo III</em> di Shakespeare per il Teatro Stabile di Torino, si dedicherà anche alla scenografia, con opere come <em>Orgia </em>di Pasolini, <em>Norma</em> con Bolognini per il Teatro della Scala e il Bolshoi di Mosca. </p> <p>Artista completo, progetta anche architetture interne di chiese, come quella di Porto Rotondo, oggi considerata capolavoro assoluto dell\'architettura ecclesiastica dell\'ultimo secolo, seguita dalla Chiesa di Tor Bella Monaca, a Roma, e dalla Chiesa del Centro Direzionale di Napoli e dal Teatro di Porto Rotondo.</p> <p>A tutte queste attività Ceroli alterna opere scultoree, comunque sempre legate alla ricerca spaziale e architettonica.</p> <p>Sul finire degli anni Settanta inizia le "rivisitazioni" di grandi opere di artisti del passato, ricostruendo tridimensionalmente <em>La battaglia di San Romano </em>di Paolo Uccello, <em>L\'uomo vitruviano</em> di Leonardo, opere di Goya..., fino al "rifacimento" dei Bronzi di Riace, simbolo di opere d\'arte "consumate" e "abusate" tanto da divenire "simboli di massa", che l\'artista fissa nel legno come silhouette di ombre che evocano una memoria mitica e inquietante. </p> <p>A metà degli anni Ottanta le lastre di legno vengono sostituite con la stessa tecnica da lastre di vetro che danno vita ad effetti cromatici diversi, dovuti alla trasparenza ed esaltati dalla tecnica di composizione a lamine accostate. Al contempo, intensifica l\'attività espositiva all\'estero, a Tokyo, Los Angeles, San Paolo del Brasile, Parigi, Vienna; espone nel 1983 al Forte Belvedere di Firenze, e partecipa a varie edizioni della Biennale di Venezia, realizzando importanti opere pubbliche, come <em>Squilibrio</em>, ispirata a Leonardo e realizzata per l\'Aeroporto di Fiumicino (1986) e per Vinci (1987); <em>Il Cavallo alato </em>per la sede RAI<em> </em>di Saxa Rubra (1987); <em>La Casa</em><em> del Nettuno</em> a Bologna (1988); l\'installazione <em>GOAL</em>-<em>Italia \'90</em> per i Mondiali di Calcio a Roma (1990); <em>L\'Albero della Vita</em> per il Sestriere (1997).<br /> Nel 2002 il Museo dell\'Istituto Nazionale per la Grafica ospita una sua mostra intitolata <em>Carte</em>, sottolineando l\'importanza di Ceroli non solo come sculture, ma anche come pittore e disegnatore. <br /> Nel 2002 partecipa al progetto <em>La Creazione</em><em> </em>promosso da Art\'è come riflessione sui fatti dell\'11 settembre 2001. Nell\'occasione due esemplari della scultura <em>Toro</em> vengono donati alla Borsa Italiana e agli Stati Uniti. </p> <p>Ceroli è autore degli interventi artistici (tavole e bassorilievo di copertina) del volume edito nel 2002 da FMR-ART\'È <em>Le avventure di Pinocchio</em>; le sculture in legno realizzate come studi per le tavole, dopo essere state esposte a Bologna, a Palazzo Re Enzo, in occasione della presentazione del volume, vengono esposte alla Biblioteca Vallicelliana di Roma e in varie altri sedi espositive in Europa. </p> <p>Nel 2003 la città di Bari dedica all\'artista una grande antologica, acquisendo anche una scultura raffigurante un cavallo. L\'anno seguente il Comitato organizzatore del Premio Michetti, nell\'occasione della 54a edizione, dedica a Mario Ceroli una mostra omaggio. Nello stesso anno si inaugura a Roma il Sacrario ai caduti della Polizia da lui realizzato. Nel 2005 espone a Genova e in importanti collettive sull\'arte italiana a Modena, Milano e Roma. </p> <p>Oggi Mario Ceroli è senza dubbio uno degli artisti italiani più conosciuti all\'estero e le sue opere figurano nei musei e nelle collezioni italiane e straniere più importanti. Lavora a Roma, in uno spazio-museo di oltre tremila metri quadri, dove trovano posto alcune delle sue opere di maggior rilievo, la sua casa e il suo laboratorio sul cui pavimento, l\'artista ha inciso uno dei suoi motti preferiti: "La forza di sognare". </p> <p> </p> '))
![Accardi Carla](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/Accardi.jpg', 'Accardi Carla', 'Nata a Trapani nel 1924, è fra i massimi esponenti dell\'astrattismo italiano. Dopo la maturità classica, nel 1943 consegue da privatista la maturità artistica, per seguire poi i corsi all\'Accademia di Belle Arti di Palermo e di Firenze. Nel 1946 si trasferisce a Roma, dove tuttora vive e lavora.<p>Nel 1949 sposa il pittore Antonio Sanfilippo, insieme al quale, negli studi di via Margutta, conosce Consagra e Turcato con cui stabilisce rapporti di amicizia e di lavoro; frequenta, inoltre, Attardi, Dorazio, Guerrini, Maugeri, Perilli. </p> <p>La giovane siciliana s\'impone presto all\'attenzione dei maggiori critici come uno dei protagonisti del gruppo "Forma 1" (1947) con cui partecipa a numerose collettive sia in Italia che all\'estero; la sua prima mostra personale è alla Galleria Numero di Firenze, seguita nel 1950 da quella alla Galleria Libreria Age d\'Or di Roma presentata da Turcato.</p> <p>Fino al 1952, l\'opera di Carla Accardi si muove sulla linea della pittura costruttivo-concretista, per volgersi poi verso una ricerca fondata sulla poetica del segno che la porterà, dal 1954, a realizzare opere articolate essenzialmente su insiemi di segmenti pittorici bianchi su fondi neri. Questa scelta espressiva la mette in relazione con le ricerche dei maggiori artisti dell\'informale.</p> <p>Michel Tapié, critico e profeta dell\'arte informale, segue il suo lavoro invitandola, tra il 1954 e il 1959, alle mostre da lui curate in Italia e all\'estero. Negli stessi anni l\'Accardi partecipa a numerose collettive, presentata da critici come Michel Seuphor, Palma Bucarelli, Giulio Carlo Argan e Lionello Venturi.</p> <p>A partire dagli anni Sessanta, l\'artista recupera un linguaggio incentrato sul rapporto segno-colore, accentuando il valore cromatico in bicromie luminescenti. Nel 1964 è presente con una sala personale alla Biennale di Venezia; personale presentata da Carla Lonzi (con la quale instaura un sodalizio che la porterà alla militanza femminista) che la imporrà all\'attenzione internazionale.</p> <p>La ricerca basata sul segno-colore trova un\'ulteriore radicalizzazione nelle opere successive, quando la Accardi usa come supporto le superfici trasparenti di<em> sicofoil </em>e accentua la natura del quadro come diaframma luminoso. Se l\'adozione di questo materiale abroga radicalmente il supporto, affidando quei segni erratici direttamente allo spazio, il colore fluorescente con il quale sono tracciati apre la dialettica tra manualità ed artificialità. L\'interesse per la relazione tra opera e ambiente giunge alla radicalità nel lavoro <em>Triplice tenda</em> del 1969-1971, una vera e propria struttura "abitabile" e percorribile dallo spettatore.</p> <p>È invitata alla Biennale di Venezia del 1976, a quella del 1978 e a numerose personali e collettive, partecipando a mostre retrospettive di "Forma 1" e dell\'avanguardia italiana degli anni Cinquanta.</p> <p>Negli anni Ottanta avvia una nuova ricerca: nelle sue opere l\'utilizzo della tela grezza lascia trapelare gli intrecci di larghi segni colorati, in cui diverse stesure cromatiche si giustappongono creando campi energetici di differenti intensità.</p> <p>Espone alla Biennale di Venezia del 1988 ed è presente nelle principali rassegne storiche dell\'arte italiana, in Italia e all\'estero (tra le altre:<em> Italian Art in the XX</em><em>th Century</em>, Royal Academy, Londra, 1989 e <em>The Italian Metamorphosis</em> 1943-1968, Guggenheim Museum, New York, 1994); partecipa ad importanti rassegne internazionali come <em>Chambres d\'amis</em> (Gand, 1986).</p> <p>Viene nominata nel 1996 membro dell\'Accademia di Brera e nel 1997 fa parte, come consigliere, della Commissione per la Biennale di Venezia.</p> <p>Nel 1998 la sua città natale le dedica una mostra antologica, <em>Carla Accardi: Opere 1947-1997, a cura di Claudio Cerritelli, Renato Alongi e Vitalba Liotti e promossa dall\'Associazione Officina. Collabora, inoltre, con la nipote Vita Accardi, attrice e regista di teatro, per una performance, recentemente allestita al museo Bilotti.</em></p> <p>Nel 1999 esce il <em>Catalogo ragionato</em> della sua opera (Edizioni Charta), a cura di Germano Celant di cui di recente (2011) è uscito, edito da Silvana Editoriale <em>Carla Accardi. La vita delle forme</em>.<br /> Sue opere sono presenti nella Galleria Nazionale d\'Arte Moderna e Contemporanea di Roma (GNAM), nella Collezione Peggy Guggenheim di Venezia, al Museo di Scultura contemporanea di Matera, al Museo del Novecento di Milano e a La Salerniana di Erice.</p>'))
, un delizioso borgo dell\'entroterra pisano che rappresenta nello stesso tempo un rifugio dal caos della modernità e una finestra aperta sul mondo. Si diploma presso l\'Istituto d\'Arte di Volterra e studia al D.A.M.S. di Bologna. </p> <p>Nel 1973 inizia la sua carriera di artista, eseguendo sculture in alabastro e microfusioni in bronzo. Dal 1978 traduce le esperienze precedenti nelle performance: <em>Poeticamaranto</em>, Genova, Teatro dell\'Archivolto, 1978; <em>Sonata d\'estate in Rimbaud</em>, Cecina, Arena Comunale, 1979; <em>Con...certo! Pittorico-linguale</em>, Correggio, Teatro Comunale, 1979; <em>Incontro con la morte ovvero un sogno di cartapesta</em>, Cecina, Arena Comunale, 1980; <em>Lacer/Azione</em>, Castiglioncello, Castello Pasquini, 1980.</p> <p>Nel 1981 organizza a Montescudaio un incontro di artisti provenienti da varie nazioni, insieme ai quali opera interventi nella struttura urbana del paese. Dal 1980 esegue numerosi interventi di <em>land art </em>nel territorio toscano, con la collaborazione delle amministrazioni locali. </p> <p>Nell\'inverno del 1982 espone alla Galleria Il Navile di Bologna, con una serie di interventi pittorici realizzati su materiali di recupero. </p> <p>Dal 1984 inizia a lavorare con la pelle recuperando, attraverso una tecnica pittorica trecentesca, la memoria iconografica dell\'uomo e del suo tempo. In questo periodo espone a Bruxelles, Pisa, Livorno e Siena. Nel 1986 espone per la prima volta a Parigi, al "Jeune Peinture, 37° Salon", esperienza che replica anche l\'anno successivo, suscitando grande interesse da parte del pubblico e della critica. </p> <p>In questi anni decide di esporre le sue opere in grandi personali all\'interno di un palazzo settecentesco nella natia Montescudaio. </p> <p>Dal 1987 in poi sceglie una strada "contraria" ai flussi d\'arte e della moda che si connoterà spesso come segno non soltanto di distinzione ma anche di "contraddizione". Partecipa di rado ad esposizioni collettive e interviene prevalentemente in eventi personali per esprimere meglio la propria ricerca artistica e spirituale.</p> <p>Così si racconta, in terza persona: "I temi sono sempre un poco oltre la così detta ‘linea di confine\', perché con i suoi gesti trasforma la pittura in assoluta testimonianza del cercare. Usa tecniche e stili che appaiono differenti, ma lo fa con straordinaria naturalezza e libertà per affermare che è figlio del Novecento, l\'unico secolo che ha consegnato all\'artista la possibilità della sperimentazione totale e quindi del proprio sacrificio."</p> <p>Negli ultimi dieci anni ha esposto in sedi prestigiose a Roma, Milano, New York, Berlino, Parigi, Amburgo, Madrid e Lisbona.</p> <p>Attualmente collabora con musicisti, attori e poeti che incontra nel suo "rifugio" di Montescudaio.</p> <p>Tra le sue iniziative recenti vale la pena segnalare: il video<em> Passio-Action Painting</em>, con musiche di Christian Ravaglioli, realizzato per Lugo Contemporanea \'06; a giugno 2010 l\'installazione <em>Sul Bordo del Buio e della Luce</em> posta nella Piazza del Casalino del Castello di Montegemoli (Pomarance, PI); da luglio ad ottobre 2011, infine, è presente alla 54a edizione della Biennale di Venezia, al Padiglione Italia, Toscana, Villa Bardini, Firenze.</p> <p>Stefano Tonelli vive e lavora tra Montescudaio e Roma.</p> '))
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![Boncompain Pierre](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/Boncampain.jpg', 'Boncompain Pierre', 'Nasce nel 1938 a Valence, in Provenza, ma le sue origini sono probabilmente italiane, tanto che egli dichiara di sentirsi "assolutamente mediterraneo". <br /> Il padre scrive libri, ha amici poeti e pittori e frequenta gli atelier degli artisti: l\'occhio di bambino di Boncompain, come lui stesso afferma, si impregna di tutto questo. Affascinato dalle tavolozze dei colori, comincia a disegnare, finché il padre non gli regala la prima scatola di colori. Si iscrive all\'Accademia Nazionale delle Arti Decorative della Drôme, dove consegue il diploma; riceve il premio del Consiglio Generale della Drôme. Nel 1958 si trasferisce a Parigi, e qui comincia a studiare le opere di Dufy, Buffet, Degas, Marquet e Picasso che inconterà, più tardi, a Cannes. Nel 1961 si iscrive all\'Accademia di Belle Arti di Parigi; già nel 1963 realizza la sua prima mostra alla Galleria Marshall di Chicago e apre il suo studio in Rue de Seine a Parigi, accanto a quello del pittore Poliakoff. Nel 1964 disegna i costumi per l\'allestimento di un dramma di Anton Čechov. <br /> Negli anni seguenti, mentre prosegue l\'attività espositiva in Francia e nel mondo (Caracas, Florida, Chicago, Londra, New York), realizza le illustrazioni per le opere di alcuni grandi scrittori francesi, come Pierre Mac Orlan, Maurice Genevoix e Colette. Riceve diversi riconoscimenti tra cui, nel 1970, il primo premio della Critica.<br /> Nel 1977 partecipa ad una missione culturale in India insieme agli scrittori Robert Sabatier e Michel Tournier e al pittore Francois Bret, direttore dell\'Accademia di Belle Arti di Marsiglia.<br /> Nel 1979 viene pubblicato il catalogo <em>Cento Disegni di Boncompain</em>, con prefazione di Michel Déon. Nel 1986 e nel 1993 vengono pubblicate due sue monografie, rispettivamente in Francia e in Giappone. Nel frattempo espone in Francia, Gran Bretagna, Svizzera, Belgio, America e Giappone.<br /> Nel 1999, presso la Galleria Artfrance, a Parigi, si tiene la presentazione dei pastelli che Boncompain realizza per illustrare l\'opera <em>Il Cantico dei Cantici</em>,<em> </em>mentre nel 2000 realizza un affresco monumentale nel New Jersey. <br /> Nell\'arte di Boncompain si ritrovano quei colori, quella luce che nobilita tutto ciò che tocca, quel fascino della terra di Provenza che hanno stregato l\'artista fin dalla prima infanzia e che sono parte integrante della sua stessa persona. Oltre ai grandi toscani, gli artisti legati alla regione della Provenza hanno influenzato il suo modo di dipingere: fra tutti Cezanne, per il modo in cui ha rappresentato la regione francese, Bonnard e Matisse per la magia della luce, la poesia che esprimono, come una specie di giardino dell\'Eden, con una visione di tipo orientale e con la luce che, passando attraverso le palme, diventa oro. Boncompain è però affascinato anche dalle miniature indiane, per la loro magia e la dimensione fiabesca che egli tenta di ricreare in tutte le opere.<br /> Il suo è un segno che esprime, in pochi tratti, l\'essenza della visione dell\'artista; la sua è una pittura calda, armoniosa, rassicurante, pervasa da un sentimento di pace e di armonia, in cui compare, talvolta, la figura umana, creando un\'atmosfera quasi di attesa. Nel lavoro di Boncompain regna il silenzio, che l\'osservatore è portato istintivamente a rispettare; la sua attenzione è catturata, oltre che dalla pace, dagli azzurri intensi, gli ocra e i gialli di Provenza e dalla luce. Boncompain afferma di lasciarsi "attraversare" dal reale per estrarvi tutta la potenza della poesia e di questa poesia impregna i suoi quadri. <br /> Michel Déon, nella prefazione del catalogo <em>I luoghi d\'origine</em> (Parigi, 1997) lo definisce un artista "trasparente", i cui pensieri possono essere facilmente letti. Il consiglio di Boncompain è di avvicinarsi alle proprie creazioni con un approccio non troppo intellettuale, ma al contrario semplice, con il cuore di un bambino che scopre una cosa per la prima volta, e si meraviglia <br /> Nel 2002 realizza gli interventi artistici dell\'opera<em> </em>edita da FMR-ARTÈ<em> Cantico dei Cantici</em>, con l´introduzione, la traduzione originale in italiano e dodici isole di commento a cura di Monsignor Gianfranco Ravasi. Nella raffigurazione del poema <em>Cantico dei Cantici</em> Boncompain trae ispirazione da questa meravigliosa storia d\'amore per esprimere al massimo grado le sue emozioni, i suoi sentimenti, e per ricreare quel mondo di poesia e di magia, quel senso di pace e armonia che è il fine di tutta la sua opera.<br /> Oggi Boncompain vive e lavora a Parigi. '))
![Vaccari Alfonso e Nicola](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/VACCARI.jpg', 'Vaccari Alfonso e Nicola', '<p>Alfonso e Nicola Vaccari sono due gemelli, nati a Forlì il 30 maggio 1961. Vivono e lavorano nella loro città natale. Si diplomano all\'Accademia di Belle Arti di Bologna, poi iniziano la loro carriera di artisti indipendenti. La prima mostra collettiva risale al 1980, con la partecipazione alla Prima Biennale di Arte Figurativa - "Premio Michelangelo" Città di Forlì. La loro prima personale, invece, risale al 1983, con la mostra <em>L\'espressione dell\'immagine nello spazio formale e informale</em> che si tiene alla Chiesa dell\'Ospedale di Meldola (FO). </p> <p>Da buoni gemelli omozigoti lavorano in coppia, dipingendo le opere a quattro mani, applicando le rispettive sensibilità su un\'unica tela e mostrando un\'intesa naturale e istintiva, anche se non disdegnano di cimentarsi singolarmente. Al lavoro <em>en plein air</em> preferiscono l\'utilizzo della fotografia come mezzo per filtrare e riconsiderare le immagini, in quanto consente di fissare alcuni istanti ben precisi, con le loro caratteristiche definite e immutabili. Così facendo si appropriano di spazi, scenari e coreografie particolari, diurne e notturne, che poi rielaborano nel loro studio, lontano dai rumori del traffico cittadino, che pure rappresenta uno dei loro temi prediletti. Amano fissare sulla tela l\'intermittenza, la transitorietà e l\'instabilità dei luoghi che passano davanti ai loro occhi, come una sequenza cinematografica. Il paesaggio urbano, che agli occhi dei più potrebbe sembrare assai poco poetico, nei loro dipinti si trasforma in un luogo incantato, fatto di luci e di colori che abbagliano, e che ha in sé un magico potere di seduzione. </p> <p>La loro è una ricerca all\'interno della memoria, individuale e collettiva, degli elementi fondanti della civiltà occidentale, che trae le sue origini proprio dalla città. E il paesaggio urbano, fortemente "antropizzato", diventa così una sorta di giardino incantato, dove non si ha più paura di perdersi e dove si possono scoprire angoli silenziosi e suggestivi.</p> <p>Assidua è la loro presenza nelle più importanti manifestazioni fieristiche nazionali, a Bologna e Forlì soprattutto. </p> <p>Hanno scritto di loro, tra gli altri, Achille Bonito Oliva, Claudio Cerritelli, Enzo Dall\'Ara, Silvia Evangelisti, Flaminio Gualdoni, Dacia Maraini, Claudio Spadoni e Vittorio Sgarbi.</p> <p>I gemelli Vaccari sono autori di due pubblicazioni: <em>L\'alchimista delle acque</em> (Il Ponte Vecchio, Cesena 1998) e <em>Angeli senza ali</em> (Azimut, Roma 2008).</p> <p>Tra le mostre personali, oltre a numerose presenze alla fiera d\'arte contemporanea <em>Vernice-Art Fair</em>-Fiera di Forlì, ricordiamo: nel 2003 <em>Intermittenze e Memorie</em> al Ta Matete living gallery di Roma; nel 2006 la partecipazione al V concorso nazionale <em>Coinè per l\'arte</em> (premio ex-aequo con Mauro Andrea); <em>Memorie instabili</em>, Galleria d\'Arte Farneti, Forlì; nel 2009 <em>Luoghi del transito</em>, Galleria Piazza Dante Club, Giulianova (TE); nel 2010 <em>Notturni urbani</em>, Galleria Tu e L\'Arte, Padova.</p> <p>Tra le collettive, oltre a quelle che si tengono al Ta Matete living gallery di Milano (<em>Memoria e nostalgia</em>, nel 2002, e <em>Meraviglia</em>, nel 2003) sono presenti in Corea del Sud per <em>Italia-Corea Daegu Art Exhibition</em> (2003), nel 2004 sono selezionati da Flaminio Gualdoni per due rassegne: <em>Strategie del corpo</em> al Ta Matete di Roma e <em>Il sentimento dell\'arte</em> a Palazzo Isolani, Bologna.</p> <p>Negli anni seguenti espongono a Forlì, all\'Oratorio di San Sebastiano e a Palazzo Albertini, a Villa</p> <p>Torlonia di San Mauro Pascoli (FC), a Ravenna e a Predappio; nel 2008 sono presenti ai Magazzini del Sale di Cervia (RA) con<em> Scansioni della memoria</em>; nel 2009, con <em>Colori in emersione</em>, all\'Auditorium ex macello di Aversa CE (terzo premio ex-aequo); e ancora li troviamo in <em>1000 Artisti a Palazzo</em>, Palazzo Borromeo di Cesano Maderno (MI); <em>L\'Arte per l\'Arte</em> all\'Hotel Alexander Palace Museum, Pesaro; <em>Vit\'arte</em> - asta per lo IOR d\'arte contemporanea, Palazzo delle Esposizioni di Faenza; nel 2010 <em>Amart</em>, Louis Gallery di Bruxelles, collettiva di artisti partecipanti al premio internazionale Città di New York; alla mostra itinerante<em> City of Angeles</em>. Partecipano al Premio Arciere, Museo Archeologico, Sant\'Antioco (CI); alla collettiva della mostra degli artisti scelti da Vittorio Sgarbi a Palazzo Pianciani per il Festival dei Due Mondi di Spoleto; sempre nel 201 espongono in <em>16Corto</em>, mostra di pittura dedicata ad Anna Magnani, Palazzo Albertini, Forlì; infine nel 2011 sono a Parigi, alla Galerie de L\'Europe con <em>Les Italiens,</em> a cura di Silvia Arfelli, e sono presenti alla 54a edizione della Biennale di Venezia al Padiglione dell\'Emilia-Romagna, segnalati da Camillo Langone.</p> '))
![Chia Sandro](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/chia.jpg', 'Chia Sandro', '<p>Nasce nel 1946 a Firenze. Qui frequenta prima l\'Istituto d\'Arte poi l\'Accademia di Belle Arti, dove si diploma nel 1969. La sua formazione giovanile è influenzata dall\'ambiente politicizzato dell\'Accademia, ma anche da contatti con la pittura di Picasso e con la cultura orientale. Nel 1970 lascia Firenze e si stabilisce a Roma, dove nel 1971 tiene la sua prima personale presso la Galleria La Salita. Tra il 1971 e il 1975 compie parecchi viaggi in Oriente e in Europa. </p> <p>Fino alla metà degli anni Settanta opera nell\'ambito dell\'Arte Concettuale, realizzando anche performances;<em> </em>molti lavori di questo periodo sono accompagnati da scritti, poesie e prose. Intorno al 1976 il suo lavoro subisce una svolta: abbandona le sperimentazioni concettuali e rimette mano ai mezzi della pittura e del disegno. Così, nel corso della seconda metà del decennio si accosta progressivamente alla figurazione, che s\'impone pienamente nelle sue opere. Nel giro di pochi anni, sotto la sigla di "Transavanguardia", promossa e sostenuta da Achille Bonito Oliva, si afferma come uno dei protagonisti della nuova ricerca figurativa. A questa fase della ricerca risalgono le sue scene mitologiche, caratterizzate da figure imponenti che si richiamano ai nudi michelangioleschi, per cui Sandro Chia guarda costantemente alla pittura antica e a quella del Novecento.</p> <p>Pittura, ma anche scultura costituiscono il suo lavoro che si intuisce mai interrotto, ma sempre arricchito dal fare, della materia stessa della pittura, dalla scultura che talvolta la racchiude. Lo stile e le tematiche care all\'artista sono in costante evoluzione sia sotto il profilo estetico che intellettuale. Chia insiste sul colore e sulla stesura: i quadri hanno sempre più spessore di tinteggiature, le linee rifiutano il disegno soggiacente, ma compaiono sempre più frequenti sulla superficie dipinta e manifestano la gestualità che le ha prodotte. </p> <p>Nel 1980 espone alla Biennale di Venezia nella sezione "Aperto 80" insieme agli altri esponenti della Transavanguardia (Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Nicola De Maria e Mimmo Paladino). Nello stesso anno va a New York, dove espone con una personale alla Galleria Sperone WestWater Fischer, dopodiché si trasferisce nella Grande Mela, lavorando tra l\'America e l\'Italia.</p> <p>Dal 1982 comincia a dedicarsi alla scultura. Nel 1984 partecipa alla XLI Biennale di Venezia nella sezione "Arte allo specchio".</p> <p>In pittura Chia ammira e guarda ai maestri del passato, quali Tiziano, Masaccio, Tintoretto, Lotto, Michelangelo e, tra i contemporanei, De Chirico, Léger, Cézanne, Picabia e Chagall, che rielabora ed assorbe nella sua idea dell\'arte che ricerca in se stessa i motivi della propria esistenza. Nascono così figure consistenti che appartengono e vivono della pittura, personaggi melanconici, spesso sospesi tra cielo e terra. Le sue tele, ricche di colore lieve o pesante, si danno allo sguardo come un tutto pieno, affondando le proprie radici nella tradizione aurea italiana. </p> <p>Durante gli anni Ottanta il suo lavoro viene esposto presso gallerie e musei di importanza internazionale, in Italia e all\'estero, da Amsterdam a Parigi, da Hannover a Salisburgo, ma anche in Giappone, nel 1983 al Solomon R. Guggenheim di New York, nel 1984 al Metropolitan Museum of Art di New York, nel 1989 partecipa alla Biennale di Venezia, nel 1995 espone a Villa Medici, a Roma. Una sua grande personale s\'inaugura nel settembre 1991 a Firenze, a Palazzo Medici Riccardi.</p> <p>Nel 1999, nell\'ambito della mostra sulla Pop Art (Chiostro del Bramante, Roma), presenta ritratti di artisti italiani di quella corrente.</p> <p>Nel giugno del 1999 inaugura una mostra di ritratti d\'artista alla Galleria Gian Enzo Sperone di Roma.</p> <p>Sue opere appartengono alle collezioni dei più importanti musei del mondo: dall tate gallery di Londra al Moma di New York, dal Fukuyama Museum of Art in Giappone alla Neue Nationalgalerie di Berlino, dal Castello di Rivoli al Museum of art di Tel Aviv, da Palazzo Madama, a Roma, al Ministero degli Affari Esteri, sempre nella capitale.</p> <p>Mentre si susseguono le tante mostre personali e collettive, nel 2002 realizza per FMR-ART\'E\' gli interventi artistici dell\'opera <em>Genesi.</em></p> <p>Chia vive e lavora a New York soggiornando spesso in Italia a Montalcino, dove risiede nel Castello Romitorio.</p> '))
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![Minguzzi Luciano](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/Minguzzi.jpg', 'Minguzzi Luciano', 'Luciano Minguzzi nasce a Bologna nel 1911. Il padre Armando è scultore. Nel 1931 il giovane Minguzzi si iscrive all\'Accademia di Belle Arti di Bologna. Qui segue i corsi di incisione tenuti da Giorgio Morandi, quelli di scultura sotto la guida di Ercole Drei, mentre all\'università frequenta le lezioni di Roberto Longhi. <p>Nel 1934 espone alla XIX Biennale di Venezia e, nel 1939, alla Quadriennale d\'Arte di Roma. Nel 1942 è presente con una sala personale alla XXIII Biennale di Venezia. </p> <p>Terminata la guerra, fonda con altri artisti il gruppo "Cronache". Nel 1949 tiene una mostra al Museo dell\'Athénée di Ginevra. L\'anno dopo, invitato alla XXV Biennale di Venezia con un gruppo di opere, fra le quali il <em>Gallo</em>, ottiene il Gran Premio della Scultura. </p> <p>Trasferitosi a Milano nel 1951, partecipa al concorso per la V Porta del Duomo di Milano, che lo vede vincitore nel 1958. La porta verrà inaugurata nel 1965. </p> <p>Nel 1952 partecipa con una personale alla Biennale di Venezia e la giuria internazionale gli assegna un Premio Aggiunto per la Scultura. In questi anni scolpisce opere quali: <em>Acrobata</em>, <em>Contorsionista</em>, <em>Due figure</em>, <em>Donna che salta la corda</em> e <em>Cane tra le canne</em>. </p> <p>Nel 1953 partecipa al concorso per il monumento al Prigioniero politico ignoto alla Tate Gallery di Londra ricevendo il terzo premio. </p> <p>Nel 1955 è presente con la Galleria del Milione al MoMa di New York e alla mostra nel parco Middelheim di Anversa. Nel 1956 espone alla Quadriennale di Roma, al Museo Rodin di Parigi e alla Viviano Gallery di New York. Lo stesso anno gli viene assegnata la cattedra di scultura all\'Accademia di Belle Arti di Brera, dove insegnerà fino al 1975. </p> <p>Nel 1957 è presente nelle piazze e nei parchi d\'Europa con sculture di grandi dimensioni, quali <em>Gli aquiloni</em>, <em>Luci nel bosco</em>, <em>Ombre nel bosco</em>, <em>Sei personaggi</em>, <em>Pas de quatre</em>. </p> <p>Dal 1957 al 1960 espone in Australia, Perù, Stati Uniti, Inghilterra, Olanda e Germania. Le sue sculture ispirate al tema degli uomini del Lager nascono dalla fine degli anni Cinquanta agli anni Sessanta. Nel 1964 è nominato insegnante di scultura alla Sommer Academy di Salisburgo. </p> <p>Nel 1970 riceve l\'incarico da Paolo VI per la realizzazione della <em>Porta del Bene e del Male</em> per la Basilica in San Pietro in Vaticano, opera alla quale lavorerà per sette anni. </p> <p>Gli anni Ottanta lo vedono impegnato in grandi opere quali le <em>Parche</em>, la <em>Dafne</em> e il gruppo dei <em>Nuotatori</em>. Tra il 1988 e il 1989 scolpisce le porte per la chiesa Stella Maris a Porto Cervo, in Sardegna. </p> <p>Nel 1988, dopo quattro anni di lavoro, termina la Porta per la Chiesa di San Fermo Maggiore a Verona, opera benedetta da Papa Giovanni Paolo II nello stesso anno e inaugurata il 21 giugno 1997. Nel 1992, in occasione degli ottant\'anni dell\'artista, il Comune di Milano gli dedica una grande mostra personale al Castello Sforzesco. L\'anno successivo è presente all\'esposizione all\'aperto alla Rocca Malatestiana di Cesena insieme a Manzù e Fabbri. Nel 1994 alcune sue opere sono esposte alla mostra <em>Disegno e scultura nell\'arte italiana del XX Secolo</em>, al Museo della Permanente di Milano. Partecipa nel 1995 alla mostra <em>La città di Brera. Due Secoli di scultura</em> all\'Accademia di Brera e tiene una personale alla Civica Galleria di Arte Moderna di Saint-Vincent. Nel 1996 nasce a Milano la Fondazione Museo Luciano Minguzzi. </p> <p>Il 1998 Minguzzi riceve a Bologna il Premio Marconi. Nello stesso anno, mostre antologiche del maestro sono ospitate presso l\'Università Statale di Bologna e il Museo Marino Marini di Firenze. Nel 1999 il Comune di Vicenza dedica a Minguzzi una grande mostra monografica alla Basilica Palladiana. </p> <p>Tra le sue ultime opere di scultura vi sono il <em>Gallo \'99</em>, nuovo omaggio al soggetto-simbolo di Minguzzi, la grande <em>Op là</em> (1952-2000) e i due <em>Uomo n. 1</em> e <em>Uomo n. 2</em> del 2000-2001.</p> <p>Muore a Milano nel 2004.</p>'))
![Kokocinski Alessandro](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/KOKOCINSKI.jpg', 'Kokocinski Alessandro', 'Alessandro Kokocinski nasce a Porto Recanati nel 1948, da madre russa e padre polacco. Vive in Brasile, nella foresta dell\'Jguazù, e poi in Argentina. Nei primi anni Sessanta entra nel mondo del circo e inizia a viaggiare per l\'America Latina. Tornato a Buenos Aires, lavora come scenografo teatrale, ma la persecuzione militare lo costringe a rifugiarsi nel 1969 a Santiago del Cile, dove espone disegni di chiara denuncia politica. Alla caduta del governo Allende, Kokocinski si trova già a Roma, dove è accolto da intellettuali come Alberto Moravia e Carlo Levi. Partecipa alla X Quadriennale d\'Arte Nazionale di Roma ed è invitato dallo Stato Vaticano ad esporre nei propri Musei e ad illustrare l\'<em>Angelus Dei </em>sotto il pontificato di Papa Paolo VI. Nel 1977 viene allestita una sua personale a Ferrara, nel 1986 ad Hong Kong il Ministero degli Esteri patrocina una sua personale. Nel 1992 si tengono due sue personali in Germania e una a Praga. Buenos Aires ospita nel Museo Nazionale di Belle Arti una grande retrospettiva patrocinata dal Ministero degli Esteri e dalla Fundaciòn J.L. Borges. Scrive Maria Kodama, moglie del grande scrittore: "Borges rimase particolarmente toccato dall\'opera di Kokocinski quando gliene parlai. Molte volte in quegli indimenticabili dialoghi, [...] mi chiedeva la descrizione di quelle opere che avevano provocato in me un tale sentimento di meraviglia di fronte alla forza delle linee del disegno, che avevo visto in quella prima mostra di Kokocinski. Quel lavoro è andato crescendo nella ricerca di un\'identità, in quella serenità dovuta alla introspezione che gli ha permesso di plasmare i sogni". <p>La pittura di Kokocinski, di un realismo visionario e accattivante, unisce al mondo fantastico russo la passione sudamericana e il fascino luministico seicentesco italiano. Forse proprio da questo caleidoscopio di culture e di vocazioni etico-sentimentali nasce la prospettiva fantastica, allucinata e sapiente della sua pittura che ormai da tempo la critica ammira senza riserve e che coinvolge il pubblico di appassionati per la misteriosa tensione che emana. </p> <p>Nello 2004 realizza in esclusiva per FMR-ART\'È dieci tavole a colori fuori testo per il volume <em>Paradiso</em>, uno dei tre volumi che compongono l\'edizione de <em>La Commedia</em>.</p> <p>Nel 2005, ritornando all\'amato mondo del teatro, l\'artista è ideatore dello spettacolo, realizzato insieme all\'attrice Lina Sastri<em> Cuore mio</em>, in cui la sua pittura si fonde con la drammaticità e la musicalità napoletana. </p> <p>Nel febbraio 2010 espone alla galleria parigina Selective Art <em>Le pouvoir de l\'esprit, dipinti e terracotte.</em> All\'inizio del 2011 è presente alla Biennale d\'Austria; tra febbraio e marzo una sua installazione monumentale, <em>La Trasfigurazione</em> (cinque pannelli che raccontano la sofferenza umana per evocare i valori universali della speranza e della pace), viene esposta a Perugia, alla cattedrale di San Lorenzo, nella Sala del Dottorato, mentre a Todi, la galleria Palazzo Morelli Fine Art ospita una sua personale con dipinti e sculture.</p> <p>Nel giugno del 2011 è chiamato alla 54a edizione dell\'Esposizione Internazionale d\'Arte di Venezia a rappresentare, insieme ad altri 119 artisti, il Padiglione Italia, la cui sede espositiva tradizionale è ampliata in occasione del 150° anniversario dell\'Unità d\'Italia.</p> <p>Nello stesso periodo<em> </em>con <em>Tra sacro e profano</em> espone insieme a Paola Princivalli Conti alla Galleria d\'arte Spazio120 di Roma. Sempre a Roma una quarantina dei suoi lavori più recenti sono esposti tra maggio e giugno 2011 alla galleria d\'arte 20 art space nella mostra dal titolo <em>Il cielo celato</em>.</p> <p>Sempre nel giugno 2011 partecipa alla collettiva che si tiene a Aix en Provence, <em>Flâneries d\'Art dans les Jardins Aixois.</em></p> <p>Suo è il monumento in bronzo alla memoria degli emigranti di Chieti, così come sue opere sono presenti in collezioni pubbliche italiane e straniere, quali la Fondazione Carlo Ludovico Ragghianti di Firenze; la Fondazione Rafael Alberti di Cadice; la Sparkasse di Dorfen, Germania; la Fundaciòn J.L. Borges di Buenos Aires; la Fondazione Michetti di Francavilla al Mare (Chieti); il Giardino del Palazzo Aldobrandini di Carpineto romano.</p>'))
![Guccione Piero](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/Guccione.jpg', 'Guccione Piero', 'Nasce a Scicli, in provincia di Ragusa, nel 1935. Dopo il diploma all\'Istituto d\'Arte di Catania, si trasferisce a Roma dove frequenta i pittori neorealisti Attardi e Vespignani. Dal 1958 al 1969 prende parte alle missioni paleoetnologiche nel Sahara libico con l\'équipe dell\'archeologo Fabrizio Mori, per il rilevamento di pitture rupestri. Nel 1955 è nominato Accademico di San Luca.<br /> Nel 1961, su richiesta dell\'American Federation of Art, organizza una mostra delle pitture rupestri alla Columbia University of New York, successivamente ospitata nelle maggiori università americane. La sua prima mostra personale si tiene a Roma, alla Galleria Elmo, nel 1960. Dal 1962 al 1964 fa parte del gruppo "Il pro e il contro" (con i pittori Attardi, Calabria, Farulli, Guerreschi, Gianquinto e Vespignani e i critici d\'arte Antonio Del Guercio, Dario Micacchi e Morosini), che rappresenta un punto di riferimento per la pittura realista di quegli anni. <p>Dal 1966 al 1969 partecipa alla Biennale di Parigi ed è assistente di Renato Guttuso alla cattedra di Pittura dell\'Accademia di Belle Arti di Roma. Insegna all\'Accademia di Belle Arti e al I Liceo Artistico di Roma. </p> <p>Guccione partecipa a numerose mostre in gallerie italiane ed estere. La Galleria Il Gabbiano di Roma presenta le sue opere nelle principali Fiere d\'Arte Internazionali: dalla Kunstmesse di Basilea, alla FIAC di Parigi, dalla C.LA.E. di Chicago a The Armory Show di New York. Mostre personali a Parigi (FIAC) e a New York negli anni Settanta sono supportate da testi critici di Dominique Fernández e Alberto Moravia.</p> <p>La prima partecipazione alla Biennale di Venezia risale al 1966, e sarà presente in altre tre edizioni: nel 1978, 1982 e 1988.</p> <p>Nel 1979 tiene la cattedra di Pittura all\'Accademia di Belle Arti di Catania. Nello stesso anno, con Sonia Alvarez, torna a vivere in Sicilia, in una campagna (Quartarella), tra Scicli e Modica. </p> <p>Dopo il ritorno in Sicilia, seguono mostre antologiche di grafica alla Galleria d\'Arte Moderna di Paternò (Catania), una personale a Parigi alla Galleria Claude Bernard, un invito alla rassegna internazionale <em>Drawings</em> <em>1974-84</em> all\'Hirshhorn Museum di Washington (1984) e una partecipazione alla IV Biennale di Grafica di Baden-Baden.</p> <p>Nel 1985 espone al Metropolitan Museum di New York con un\'antologica di grafica.</p> <p>La sua quarta partecipazione alla Biennale di Venezia è del 1988, con una sala personale nel Padiglione italiano. È finalista nel 1988, insieme a Burri, Vedova e Schifano, del premio "Artista dell\'anno" a Napoli, promosso da centoventi critici d\'arte italiani. </p> <p>Nel 1989 esce nella collana delle <em>Grandi Monografie</em> d\'arte della Fabbri Editori il volume <em>Piero Guccione</em> a cura di Enzo Siciliano e Susan Sontag (curatori di mostre antologiche dell\'artista al Palazzo dei Diamanti di Ferrara e al Palazzo Dugnani di Milano).</p> <p>Nel 1992 è uno degli artisti invitati dal Comitato per il V Centenario della scoperta dell\'America per la mostra <em>Cristoforo Colombo e l\'apertura degli spazi</em> a Palazzo Ducale di Genova. </p> <p>Esegue nove pastelli ispirati alla <em>Cavalleria Rusticana</em> di Verga, presentati alla mostra <em>Mascagni ritrovato</em>, inaugurata nel 1995 nel Museo Teatrale alla Scala di Milano. </p> <p>Nello stesso anno l\'Assessorato alla Cultura del Comune di Conegliano (Treviso) propone una sua retrospettiva, curata da Marco Goldin, <em>I colori del mare 1967/95</em>. Nel 1996 viene presentata una retrospettiva di pastelli a Villa Foscarini Rossi, Stra (Treviso) <em>Pastelli 1974-1996, a cura dello stesso Goldin.</em></p> <p>Nel 1997 esce la monografia edita da Electa, con testi di Flavio Caroli, Fabrizio D\'Amico, Guido Giuffrè, Marco Goldin e Marco Vallora.</p> <p>Nel 1999 si tiene una mostra antologica di <em>Opere recenti</em> a Palazzo Reale di Milano. Nello stesso anno Guccione riceve dalla Presidenza del Consiglio dei Ministri il Premio Speciale per la Cultura, insieme a Riccardo Muti e Rita Levi Montalcini. </p> <p>Nel 2001 viene pubblicata la riedizione dell\'opera di Galileo Galilei <em>Discorsi intorno alle nuove scienze</em>, con prefazione di Papa Giovanni Paolo II, illustrata da dieci incisioni di Piero Guccione. Dello stesso anno è la personale a cura di Maurizio Calvesi <em>Piero Guccione opere 1962-2000</em>, organizzata a Palazzo Ziino dal Comune di Palermo.</p> <p>Nel 2006 presso la Fondazione Bufalino si tiene la mostra <em>Bufalino e Guccione</em>, una rassegna in ricordo del decennale della scomparsa dello scrittore legato a lui da una vecchia amicizia. </p> <p>Nel 2008 Vittorio Sgarbi cura l\'antologica <em>Piero Guccione - Opere 1963-2008 a Palazzo Reale di Milano; nello stesso anno Maurizio Calvesi presenta la mostra dedicata all\'autore alla Galleria d\'Arte Moderna di Roma.</em></p> <p>Il 14 dicembre 2004 riceve da Carlo Azeglio Ciampi la Medaglia d\'oro della Presidenza della Repubblica Italiana come benemerito dell\'arte e della cultura.</p> <p>Per venire alle mostre più recenti, segnaliamo le personali che si tengono, tra gennaio e marzo 2011, alla galleria Tega di Milano e alle Fabbriche Chiaramontane di Agrigento, quest\'ultima, antologica dal titolo <em>Piero Guccione - Il Mediterraneo</em>, è<em> </em>curata da Marco Goldin; poi, tra giugno e luglio 2011, è la volta di <em>Piero Guccione - Un pittore dell\'occhio, un pittore del visibile</em> alla galleria Dir\'Arte di Modica; infine è presente alla collettiva <em>Dalla figura alla Figurazione nel \'900 italiano. Emblemi da una collezione</em>, che si tiene tra settembre e novembre 2011 a Venezia, Palazzo Loredan, sede dell\'Istituto Veneto di Scienze Lettere e Arti.</p> <p>Guccione vive e lavora nella campagna di Modica, insieme alla compagna Sonia Alvarez.</p>'))
 per varie opere, in particolare: <em>Canti</em> di Giacomo Leopardi<em> </em>(2001), <em>Libro d\'ore</em> (2003), <em>La Commedia</em><em> </em>(2004) <em>e Le religioni nel mondo </em>(2008).</p> <p>Ugo Riva vive e lavora a Curno, in provincia di Bergamo.</p>'))
![Verrelli Marco](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/VERRELLI.jpg', 'Verrelli Marco', '<p>Nato a Roma nel 1961, è un pittore autodidatta. Ciononostante, vanta un curriculum di tutto rispetto, che lo vede ricevere nel 1996 il secondo premio Targa d\'argento al Premio "Arte" Giorgio Mondadori, Milano; nel 1997 espone alla Galleria Lazzari di Roma con<em> Extra moenia</em>, a cura di Carlo Fabrizio Carli; nel 1998 è presente al XXXI Premio Vasto <em>Effetto città</em>, a cura di Carlo Fabrizio Carli, Istituto Filippo Palizzi, Vasto (CH); dell\'anno successivo è la mostra personale<em> Primaverile A.R.G.A.M. 1999</em>, alla Galleria Lazzari, a cui seguono <em>Arte in Campus</em>, a cura di Silvana Sinisi, Università degli Studi di Salerno, e <em>Cieli e cupole</em>, ancora alla Galleria Lazzari; nel 2000 espone al Teatro Argentina di Roma in<em> Parola e immagine</em>, a cura di Maurizio Calvesi, con Lorenzo Canova; nello stesso anno una sua opera è finalista al III Premio "Carlo Dalla Zorza", a cura di Marina De Stasio, Galleria Il Ponte Rosso, Milano; sempre del 2000 è <em>Visione Intima</em>, a cura di Massimo Scaringella, Istituto Italiano di Cultura in Marocco, Rabat; l\'anno successivo<em> Visione Intima</em> è alla Biblioteca Nazionale Centrale Araba di Tripoli, Libia; ancora nel 2001 una sua opera è finalista al VI Premio Morlotti-Imbersago, a cura di Marina Pizziolo, Palazzo Comunale di Imbersago; XXVI Premio Avezzano - <em>Codice mutante</em>, a cura di Maurizio Calvesi, con L. Canova, A. Monferini, R. Siligato, ex Granai di Palazzo Torlonia, ad Avezzano; si aggiudica il primo Premio "Ferruccio Ferrazzi", a cura di Carlo Fabrizio Carli e Alberto Serarcangeli, alla Scuola del Corpo Forestale dello Stato, Sabaudia; <em>Pavia - Giovane Arte Europea</em>, a cura di Rossana Bossaglia, Flaminio Gualdoni ed Elena Pontiggia, al Castello Visconteo di Pavia; <em>Match - Esterni Città</em>, a cura di Marco Di Capua, Galleria d\'Arte Russo, Roma; prende parte al Premio Accademia Nazionale di San Luca 2001, Roma; nel 2003 partecipa a <em>Futuro Italiano </em>al Parlamento Europeo, in occasione del Semestre Italiano di Presidenza del Consiglio dell\'Unione Europea; nel 2004 con <em>Il segreto delle cose</em> è ospite della Galleria Maniero, dove presenta alcuni dei suoi soggetti ricorrenti, come il tram di notte il tunnel dell\'aeroporto, paesaggi urbani, scorci ordinari, particolari trascurabili, come il dettaglio di una conduttura dell\'acqua. Alla Galleria Maniero ritorna nel 2007 con <em>In capo al mondo</em>, affascinando il pubblico con i suoi fari che assurgono a simboli icastici; nel 2008 Verrelli è tra gli artisti della XV Quadriennale d\'Arte di Roma. Dopo aver esposto in numerose collettive in tutta Italia, da Rimini a Campobasso, da Roma a Catania (tra cui<em> Less is more</em> e <em>Too many artists</em> presso LIBRA Arte Contemporanea di Catania, dove espone anche in una personale nel 2009) nel 2011 è presente alla VI Mostra Nazionale Premio Città di Termoli; dello stesso anno è la personale <em>Marco Verrelli - Fermo immagine</em> alla Galleria ArtSinergy di San Benedetto del Tronto (AP) che segue l\'altra personale <em>Enigmi </em>allestita presso Il Sole Arte Contemporanea di Roma.</p> <p>Iperrealista e metafisica è la pittura di Verrelli che, con una precisione quasi matematica, una visione rigorosa dello spazio e del colore (Marco di Capua ha parlato di "esercizi dell\'esattezza") e con una mano raffinata, dipinge una realtà silenziosa composta di paesaggi urbani misteriosi e di bioarchitetture post-umane sintetiche. </p> <p>Claudio Strinati ha scritto: "Il fascino piuttosto acuto che promana dall\'immaginario del Verrelli consiste nel fatto che proprio di un immaginario si tratta, condotto sul filo di una verosimiglianza incombente, demiurgicamente atteggiata, tanto da incutere timore e rispetto in chi osserva, quasi si trattasse di una superiore e severa istanza morale che guida la mente del pittore. [...] il realismo spogliato dal naturalismo attuato da Verrelli rende la sua opera equilibrata e ‘giusta\' nella costituzione di uno spazio pittorico privo di residui, organico, coerente."</p> <p>Lorenzo Canova ha scritto delle opere di Verrelli che "raccolgono frammenti metropolitani, scorci di paesaggio urbano e immagini di vita nella città, il suo pennello è attratto dai riflessi dei fari delle auto e dai neon dei distributori [...] In questi dipinti le fonti iconiche sono dichiarate esplicitamente e possono passare dai dipinti di Hopper alle suggestioni periferiche di una certa cinematografia più recente, dalla pittura iperrealista ai tagli figurativi della grafica digitale, un campo in cui Verrelli ha una vasta conoscenza e che lo ha portato a creare anche immagini pubblicitarie, prodotti multimediali e sigle per la televisione."</p> <p>Marco Verrelli vive e lavora a Roma.</p> '))
; <em>Mario Botta Seen by Pino Musi</em> (1997, premiato con l\'Europäischer Architekturfotografie-Preis); <em>Oxymoron </em>(1998, premiato alla Buchmesse di Francoforte). </p> <p>Nel 2003 con <em>Libro</em>, un viaggio fantastico nei meandri del testo scritto, Musi riceve il premio Oscar Goldoni nell\'ambito di "Modena per la Fotografia" per il migliore volume fotografico edito in Italia fra il 2002 e il 2003. </p> <p>Nel 2006 è uno degli artisti selezionati da Achille Bonito Oliva per il progetto delle Stazioni dell\'Arte di Napoli; inoltre la sequenza di sedici opere fotografiche 100 x150 cm sugli anni Venti e Trenta viene esposta all\'interno della nuova fermata Mostra d\'Oltremare della Metropolitana di Napoli. </p> <p>I progetti in corso sono da ricondurre ai grandi temi della contemporaneità; tra questi, i più significativi riguardano una rivisitazione dell\'architettura moderna e contemporanea per cui l\'artista utilizza la tecnica digitale in alta risoluzione. Oggetto d\'indagine per Musi sono anche: Andrea Palladio (l\'opera del grande architetto viene riveduta seguendo un filo conduttore più legato al suo privato e agli umori della Vicenza del Cinquecento che non alla rappresentazione canonica e celebrativa della sua architettura); il complesso rapporto natura-scienza nella Guyana francese, dove sono attivi i Programmi dell\'Ente Spaziale Europeo; lo spazio del Rhoden Crater, in Arizona, da anni luogo di sperimentazione sulla luce dell\'artista James Turrell.</p> <p>Come scrive Stefania Zuliani, "ossimoro è una delle parole, delle relazioni, più care a Pino Musi. [...] È lo spazio contraddittorio, lo spazio ambiguo della fotografia, della fotografia di Pino Musi, impura scrittura di luce [...] che conducendoci per un cammino d\'ombre ci aiuta a vedere".<br /> Nel settembre 2010, in occasione dei 140 anni di Roma capitale d\'Italia, l\'artista realizza per FMR-ART\'È, su progetto della Fondazione Marilena Ferrari, l\'opera d\'arte in forma di libro <em>Roma antiqua</em>, un unicum in cui l\'idea del classico e dello splendore passato insieme al fascino della Città Eterna rivivono attraverso gli occhi di un maestro contemporaneo. Ispirata all\'esperienza di Lafréry (stampatore, incisore e mercante francese che, intorno al 1573, ebbe l\'idea di stampare lo <em>Speculum Romanae Magnificentiae</em>) e alle <em>Vedute di Roma</em> del Piranesi, l\'opera <em>Roma antiqua</em> è composta da una serie di venticinque immagini fotografiche originali, che ritraggono il Colosseo, il Foro romano, archi trionfali e resti di colonne di templi, stampate una ad una dall\'autore stesso nel proprio studio di Milano con un procedimento esclusivo a getto d\'inchiostro, "Pigmented Fine-art Giclée", una tecnica di cui Musi è maestro assoluto.</p> <p>Nel 2011 per l\'opera <em>ITALIA. Bellezza Eterna</em> esegue in esclusiva per FMR-ART\'È un originale corpus di 137 immagini d\'autore. <em>ITALIA. Bellezza Eterna</em> è anche il titolo della mostra, promossa dalla Fondazione Marilena Ferrari, tenutasi nel marzo 2011 a Roma, nelle Sale del Palazzo Nuovo in Campidoglio, in cui vengono esposte le stampe fotografiche realizzate dall\'autore su carta in fibra di cotone "Hahnemühle", con inchiostri ai pigmenti puri di carbone in sei sfumature di nero.</p> <p>Fotografie originali di Pino Musi fanno parte di collezioni pubbliche e private italiane ed estere e le sue immagini sono pubblicate in numerose monografie.</p>'))
![Bodini Floriano](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/Bodini.jpg', 'Bodini Floriano', 'Floriano Bodini nasce a Gemonio, in provincia di Varese, nel 1933. Si trasferisce con la famiglia a Milano nel 1936. Concluso il Liceo Artistico, frequenta l\'Accademia di Brera, dove suo maestro è Francesco Messina. La prima mostra personale si tiene nel 1958, alla galleria Amici delle Arti di Gallarate con la presentazione di Giuseppe Guerreschi, figura fondamentale nella formazione di Bodini e punto di riferimento della Milano artistica del dopoguerra. Negli anni Cinquanta Guerreschi, con altri artisti allievi di Brera, dà origine al gruppo del "Realismo esistenziale", di cui farà parte anche lo stesso Bodini. Si susseguono molte esposizioni, in Italia e all\'estero, oltre a committenze civili e religiose di grande risalto, in cui il giovane scultore dimostra una vocazione espressionistica, ove la condizione storica e il dramma del singolo si uniscono in una dimensione di libertà e denuncia, come già si evidenzia in Lamento sull\'ucciso (1961). Nel 1964 esce la prima monografia dedicata a Bodini, a firma di Luciano Bianciardi e Duilio Morosini. Nel 1968 viene collocata presso i Musei Vaticani la scultura lignea Ritratto di un Papa (Paolo VI), la cui ieraticità della figura incarna i fermenti e le inquietudini di un\'epoca. Una successiva lettura di Papa Montini (1989) appare nel Duomo di Milano. Dal 1969 al 1971 espone nei più importanti musei tedeschi: tra gli altri, al Kunstverein di Amburgo, alla Nationalgalerie di Berlino, alla Kunsthalle di Recklinghausen e alla Galleria Civica di Oberhausen.<br /><br />Nel 1973 Mario De Micheli firma il volume Ritratto di un Papa, definendo Bodini "uno dei massimi scultori contemporanei", ed Enzo Fabiani pubblica Un diario spietato, catalogo generale dell\'opera grafica di Bodini.<br /><br />L\'interesse per l\'insegnamento lo conduce a un impegno e a una carriera senza sosta: dapprima al Liceo Artistico, poi all\'Accademia di Brera con la cattedra di Tecnologia del marmo, nel 1978 all\'Accademia di Carrara con la cattedra di Scultura, poi Direttore sino al 1987 della stessa Accademia, e infine nel 1991 Presidente. Lascia l\'insegnamento a Carrara per assumere la cattedra di Scultura al Politecnico di Architettura di Darmstadt, dal 1987 al 1998.<br /><br />A partire dal 1970, dopo il legno e il bronzo, Bodini ricerca nuove suggestioni plastiche nel marmo, un materiale che diventa sempre più frequente nel suo lavoro e nelle realizzazioni monumentali. Realizza così per la città di Brindisi il monumento a Virgilio, 1985; Paolo VI per il Duomo di Milano, 1989; il ritratto del Cardinal Ferrari per il Duomo di Parma, 1994; l\'Altare Maggiore del Duomo di Varese, 1991; il Complesso dell\'Altare Maggiore del Santuario della Santa Casa di Loreto, 1994; il Monumento ai caduti del lavoro per la città di Carrara, 1995; l\'Altare Maggiore, l\'Ambone e la Sede del Santuario dell\'Addolorata di Rho, 1995; l\'Altare di San Pietro nelle Grotte Vaticane, 1999; la statua di Santa Brigida di Svezia e Crocefisso per la Basilica di San Pietro in Vaticano, 1999; l\'Altare per la Chiesa di Rovello Porro, 2003.<br /><br />In bronzo realizza il Monumento a Paolo VI per il Sacro Monte di Varese, 1986; il monumento a I sette di Gottinga per la città di Hannover, 1998; il monumento A Stradivari per la città di Cremona, 1999; la Porta per il Laterano, 2000; oltre a numerose sculture conservate nei musei italiani e internazionali.<br /><br />Nel 2001 completa l\'Altare dell\'Eucarestia della nuova chiesa, progettata da Renzo Piano, dedicata a Padre Pio, a San Giovanni Rotondo.<br /><br />Nel 1962 è invitato alla XXXI Biennale Internazionale d\'Arte di Venezia, dove espone sette opere. Partecipa alla Biennale del 1982 e alla IX Quadriennale di Roma nel 1965 e nuovamente nel 1972, alla X edizione.<br /><br />Tra le innumerevoli rassegne dedicate al Realismo esistenziale presso musei e istituzioni prestigiose italiane ed estere, citiamo un\'antologica a Suzzara nel settembre 1998, con presentazione di Marco Rosci, e una mostra dedicata all\'incisione, a Chiari, nel dicembre 1998. Nel 2001 si tengono un\'antologica al Palazzo della Provincia di Torino e la mostra Bodini-Ferroni presso Montrasio Arte, a Milano. Il 2002 è l\'anno di altre due antologiche: alla Civica Galleria d\'Arte Moderna di Lissone e a Carrara, quest\'ultima a cura di Elena Pontiggia, che cura anche, insieme a Marisa Zattini, quella del 2003 alla Rocca Vescovile di Bertinoro; nello stesso anno a Castel Sant\'Angelo si tiene la mostra Bodini, Manzù, Messina e Perez e viene inaugurato il gruppo marmoreo dedicato a Paolo VI nell\'aula Nervi in Vaticano. Nel 1977 è insignito del Premio "Presidente della Repubblica" per la Scultura dall\'Accademia di San Luca. Nel 1979 gli viene conferito il Premio "Bolaffi", nel 1997 il Premio per la Scultura "Michelangelo Buonarroti"; nel 1998 la città di Suzzara, in occasione del II Premio "Dino Villani" gli dedica il premio alla carriera. L\'8 maggio 1999 viene inaugurato a Gemonio il Museo Civico Floriano Bodini.<br /><br />Nel 2005 realizza gli interventi artistici dell\'edizione FMR-ARTÈ Totus tuus, dedicata al magistero mariano di Giovanni Paolo II. Il 2 luglio dello stesso anno muore a Milano.<br />'))
 poi alla Fondazione Ca\' la Ghironda di Bologna; e ancora è presente alla Quadriennale di Roma del 2003-2005, dove introduce per la prima volta il concetto di "astratto geneticamente modificato", alla XIV Quadriennale di Londra, con la Broadbent Gallery, nel febbraio-marzo del 2004. Seguono l\'installazione a Battersea Park, Chelsea (Londra); la <em>project room</em> con Grossetti Arte contemporanea all\'edizione Miart 2006 e la personale alla Broadbent Gallery di Londra, dove si focalizza il concetto di ibridazione dei media; l\'esperimento di contaminazione tra storia e contemporaneo <em>Genius Loci</em>, a cura di Silvia Pegoraro, realizzato a Viterbo con la grande installazione in Piazza dei Papi, la performance video-sonora, dal titolo <em>Concerto dei semafori geneticamente modificati</em>, allo Spazio Oberdan di Milano; la personale a Roma nel 2007 alla Galleria Pino Casagrande, esponente di rilievo per l\'arte concettuale; la personale <em>Urban trash</em> alla galleria Armory Contemporanea di Perugia nel 2007; lo stesso anno una mostra alla Galleria Grossetti Arte Contemporanea di Milano e un esperimento allo storico Teatro Vascello di Roma, vetrina delle avanguardie dagli anni Settanta; le fiere a Berlino e Miami nel 2008-2009; l\'installazione multipla <em>Colorenoncolore</em> all\'inaugurazione della Fondazione Wunderkammern a Roma a fine 2008; la imponente video-installazione al Festival dei Due Mondi di Spoleto nel 2009. </p> <p>Poi è la volta del progetto nato dall\'esperienza berlinese con il video <em>Bak2Berlin</em> proiettato alla Fortezza da Basso di Firenze e oggetto nei suoi sviluppi di un\'installazione e una mostra per Arte Fiera Bologna 2010 e quindi alla galleria Armory di Perugia dal titolo <em>Bak2Bike</em>. Dal progetto nasce la "pista ciclabile rimovibile" in mostra al Museo Carandente, Palazzo Collicola Arti Visive, a Spoleto fino al gennaio 2011, e una sala nello stesso museo dedicata alle "riflessioni sulla forma sempre derivanti dal progetto sulla bicicletta berlinese". Percorso che apre alla tematica degli spazi; infatti nel settembre 2010 Gabriel viene premiato alla Facoltà di Architettura della Sapienza di Roma per il suo progetto <em>Silkocoons</em>, rivisitazione libera della "Silk Road Map" con mostra all\'Expo mondiale di Shangai 2010. Inoltre una conferenza-evento presso la Collezione Paolo VI Arte Contemporanea sulla rivisitazione da parte di Gabriel di uno spazio sacro. </p> <p>Per il 2012 è prevista la pubblicazione con FMR-ART\'È di un\'opera in forma di libro, oltre ad una serie di eventi e mostre che partono dal progetto <em>Bak2Berlin</em>. </p> <p>Collabora con l\'Accademia di Brera, con il Dipartimento di Storia dell\'arte dell\'Università di Bergamo e il Dipartimento di arte sacra contemporanea dell\'Università di Milano, con la Facoltà Teologica dell\'Italia Centrale diFirenze e con la Marymount International School di Rome.</p> <p>Sue opere appartengono a collezioni di enti e istituzioni pubbliche e private di tutto il mondo, da Londra a Miami, da Berlino a Milano, da Cologna a Monza e Bologna.</p> <p>Raul Gabriel vive e lavora tra Londra, Milano e Roma.</p> '))
. <p>Nei suoi viaggi di studio, attraversa Austria, Germania Occidentale, Olanda, Belgio, Francia, Svizzera, Italia, Svezia, Polonia e l\'allora Unione Sovietica. </p> <p>Frequenti visite in Macedonia alimentano il suo interesse per l\'arte bizantina ed orientale. Tra il 1959 e il 1961 affronta così lo studio dell\'arte e della filosofia buddiste all\'Università di Rangoon (l\'attuale Yangon, nel Myanmar) con il professor Gordon Hannington Luce; in quel periodo conoscerà l\'India, il Pakistan, l\'Indonesia, la Tailandia e la Cambogia.</p> <p>Nel 1964 viaggia attraverso il Sud America, venendo in contatto con l\'iconografia delle civiltà precolombiane; nel 1965 lavora come docente in visita alla Western Michigan University, facendo la spola tra Stati Uniti e Messico. Negli anni Settanta tiene i corsi di pittura all\'International Summer Academy di Salisburgo.</p> <p>Di lui hanno scritto: Pierre Restany, Alain Bosquet, Ronald Alley, Walter Koschatzky, Zoran Krzisnik, Emile Meier, Patrick Jules Persin.</p> <p>Sue opere fanno parte di collezioni di musei internazionali, tra i quali citiamo:Tate Gallery, Londra; Vincent Van Gogh Museum, Amsterdam; Musée de la Ville de Paris; Kunsthalle, Nurnberg; The Central House of Artist, Mosca; Walker Hill Art Center, Seoul; Museum of Modern Art, Nuova Delhi; The Harbison Foundation and The Kissick Museum, Colombia; Moderna Galerija, Ljubljana; Narodni Muzej, Belgrado, Gurlitt Museum, Noe Galerie des Stadt Linz.</p> <p>Nell\'estate 2009 è presente alla 60a edizione del Premio Michetti di Francavilla al Mare (Chieti).</p> Oggi, oltre che di pittura, si interessa di grafica (numerosi i libri d\'artista e le illustrazioni), di arti musive e di arazzi.'))
![Sughi Alberto](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/Sughi.jpg', 'Sughi Alberto', '<p>Nato a Cesena il 5 ottobre 1928, vive e lavora a Roma. Considerato uno degli artisti più rappresentativi della generazione che esordisce agli inizi degli anni Cinquanta, Sughi è protagonista indiscusso di un\'area pittorica figurativa per la quale si è più volte parlato di "realismo esistenziale". </p> <p>Il suo lavoro attrae presto l\'attenzione della critica d\'arte, dando luogo a significative convergenze tra studiosi e saggisti, anche di diverso orientamento; viene presentato in tutte le più importanti rassegne d\'arte contemporanea, dalla Biennale di Venezia alla Quadriennale di Roma, oltre che in molte mostre all\'estero che propongono la vicenda dell\'arte italiana dagli anni Sessanta fino ad oggi. </p> <p>Le sue prime prove importanti risalgono già agli anni 1943-44 in cui sono evidenti i riferimenti a Rosai, a Fattori e soprattutto a Lorenzo Viani. Dopo un soggiorno di un anno a Torino nel 1946, vive dal 1948 al 1951 a Roma. Nel 1954 espone alla Galleria del Pincio di Roma con Corrado Cagli e Marcello Muccini e due anni dopo tiene nella stessa galleria la sua prima personale, seguita l\'anno successivo da un\'esposizione che precisa la sua personalità e il suo mondo poetico, evidenziando l\'interesse per la cronaca sociale e per quella malinconia esistenziale frutto della vita nella metropoli. I soggetti di quei quadri sono gli stessi che si rivedranno nelle mostre nel 1958, prima alla Galleria Bergamini di Milano e poi ancora a Roma, alla Galleria Odyssia: interni di cinema, di bar, anticamere, giocatori di flipper...<br /> Agli inizi degli anni Sessanta Sughi si muove spesso tra Roma, Milano e Torino per partecipare ad incontri con gli artisti impegnati a indagare la realtà contemporanea.</p> <p>La sua ricerca procede in modo quasi costante per cicli tematici che hanno il sapore della sequenza cinematografica: del 1971-73 sono le cosiddette "pitture verdi", dedicate al rapporto tra uomo e natura; del 1975-1976 è il ciclo <em>La Cena</em>, presentato alla Galleria d\'Arte Moderna di Bologna e alla Galleria 11 Maneggio di Mosca; agli inizi degli anni Ottanta appartengono i venti dipinti e i quindici studi di <em>Immaginazione e memoria della famiglia</em>; del 1985 è la serie denominata <em>La Sera</em><em> o della riflessione</em> che rappresenta una meditazione dell\'artista sul proprio ruolo e sul valore dell\'esistenza nel contesto del mondo contemporaneo. </p> <p>Nel 1987 s\'inaugura a Villa d\'Este, a Tivoli, l\'antologica <em>L\'ombra della siepe</em>,<em> </em>in cui viene esposta per la prima volta il dipinto <em>La sera del pittore</em>, considerato tra i più significativi della pittura italiana di questi anni.</p> <p>L\'ultimo ciclo degli anni Novanta prende il titolo significativo di <em>Andare dove?</em>, il cui dipinto chiave sembra essere <em>Addio alla casa rossa</em>. Il tema della solitudine è più che mai cruciale, ma in termini nuovi rispetto agli anni Cinquanta: una solitudine non più sociologica, ma individuale e psicologica, come scrive Enrico Crispolti nel 1993. </p> <p>All\'artista cesenate vengono dedicate numerose rassegne antologiche, tra le quali citiamo le più memorabili al Palazzo Reale di Caserta (1984), a Castel Sant\'Angelo a Roma (1986), al Museo delle Arti di Budapest e alla Galleria Nazionale di Praga, entrambe nel 1987, al Palazzo dei Diamanti di Ferrara (1988) e, in tempi più recenti, al Museo d\'Arte Assis Chateaubriand di San Paolo del Brasile e al Museo Historico Nacional di Rio de Janeiro, entrambe nel 1994. Nel 1992 prende parte alla XII Quadriennale <em>Profili</em>, presso il Palazzo delle Esposizioni di Roma. Nel \'94, presentato da Flavio Caroli, espone all\'Appiani Arte 32 di Milano. Ispirandosi alla lezione di Bacon, parla di lui come di un riferimento per misurare il peso dell\'uomo nella società attuale, attraverso il suo essere e la sua angoscia, il suo grido di isolamento e di dolore. Nell\'aprile 1996 viene presentato alla galleria Goethe di Bolzano un nuovo ciclo, <em>Indizi e frammenti</em>, con cui Sughi si "riconnette ai luoghi della urbana solitudine" (Antonio Del Guercio).</p> <p>Da qui nasce una ricerca che si fa piena di tensione emotiva e sentimentale e di ragioni etiche, che riempirà le figure di Sughi oltrepassando la loro fisicità.</p> <p>Interprete raffinato, influenza con le proprie visioni importanti registi: da Ettore Scola, che sceglie come manifesto del suo film <em>La terrazza</em> uno dei dipinti del ciclo <em>La cena</em>, a Mario Monicelli, che si ispira alle atmosfere e ai colori di Sughi per <em>Un borghese piccolo piccolo</em>.</p> <p>Nel febbraio del 1993 è nominato dall\'allora Presidente del Consiglio (Carlo Azeglio Ciampi) presidente della Quadriennale di Roma, carica a cui rinuncerà un anno dopo. Nel corso del 2000 Sughi espone presso la Galleria Marescalchi di Bologna e, nello stesso anno, si tiene al Palazzo Ducale di Urbino e al Museo dello Splendore di Giulianova la mostra <em>Alberto Sughi nella Collezione Zavoli</em>. Sempre nel 2000 dipinge tre grandi tele: <em>Le ragazze e il pianista</em>, <em>Periferia</em> e <em>Rimme</em>l. </p> <p>Per <em>I Promessi Sposi</em> di FMR-ARTÈ realizza nel 2001 le tavole che illustrano il volume e la serigrafia originale di copertina,<em> Paesaggio immaginario; </em>al 2004, invece, risale l\'opera<em> La Divina Commedia, </em>edita sempre da<em> </em>FMR-ARTÈ, per cui Sughi è autore delle dieci tavole a colori fuori testo e delle sei illustrazioni, nonché dell\'opera di copertina, una scultura originale a bassorilievo dal titolo<em> Ritratto di Dante Alighieri</em>.</p> <p>Tra fine 2005 e inizio 2006 una grande antologica si tiene al Palazzo della Pilotta di Parma. La rassegna presenta 642 opere, fra dipinti, tempere, disegni e litografie realizzati dal 1959 al 2004 e di proprietà delle collezioni del CSAC dell\'Università di Parma. Tra aprile e maggio del 2006 la Galleria d\'Arte Moderna di Arezzo presenta <em>Il Segno e l\'Immagine</em>, cinquanta opere su carta dipinte tra il 2005 e il 2006. Nel marzo 2007 la città di Cesena rende omaggio a Sughi, ospitando nei nuovi spazi espositivi della Biblioteca Malatestiana una mostra antologica curata da Vittorio Sgarbi, autore anche del saggio iniziale del catalogo, <em>Le Solitudini di Sughi</em>. A luglio dello stesso anno a Roma si apre, sotto l\'Alto Patronato del Presidente della Repubblica Italiana, la mostra antologica <em>Alberto Sughi</em>, curata da Arturo Carlo Quintavalle e ospitata al Complesso del Vittoriano: attraverso circa ottanta dipinti e una sessantina di disegni, realizzati dal 1946 ad oggi, si vuole ripercorrere il cammino artistico e umano di uno dei protagonisti della pittura italiana ed europea dell\'ultimo mezzo secolo. </p> '))
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 e ottiene il secondo premio al Premio Morlotti-Imbersago. Nel 2000 partecipa nuovamente al Premio Morlotti-Imbersago ed è finalista al Premio Donato Frisia (Merate). Due sono le personali nel 2001: alla Galleria Spazio Arte di Napoli e al Palazzo Comunale di Imbersago. È inoltre presente alla mostra <em>Match</em> alla Galleria Russo di Roma. Una nuova personale, alla galleria Brambati di Vaprio d\'Adda, apre l\'anno 2002. Ad essa fanno seguito, nello stesso anno, le partecipazioni alla rassegna <em>Noi</em>, promossa a Napoli dall\'Associazione Sole Urbano e dall\'Institut Français e al Premio Morlotti-Imbersago, in cui ottiene il primo premio. Partecipa inoltre alla LIII edizione del Premio Michetti di Francavilla al Mare (Chieti). Dopo aver esposto nel 2003 in <em>Korea - Italy</em> all\'Arts Center di Daegu (Sud Corea), l\'anno successivo è presente alla II edizione della stessa manifestazione, al Premio Ferruccio Terrazzi (Sabaudia), al Premio Termoli, al Premio Città di Busto Arsizio e al Premio Lissone, dove ottiene come riconoscimento il "premio di stima". Nel 2004 partecipa alla rassegna dei vincitori del Premio Morlotti-Imbersago, e alla mostra collettiva<em> </em>promossa dal FMR-ART\'È<em> Il sentimento dell\'arte</em>, curata da Flaminio Gualdoni, che si tiene a Bologna, a Palazzo Isolani. Nel 2005 è presente al Premio Razzano al Museo del Sannio di Benevento, poi tiene la sua personale alla Galleria Ta Matete di Roma (<em>Alessandro Papari. Philip Dick a Bagnoli</em>; nel 2006 è presente alla mostra <em>Roma classica</em>, alla Biblioteca Nazionale di Roma e alla rassegna <em>Armonie Figurative</em> a Palazzo Marigliano di Napoli; nel 2007 partecipa alla rassegna <em>Visions from Italy</em>, Gallery 27 Cork Street, Mayfair - London; nel 2009 Giorgio Seveso cura una sua personale alla Galleria Spazio Arte di Milano; nello stesso anno partecipa insieme ad altri tre artisti alla rassegna <em>Opening</em> presso la galleria In Form of Art di Napoli, che con questa mostra inaugura il proprio spazio espositivo; nel 2010 partecipa con la galleria Changing Role di Napoli alla fiera<em> The road contemporary art</em>; sempre nel 2010 alla galleria Spazio Arte di Milano si tiene, nell\'ambito di <em>Visioni</em>, una doppia personale di Giovanni Cerri e Alessandro Papari. Infine alla galleria Changing Role, si tiene una sua personale dal titolo <em>Blessed.</em></p> <p>Come scrive Giorgio Seveso:<em> </em>"È una figurazione la sua in cui gli enigmi della solitudine urbana e dell\'inquieto mistero dei luoghi del nostro quotidiano si distendono in immagini acutissime, umorali e disincantate, di contemplazione attonita ma, anche, in fondo, in qualche modo sognanti, ancora capaci di sorprendersi e dunque di sorprendere: senza l\'immobilità agghiacciata della rassegnazione o dell\'alienazione compiuta, e invece inquietate dalla incongruità di minimi incontri surreali, dalla spigolosa poesia di lievi ma saporiti dirottamenti del senso".</p> <p>Alessandro Papari vive e lavora a Napoli.</p> '))
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![Pomodoro Arnaldo](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/pomodoro.jpg', 'Pomodoro Arnaldo', 'Nasce a Morciano di Romagna, nel Montefeltro, nel 1926 e si trasferisce a Milano nel 1954. Qui comincia a frequentare intellettuali come Alfonso Gatto, Leonardo Sinisgalli, Ettore Sottsass, Fernanda Pivano, e artisti come Fontana, Munari, Mulas, Baj. Realizza i primi gioielli, che esporrà in alcune edizioni della Triennale milanese e i rilievi in cui emerge una "scrittura" inedita nella scultura. <br /> Nei primi anni Sessanta affronta la tridimensionalità e sviluppa la ricerca sulle forme della geometria solida. Nel 1966 gli viene commissionata una sfera di tre metri e mezzo di diametro per l\'Expo di Montreal, ora a Roma di fronte alla Farnesina: è il passaggio alla scultura monumentale ed è la prima delle numerose opere dell\'artista che trovano collocazione in spazi pubblici di grande suggestione e d\'importanza simbolica: nelle piazze di molte città (Milano, Copenaghen, Brisbane, Los Angeles, Darmstadt), nel parco della Pepsi-Cola a Purchase, New York, di fronte al Trinity College dell\'Università di Dublino, al Mills College in California, nel Cortile della Pigna dei Musei Vaticani, di fronte alle Nazioni Unite a New York, nella sede parigina dell\'UNESCO. <p>Nel 2000 realizza la nuova Sala d\'armi del Museo Poldi Pezzoli di Milano, nel 2002 una grande <em>Corona radiante</em> (con crocifisso di Giuseppe Maraniello) nella Cattedrale di St. John the Evangelist a Milwaukee, e nel 2003 la Croce e l\'Altare per la Nuova Aula Liturgica di Padre Pio a San Giovanni Rotondo, progettata da Renzo Piano. Nel 2004 viene collocata a Roma, in piazzale Nervi, la scultura <em>Novecento</em>, commissionata all\'artista in occasione del Giubileo.</p> <p>Memorabili mostre antologiche lo consacrano artista tra i più significativi del panorama contemporaneo, dalla Rotonda della Besana di Milano nel 1974, al Musée d\'Art Moderne de la Ville di Parigi nel 1976, dal Forte di Belvedere di Firenze nel 1984, al Palazzo dei Diamanti di Ferrara nel 1987, dall\'Hakone Open-Air Museum in Giappone nel 1994, alla Rocca Malatestiana di Cesena e al Museo della Città di Rimini nel 1995, e ancora alla Llonja e a Casal Balaguer a Palma de Mallorca nel 1999, al Parco della Reggia di Caserta nel 2000, fino a quelle di Parigi nei Giardini del Palais-Royal nel 2002 e nel centro cittadino di Lugano nel 2004. Mostre itineranti si tengono in Europa, Stati Uniti, Australia e Giappone. </p> <p>Insegna nei dipartimenti d\'arte delle università americane: Stanford University, University of California a Berkeley, Mills College.</p> <p>Si dedica anche alla scenografia, realizzando "macchine spettacolari" in numerosi lavori teatrali, dalla tragedia greca al melodramma, dal teatro contemporaneo alla musica: a partire dalla messinscena con Ronconi sul lago di Zurigo di un testo di Kleist nel \'72, poi per la <em>Semiramide</em><em> </em>di Rossini all\'Opera di Roma nel 1982, sui "ruderi" di Gibellina dal 1983 al 1985 per l\'<em>Orestea </em>di Isgrò (da Eschilo), nel 1986 per la <em>Didone</em><em> </em>di Marlowe, per l\'<em>Alceste</em> di Gluck all\'Opera di Genova nel 1987, per l\'<em>Oedipus rex </em>di Stravinsky a Siena nel 1988, nell\'estate 1989 per <em>La passione di Cleopatra</em> del poeta egiziano Shawqi, nel 1990 per <em>I paraventi</em> di Genet, nel 1992 per <em>Nella solitudine dei campi di cotone</em> di Koltès, nel 1993 per <em>Più grandiose dimore</em> di O\'Neill e per l\'<em>Oreste</em> di Vittorio Alfieri, nel 1994-1995 per <em>Stabat Mater</em>, <em>La Passione</em><em> secondo Giovanni</em> e <em>Vespro della Beata Vergine</em> di Antonio Tarantino e per <em>Moonlight</em> di Pinter. Nel 1996 realizza le scene per <em>Drammi Marini</em> di Eugene O\'Neill e per l\'<em>Antigone</em> di Jean Anouilh e nel 1998 crea le scene e i costumi per <em>La tempesta</em> di Shakespeare. Realizza un impianto visivo per il concerto in omaggio a Stravinsky (Teatro Olimpico di Roma, 2001), le scenografie per <em>Capriccio </em>di Strauss (Teatro San Carlo di Napoli, 2002), fino a <em>Un ballo in maschera</em> di Verdi (Teatro dell\'Opera di Lipsia, 2005) con la regia di Ermanno Olmi e la direzione di Riccardo Chailly.</p> <p>Riceve numerosi e importanti premi: a San Paolo nel 1963, a Venezia nel 1964, uno dei sei premi internazionali del Carnegie Institute nel 1967, con Albers, Bacon, Miró, Paolozzi e Vasarely, il Gran Premio Henry Moore in Giappone nel 1981, dalla Japan Art Association il Praemium Imperiale 1990 per la scultura (accanto a Bernstein per la musica, Fellini per il cinema e il teatro, Stirling per l\'architettura e Tàpies per la pittura). Nel 1992 il Trinity College dell\'Università di Dublino gli conferisce la Laurea honoris causa in Lettere e nel 2001 l\'Università di Ancona quella in Ingegneria edile-architettura. Nel 1993 gli viene attribuito il titolo di Socio Onorario dell\'Accademia di Brera. Nel 1994 riceve il premio della Presidenza del Consiglio dei Ministri nell\'ambito delle giornate di studio <em>Big Millennium</em> organizzate dal Centro Pio Manzù. Cavaliere di Gran Croce dell\'Ordine "Al merito della Repubblica Italiana" nel 1996, riceve nel 2005 la Medaglia d\'oro del Ministero per i Beni e le Attività Culturali.</p> <p>Nel 1995 nasce su sua iniziativa la Fondazione Arnaldo Pomodoro, un centro di documentazione e studio non solo sull\'opera dell\'artista ma, più in generale, sulla scultura contemporanea. Tra il 1999 e il 2004 la Fondazione ha sede a Rozzano, alle porte di Milano, in un ambiente di archeologia industriale ristrutturato su progetto di Pierluigi Cerri; nel settembre 2005 s\'inaugura la nuova sede nella parte più antica delle ex officine Riva & Calzoni.</p> <p>Sempre nel 2005 per FMR-ART\'E\' realizza l\'opera di copertina de <em>Il Sogno di FMR</em>:<em> </em>un bassorilievo originale quale sigillo del volume a tiratura limitata.</p> <p>Nel giugno del 2006 s\'inaugura una grande antologica per celebrare i cinquant\'anni di scultura dell\'artista: a Palazzo Magnani di Reggio Emilia e a Palazzo dei Principi di Correggio.</p> <p>Arnaldo Pomodoro vive e lavora a Milano.</p>'))
, si diploma all\'Accademia Albertina di Belle Arti di Torino e si laurea in Lettere Moderne. <p>I suoi esordi nel panorama artistico italiano risalgono agli anni Sessanta, alla <em>Pop Art</em>, ai futuri concettuali e poveristi (Giulio Paolini, Gilberto Zorio, Giovanni Anselmo e Aldo Mondino). </p> <p>Nel decennio successivo, anche grazie allo stimolo e all\'esempio che offerto da Andy Warhol e dagli esponenti dell\'avanguardia americana, Nespolo si appropria di un secondo mezzo espressivo: il cinema, in particolare quello sperimentale, d\'artista. Gli attori sono artisti amici, da Lucio Fontana a Enrico Baj, a Michelangelo Pistoletto. Ai suoi film dedicano ampie rassegne istituzioni culturali come il Centre Georges Pompidou di Parigi, il Philadelphia Museum of Modern Art, la Filmoteka Polska di Varsavia, la Galleria Civica d\'Arte Moderna di Ferrara, il Museo Nazionale del Cinema di Torino.</p> <p>Dagli anni Sessanta ad oggi, Nespolo realizza numerosi film che costituiscono uno dei capitoli più significativi della storia del cinema d\'artista italiano e internazionale. </p> <p>Questi anni rappresentano per Nespolo un passaggio fondamentale: vince il premio Bolaffi (1974), realizza <em>il Museo</em> (1975-\'76), quadro di dieci metri di lunghezza che segna l\'inizio di una vena mai esaurita di rilettura-scomposizione-reinvenzione dell\'arte altrui. L\'opera viene esposta per la prima volta nel 1976 al Museo Progressivo d\'Arte Contemporanea di Livorno.</p> <p>Gli anni Ottanta costituiscono il cuore del suo "periodo americano". Nel 1990 realizza una campagna pubblicitaria per la <em>Campari</em><em> </em>e le scenografie e i costumi del <em>Don Chisciotte </em>di Paisiello per il Teatro dell\'Opera di Roma. </p> <p>A partire dalla seconda metà degli anni Novanta, la sua attività diventa incessante e lo porta in tutto il mondo con mostre itineranti in prestigiosi musei, gallerie e sedi pubbliche: dall\'Europa all\'America Latina e agli Stati Uniti. Poi mostre personali in Lituania, Lettonia, Cina e Russia. In occasione di una mostra a Mosca, Nespolo è insignito della Medaglia dell\'Accademia delle Belle Arti, un riconoscimento che, tra gli italiani, vede come precedentes oltanto Renato Guttuso. </p> <p>Nel 1996 la Regione Piemonte organizza una sua personale alla Promotrice delle Belle Arti di Torino. Nello stesso anno Nespolo assume la direzione artistica della <em>Richard-Ginori</em>. Nel 1998 inizia a collaborare con la storica vetreria <em>Barovier & Toso</em> di Murano, per la quale crea una serie di opere da esporre al Palazzo Ducale di Venezia. Nel 2000 il Comune di Napoli organizza una sua antologica al Palazzo Reale. Nel 2001 torna al cinema con <em>FILM/A/TO</em>, prodotto dall\'Associazione Museo Nazionale del Cinema di Torino in occasione della retrospettiva <em>Turin, berceau du cinéma italien</em> al Centre Pompidou di Parigi. Nel 2001 tiene una personale a Fukui, nell\'ambito delle manifestazioni Italia in Giappone 2001. Nel 2002 Nespolo accetta l\'incarico di consulente e coordinatore artistico per il progetto d\'integrazione delle opere d\'arte contemporanea nelle stazioni della costruenda Metropolitana di Torino. Nel dicembre 2002 l\'Alitalia inaugura la sua nuova sede di New York con una personale di Nespolo. Nel maggio 2003 l\'artista tiene una personale all\'Istituto Italiano di Cultura di Parigi. Ad agosto dello stesso anno, durante il Festival del Cinema di Locarno, allestisce due personali: una presso la sede del Festival e l\'altra nella Galleria d\'Arte Moderna.</p> <p>Per FMR-ART\'È realizza gli interventi artistici delle opere <em>L\'Apocalisse</em> (2000), <em>Mille e una notte</em> (2005) e <em>Cantico dei Cantici</em> (2007).</p> <p>Nel 2009 presso il Museo del Territorio Biellese viene allestita la mostra antologica <em>Nespolo, ritorno a casa</em>, un riconoscimento prestigioso e un tributo della sua terra natia.</p> <p>A dicembre 2010 è la volta di <em>Nespolo. Ipotesi Antologica</em>, una mostra che espone circa quaranta opere storiche dell\'artista nelle splendide sale del Museo della Città-Palazzo Trinci</p> <p>La sua intensa e poliedrica attività vede concentrarsi, solo nell\'ultimo anno, vari appuntamenti, tra cui: <em>Nespocracy</em>, mostra personale allestita all\'ex Chiesa Anglicana di Alassio; al Museo Cantonale di Lugano, nell\'ambito di <em>Una storia dell\'arte italiana</em>, è presente il suo film del 1968 <em>Boettinbianchenero</em>; nel maggio 2011 s\'inaugura a Cuba, al Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana la mostra <em>Nespolo: la bella intolerancia</em>; nel giugno 2011 al MAXXI di Roma viene presentato il volume <em>Nespolo Films & Visions 1967-2010.</em></p> <p>Ugo Nespolo vive e lavora a Torino.</p>'))
 nasce nel 1911 a Santiago del Cile. Dopo gli studi e la laurea in Architettura alla Università Cattolica del Cile, nel 1934 si trasferisce a Parigi, dove si dedica alla pittura. Lavora con Le Corbusier, e a Madrid entra in contatto con intellettuali spagnoli, fra cui i poeti Rafael Alberti e Federico Garcia Lorca. Nel 1936 si trasferisce a Londra, dove lavora con Walter Gropius e Moholy-Nagy, assimilando le idee artistiche e intellettuali inglesi; ha inoltre modo di conoscere Henry Moore, Roland Penrose e René Magritte. A Parigi, nel 1937 conosce André Breton e Salvador Dalì e dal 1938 aderisce al Surrealismo, elaborando una pittura incentrata sulla dimensione onirica e inconscia.</p> <p>Nel 1944 Breton lo definisce "colui che maggiormente tien fede alla propria stella, che è forse sulla strada migliore per arrivare al segreto supremo: il controllo del fuoco".</p> <p>Comincia allora a partecipare ad importanti eventi, come l\'Esposizione Internazionale del Surrealismo alla Galleria di Belle Arti di Parigi. Realizza i suoi primi oli surrealisti, che prima chiamerà <em>Morfologie Psicologiche</em> e poi <em>Inscape</em>. Conosce Marcel Duchamp e nel 1939 a Parigi vive con Pablo Neruda.</p> <p>Allo scoppio della Seconda Guerra mondiale fugge, su invito di Duchamp, a New York insieme a Yves Tanguy. Nell\'ambiente neworkese, Matta s\'inserisce facilmente nel mondo artistico e culturale della città, cosmopolita e aperta, frequentando gli artisti più importanti del tempo; in particolare ha contatto con gli altri surrealisti, con i dadaisti ed esercita una forte influenza su molti giovani artisti, tra i quali Pollock, Rothko e Gorky.</p> <p>A New York nel 1940 realizza la sua prima esposizione individuale alla Julien Levy Gallery e due anni dopo alla Galleria Pierre Matisse, collaborando nel frattempo a diverse pubblicazioni del gruppo surrealista e sperimentando le possibilità dell\'Espressionismo Astratto, che si affermerà negli anni seguenti, influenzandone la nascita e venendone a sua volta influenzato. </p> <p>I suoi quadri, dalla metà degli anni Quaranta alla metà degli anni Cinquanta, sono creati rispettando la cibernetica personale dell\'artista: organismi misteriosi si radunano intorno a piani rettangolari e trasparenti di macchine arcane; successivamente elaborerà immagini sempre più mostruose, nelle quali incombe la presenza di forme meccaniche.</p> <p>Nel 1948, dopo quattordici anni lontano dalla sua patria, ritorna in Cile, dove tiene una esposizione personale alla Galleria Dédalo di Santiago. Intanto a Parigi i surrealisti rimasti alla corte di Breton lo accusano di aver provocato il suicidio di Gorky per aver avuto una relazione con sua moglie e lo espellono dal movimento (dove sarà riammesso nel 1959, quando, in realtà, il Surrealismo avrà perso la sua carica propulsiva).</p> <p>Trasferitosi a Roma nel 1949, diventa un importante punto di raccordo tra l\'Espressionismo Astratto e il nascente Astrattismo italiano. Lasciata Roma nel 1954, si trasferisce a Parigi, mantenendo uno stretto legame con l\'Italia. Dagli anni Sessanta elegge Tarquinia come sua residenza parallela stabilendosi in un ex convento dei frati Passionisti (dove è tuttora tumulato).</p> <p>Nel 1957 si tiene la retrospettiva al Museum of Modern Art di New York.</p> <p>Alla fine degli anni Cinquanta Matta è già un artista universale, con opere esposte in importanti musei di Londra, New York, Venezia, Chicago, Roma, Washington, Parigi e Tokyo. </p> <p>Nel 1971 viene invitato in Cile per eseguire un murale all\'Università Tecnica della Provincia di Santiago, partecipando ad attività collettive dei pittori muralisti "Brigata Ramona Parra", che dipingevano sui muri i motivi del programma economico e sociale di Allende, che Matta sostiene apertamente fin dagli anni Sessanta. Sempre nel 1971 la rivista francese "Connaissance des Arts", lo colloca fra i dieci migliori pittori contemporanei del mondo. In seguito al golpe di Augusto Pinochet (1973), l\'artista viene dichiarato "persona non grata" e inserito in una lista nera; decide allora di diventare cittadino francese. </p> <p>Tra le sue mostre più importanti, va ricordata, oltre alla retrospettiva al MoMa del 1957, quella al Centro Georges Pompidou di Parigi nel 1985.</p> <p>Nel 1990 è nuovamente a Parigi, ma trascorre anche dei periodi in Italia, a Tarquinia, dove apre un suo studio, una scuola di ceramica e una sala di esposizioni.</p> <p>Pittore, scultore, architetto e poeta, grande esponente del surrealismo internazionale, nonché uno degli artisti più rappresentativi del Novecento Sebastian Matta, alcuni giorni prima di morire, inaugura personalmente a Roma una mostra, <em>Sin titulo</em>, composta da una cinquantina di tele e dieci sculture.</p> <p>Muore a 91 anni il 23 novembre 2002, nell\'ospedale San Paolo di Civitavecchia.</p> <p>Così Emilio Tadini ha scritto di lui: "...uno dei più validi rappresentanti dell\'attuale pittura impegnata - al di là di ogni astrazione - in una figurazione della realtà tanto ampia e sensibile da interpretarne anche la complessità più intima." (in "Successo", febbraio 1963).</p> <p>In occasione del centenario dalla sua nascita, l\'Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) nel 2011 celebra la figura del grande artista cileno con un\'importante retrospettiva.</p> '))
, luogo a cui resta fortemente legato. Dopo aver frequentato l\'Accademia di Belle Arti di Siviglia e l\'Accademia di Belle Arti di San Fernando di Madrid, conclude i suoi studi vincendo il Premio Nazionale riservato agli studenti dell\'ultimo anno.</p> <p>Diventa professore all\'Accademia e vince numerosi premi che gli permettono di recarsi prima a Parigi e poi negli Stati Uniti, dove rimane alcuni anni entrando in contatto con i più grandi artisti del tempo e completando la sua formazione. Proprio negli Stati Uniti, ispirato dal nuovo realismo americano, dalle opere di Edward Hopper e dalla pop art, Toral riconquista la via della figurazione e di un "realismo magico" nel quale i temi del viaggio, del sogno, della natura e dello spazio saranno resi attraverso immagini di straordinaria qualità figurativa, ma nell\'ambito di atmosfere surreali, incantate, al limite della visionarietà. Come lui stesso dichiara: "Per me la realtà è sempre stata molto complessa e diversa e mai ha significato solo ciò che vediamo esternamente; esiste anche la realtà dell\'interiorità, dello spirito, dell\'immaginazione". Così, nella sua autobiografia, Toral definisce e afferma quella "realtà dell\'immaginazione" che dobbiamo considerare la chiave di lettura di tutte le opere dell\'artista spagnolo. E proprio attraverso il suo sguardo poetico e incantato Toral sembra trovare il modo ideale per esprimere questa duplicità della vita e del mondo in opere che assumono l\'atmosfera magica e surreale del sogno. Concentrandosi sullo spazio del quotidiano, egli produce uno spazio "irreale", metafisico, con connotazioni filosofiche e cosmiche. Utilizzando la lezione dei classici, la sua pittura ha un carattere originale che introduce nuovi canoni nella prospettiva, nella ricchezza cromatica e nella densità della materia, tutti elementi che danno alle sue opere una grande forza poetica.</p> <p>Considerato uno dei più importanti artisti figurativi spagnoli ed europei, Toral tiene mostre personali e collettive in tutto il mondo: Madrid, Barcellona, New York, Los Angeles, Parigi, Amburgo, Bruxelles, Birmingham, Firenze, Vienna, Stoccolma, Oslo, Helsinki, Varsavia, Tokyo... </p> <p>Dal 1997 al 2000 una sua grande antologica viene ospitata dai principali musei dell\'America Latina: Caracas, Bogotà, Città del Messico, La Paz, Lima, Santiago del Cile, Cordoba e Buenos Aires. Nel 2003 e 2004 il Ministero degli Esteri Spagnolo lo sceglie per il programma "Arte Spagnola all\'Estero", realizzando una mostra celebrativa a Firenze, Belgrado e Bucarest. </p> <p>Partecipa, inoltre, a varie edizioni dei più importanti eventi internazionali d\'arte, come la F.I.A.C. di Parigi, l\'ARCO di Madrid, la Biennale di San Paolo e la Fiera Internazionale d\'Arte di Colonia. </p> <p>Sue opere fanno parte della collezione di grandi musei internazionali, tra i quali ricordiamo il Museo Georges Pompidou di Parigi, il Guggenheim di New York, lo Smithsonian Institute di Washington, la Fondazione Van Gogh di Arles, il Museo d\'Arte Moderna di Bruxelles, il Museo di Arte Contemporanea di Caracas e il Museo Reina Sofia di Madrid.</p> <p>Cristóbal Toral è presente anche nelle collezioni di istituzioni, come la Camera dei Deputati e la Biblioteca Nazionale di Madrid, di grandi società internazionali, come American Express, British Petroleum, IBM, e in prestigiose collezioni private, come la collezione Rothschild di Parigi.</p> <p>Cristóbal Toral, nel corso della sua carriera, riceve numerosi riconoscimenti, come il premio dell\'Esposizione Nazionale di Belle Arti Spagnola, il Gran Premio di Pittura del quotidiano spagnolo "ABC", il Premio Popular, il Gran Premio della Biennale di San Paolo, il Premio Fiorino della XXIII Biennale Internazionale di Firenze; viene nominato Accademico Onorario dell\'Accademia Reale di Belle Arti e riceve la medaglia d\'oro dal Governo dell\'Andalucia.</p> Nel 1984 pubblica la sua autobiografia, <em>La vita in una valigia</em>, con la casa editrice Temas de Hoy.<br /> Per FMR-ART\'E\' realizza nel 2005 gli interventi artistici dell\'opera<em> Sogni. Omaggio a Jorge Luis Borges</em>: oltre all\'originale a bassorilievo in bronzo dal titolo <em>Sueño</em>, è autore delle sei tavole a colori fuori testo e delle quattordici illustrazioni realizzate in esclusiva per questa edizione.'))
 decretano il suo successo. Nel 1977 si stabilisce a Parma e negli anni seguenti viaggia tra Parigi, la Svizzera e l\'Inghilterra, tenendo mostre di rilievo, come quella alla Chambre de Commerce Italienne de Paris e nella sede parigina di Alitali. A Lugano espone nella Galleria La Colomba e allo Splendide Royal, in Inghilterra presso la Claydon Gallery. In seguito tiene una serie di mostre in Italia, presentando il suo primo volume <em>Omaggio a Eduardo</em>, con testi dell\'allora Presidente della Camera dei Deputati On. Nilde Jotti, e del Commissario della Biennale di Venezia Mario Penelope.</p> <p>Nel 1988 apre uno studio a Roma, dove realizza una cartella di incisioni per la Presidenza della Amministrazione Provinciale della Camera dei Deputati. Nello stesso anno viene invitato a partecipare alla Triennale bulgara presso il Padiglione Italia. Realizza nel 1989 con la tecnica della fusione a cera persa una scultura in argento per il Segretario Generale del Parlamento Europeo; mentre al 1990 risale la scultura in argento per il Presidente della Repubblica Francesco Cossiga. </p> <p>Dal 1994 vive e lavora a Parigi, alternando viaggi a Roma e a Parma.</p> <p>Autore di importanti cicli dedicati a temi di grande interesse socio-culturale, come quello sulla Rivoluzione Francese, l\'attività di Nocera è contraddistinta da una profonda attenzione e da una originale rielaborazione di argomenti particolarmente evocativi e moderni, come dimostrano le grandi opere su Pinocchio che ispirano <em>Histoire de Pinocchio</em>, presentata presso la Galleria Modula Arte a Parma. Nel 1995 espone a Parigi alla galleria Furstenberg, a Bruxelles alla Galleria St. Jacques, nel 1996 alla Galleria Liehrmann di Liegi, e nel 1997 al Saga Fiac di Parigi. Nello stesso anno realizza un portfolio a favore della fondazione mondiale per la ricerca sull\'AIDS del prof. Luc Montagnier sotto l\'Egida dell\'Unesco. Nel 1998 realizza un bassorilievo in occasione dell\'Iniziativa ART\'E\' <em>Anno 2000</em>, presentato e donato al Pontefice Giovanni Paolo II. Dello stesso anno è la scultura ufficiale dell\'11° Congresso Mondiale dell\'Associazione Internazionale di Relazioni Industriali, che si tiene a Bologna. Del marzo 1999 è il volume <em>Vangeli </em>edito da FMR-ART\'E\' e da lui<em> </em>illustrato in vista del Giubileo. Il 2000 lo vede protagonista del nuovo ciclo di mostre dal titolo <em>Terres de lune, terres de fable</em> e nel Monastero di San Giovanni a Parma inizia il ciclo di mostre <em>Vangeli nei Monasteri d\'Europa</em>. Nel 2001 propone in anteprima la collezione di sculture gioiello <em>La Luna</em><em> e lo Zodiaco</em> e il ciclo <em>Pinocchio e la Luna</em> che nel corso del 2002 -2003 seguirà un itinerario internazionale. A giugno del 2002 presenta a Roma il volume illustrato <em>Le Avventure di Pinocchio. Storia di un burattino</em> presso il Palazzo della Sapienza del Ministero per i Beni e le Attività Culturali. Nel novembre 2002 inaugura a Parigi la mostra <em>Pinocchio et la lune</em>. Nello stesso anno, presso la sede del Parlamento Europeo a Bruxelles, tiene una mostra su Pinocchio con presentazione di Giorgio Napolitano. Nel luglio del 2003 tiene una personale presso la Pontificia Università Lateranense dal titolo <em>Immagini Sacre</em>, in occasione del Simposio Europeo <em>Università e scuola in Europa</em>. In concomitanza con tale evento, nella ricorrenza del 25° anno di Pontificato, Nocera viene ricevuto a Castelgandolfo da Sua Santità Giovanni Paolo II, al quale dona la collezione di smalti <em>Immagini Sacre</em>. Per il 60° Anniversario del Patronato INCA CGIL, realizza in esclusiva alcune opere ed elabora lo studio del logo per l\'occasione. Nel maggio 2005, con la benedizione di Sua Santità Papa Benedetto XVI, colloca la scultura <em>Christus Patiens</em> presso la Chiesa dello Spirito Santo dei Napoletani a Roma e inaugura la mostra ad essa dedicata. Realizza opere di alta rappresentanza istituzionale per il Dipartimento per i Beni Archivistici e Librari del Ministero per i Beni e le Attività Culturali. Nel 2006 realizza il monumento in bronzo per il 50° anniversario della tragedia di Marcinelle, in Belgio, commissionato dalla Presidenza nazionale del Patronato INCA CGIL.</p> <p>In occasione della visita ufficiale in Vaticano, il 20 novembre il Presidente della Repubblica Giorgio Napolitano dona a Sua Santità Papa Benedetto XVI un bassorilievo in argento dal titolo <em>Pace</em>, opera di Nocera. </p> <p>Nel gennaio 2007 inaugura la sua mostra personale <em>C\'era una volta...</em>, con oltre 150 opere tra sculture, tele e disegni, presso il Complesso Monumentale di San Michele a Ripa, a Roma, sotto l\'Alto Patronato del Presidente della Repubblica, e con il patrocinio del Senato, della Camera e del Ministero. </p> <p>Nell\'ottobre 2010 inaugura a Roma, ai Mercati di Traiano, <em>Oltre il Nido</em>, a cura di Laura Fusco: ottanta opere, prodotte tra il 2007 e il 2010, tra sculture, anche di grandi dimensioni, e tele in dialogo con la monumentalità e la ricchezza scultorea dei grandiosi complessi architettonici. <em>Oltre il Nido</em> è anche il titolo del ciclo di opere che presenta nel giugno 2011 al Padiglione Italia della Biennale di Venezia, un ciclo incentrato sul significato simbolico del nido-casa, esplorato in ogni sua tonalità emotiva. </p>'))
![Dugo Franco](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/dugo.jpg', 'Dugo Franco', '<p>Franco Dugo nasce nel 1941 a Grgar, un piccolo paese ora in territorio sloveno, ma vive a Gorizia, città la cui peculiarità di terra di confine, a metà fra il mondo italiano e quello slavo, in quella Mitteleuropa crogiolo di popoli e di idee, incide profondamente nella sua formazione umana e artistica. </p> <p>Lontano dai centri più importanti di elaborazione e scambio culturale, ma anche di mode e suggestioni effimere, da sempre porta avanti, con se stesso, un\'esperienza volta all\'approfondimento interiore, attenta alla grande tradizione del passato e alle tendenze contemporanee, sia dell\'Europa Occidentale, che di quella Orientale.</p> <p>Artista autodidatta, Dugo approda alla pittura e all\'incisione dopo anni di tumultuose esperienze che lo vedono pugile dilettante e operaio, lettore onnivoro, appassionato di cinema, melodramma e jazz, coinvolto come attore e scenografo nella vita teatrale della città, impegnato insomma in molteplici percorsi, di vita e di conoscenza, che sono all\'origine della complessità del suo talento e del suo percorso. Inizia la sua attività artistica prevalentemente come incisore, e nel 1972 tiene la sua prima mostra personale alla galleria Il Torchio di Gorizia. Nel 1975 partecipa alla X Quadriennale di Roma ("Le Nuove Generazioni") e poi alle più importanti manifestazioni internazionali, quali le Biennali e Triennali di Berlino, Lubiana, Tokio, Il Cairo. </p> <p>Insegnante all\'Accademia di Belle Arti di Venezia (dall\'89 al \'95) e di Firenze (1996), Dugo in pittura si esprime con inesauribile passione sia con l\'olio, sia con il pastello, tecnica con cui realizza opere dove coniuga l\'emotività e l\'immediatezza dell\'attimo con il lavoro di modellamento realizzato direttamente con la mano, senza la mediazione del pennello. </p> <p>Nel 1983 Mario De Micheli presenta un ciclo di incisioni dell\'artista alla Libreria Einaudi di Milano. Nel 1986 il Victoria & Albert Museum di Londra acquista due incisioni per la 9th British International Print di Bredford. Nel 1987 espone alla Galleria Civica d\'Arte Moderna di Palazzo dei Diamanti di Ferrara. </p> <p>Dal 1992 concentra la sua indagine artistica sul paesaggio, attraverso lavori che approfondiscono e dilatano il sentimento della natura come evocazione di atmosfere interiori e insieme rapporto con l\'oggettiva, quotidiana realtà. </p> <p>Nel 1997 presenta la grande retrospettiva di oli, pastelli, e disegni nelle sale di Villa Foscarini Rossi a Strà (VE), con la presentazione di Marco Goldin, Giorgio Soavi e Amedeo Giacomini.</p> <p>Nel 1999 partecipa alla grande mostra <em>Elogio al pastello</em>, allestita da Marco Goldin a Palazzo Sarcinelli di Conegliano. Nello stesso anno viene realizzato il libro d\'arte <em>Poco prima del temporale</em>, con sette racconti di Fulvio Tomizza e otto incisioni di Franco Dugo.</p> <p>Il suo realismo analitico vuole penetrare il mistero che lega un\'immagine alla sua sostanza. Come scrive Vittorio Sgarbi: "Dov\'è la verità delle cose che osserviamo? È nella loro immagine, è quella la vera sostanza, tutto ciò che appare come reale è reale. Dugo lo ha capito, e tratta perciò allo stesso modo la realtà ed il sogno".</p> <p>Segnalato sia per la grafica (1983) che per la pittura (1989) tra gli artisti dell\'anno nel catalogo Bolaffi-Mondadori, vincitore nel 1990, su segnalazione di Vittorio Sgarbi, del XXX premio Suzzara, presente nel 1993 alla XXXII Biennale della Permanente di Milano, Dugo partecipa a numerose mostre collettive e personali in Italia ed all\'estero.</p> <p>Sue opere si trovano, oltre che in collezioni private anche estere, in numerosi musei tra i quali la Galleria d\'Arte Moderna di Udine, il Museo di Gorizia, il Palazzo dei Diamanti a Ferrara, la Japan Print Association di Tokio, il National Museum di Varsavia. </p> <p>Nel 2002 viene presentato per la prima volta dalla Galleria d\'Arte Busellato per la mostra <em>Paesaggi Italiani</em>. Nel 2003 per FMR-ART\'È realizza dieci tavole a colori fuori testo e dieci illustrazioni originali per il volume <em>Milione </em>di Marco Polo, presentato nella Sala delle Cariatidi di Palazzo Reale, a Milano. Nel 2007 partecipa alla mostra <em>Arte Italiana 1968 - 2007</em> ideata da Vittorio Sgarbi e allestita a Milano, a Palazzo Reale. Nel gennaio 2010 il suo lavoro viene presentato da Marco Goldin per l\'evento <em>Pittura d\'Italia. Paesaggi veri e dell\'anima</em> presso le sale di Castel Sismondo a Rimini.</p> <p>Franco Dugo vive e lavora a Gorizia.</p> '))
![Malandri Miria](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/malandri.jpg', 'Malandri Miria', '<p>Nasce nel 1946 a Forlimpopoli, in provincia di Forlì, e, dopo una formazione di tipo umanistico, frequenta il corso di Disegno Anatomico presso l\'Università di Bologna. Si dedica alla pittura con una passione tutta "romagnola" per le belle forme e i bei colori, usando un linguaggio classico che le permette di affrontare qualsiasi tematica - dalla natura morta al paesaggio, dal ritratto agli interni - mantenendo un assoluto rigore compositivo. </p> <p>La sua prima personale, allestita presso la Galleria Mantellini di Forlì, risale al 1972. Nel 1973 espone alla Galleria Inquadrature di Firenze; nello stesso anno alla Galleria Il Collezionista a Bologna; nel 1976 è alla Galleria Nuova Sfera di Milano, mentre nel 1987 alla Galleria Melozzo di Forlì, nel 1988 alla Sala Polivalente del Comune di Modigliana (mostra a cura di Andrea Brigliadori). </p> <p>Gli anni Novanta si aprono con una mostra alla Galleria Il Vicolo di Cesena, mentre nel 1991 Malandri espone alla Galleria Giordano di Genova, nel 1994 alla Galleria Remo Croce di Roma (mostra a cura di Giordano Viroli), nel 1995 alla Galleria Novantatré di Bologna, nel 1995 e nel 1996 presso il Ridotto del Teatro Astra a Forlì (mostra a cura di Fanny Monti), nel 1997 alla Sala Novanta Pacifici a Forlì, a cura di Silvia Arfelli e nel 2001 presso la Biblioteca Civica di Rimini, con la mostra intitolata <em>La biblioteca dipinta</em>, un ciclo di opere commissionate dalla Soprintendenza per i Beni librari e documentari della Regione Emilia Romagna, a cura di Orlando Piraccini; gli stessi dipinti vengono esposti successivamente alla Biblioteca Classense di Ravenna e alla Cineteca di Bologna. </p> <p>La collaborazione con ART\'E\' la porta ad esporre nella primavera del 2003 alla collettiva di venti artisti <em>Meraviglia</em>,<em> </em>allestita al Ta Matete living gallery di Roma.</p> <p>Oltre alla partecipazione a numerose edizioni di Arte Fiera a Bologna e a Padova, fra le collettive si segnalano: <em>Il Figurativo alle soglie degli anni Ottanta</em>, che si tiene nel 1979 prima a Napoli, a Palazzo Cariati, poi a Palermo, presso la Galleria d\'Arte Moderna; <em>Il lavoro felice</em>, che si svolge nel 1980 al Palazzo delle Esposizioni di Faenza; e <em>Percorsi Comunicanti</em>, allestita a Palazzo Albertini di Forlì nel 2000. </p> <p>Tra le mostre più recenti ricordiamo: la collettiva<em> Memorabilia </em>alla Galleria Comunale Santa Croce di Cattolica (RN), tra aprile e giugno 2008; la collettiva <em>Donne in Arte. Artiste al Campigna</em>, che si svolge alla galleria Vero Stoppioni di Santa Sofia (FC) tra ottobre e novembre 2009; la personale <em>Il cinema nei quadri</em> (Bari, Fiera del Levante-Cineporto), tra aprile e maggio 2010, dove emerge come l\'artista sia convinta che la pittura possa trarre ispirazione e realizzazione nella cinematografia: la sua ricerca, infatti, mira a stabilire un nesso logico tra cinema e pittura, individuare correlazioni e rimandi che creano, tra questi due linguaggi, un prestito continuo e un interscambio sempre aperto.</p> <p>Sempre nel periodo aprile-maggio 2010 si svolge la mostra collettiva<em> Nello spazio della Croce, </em>un\'attualissima <em>meditatio passionis Christi</em>, ospitata dalla Chiesa di San Salvador, nel cuore di Venezia.</p> <p>Giordano Viroli scrive così del suo lavoro: "Potrebbe esserci una buona ragione per resistere al fascino che esercitano i dipinti di ‘natura morta\' di Miria Malandri, ma io non la conosco. Non sono argomentazioni critiche a renderli persuasivi, è la chiaroveggenza delle immagini che ci attrae. Malandri ha la tipica disponibilità del ‘virtuoso\' a rappresentare oggetti che abbiano in sé qualcosa di strutturalmente complesso, inesplicabile e attraente. Una scena che incontriamo con una certa frequenza nei suoi dipinti è quella del ripiano o tavolo o angolo di studio che la pittrice, nelle ore domestiche, ha eletto a dimora della sua creatività. Talora appartato tranquillamente presso la finestra, il piano d\'appoggio ospita, accanto alle suppellettili d\'uso comune (bicchieri, tazzine di caffé, bottiglie, ciotole), gli apparecchi dell\'immaginario (calchi in gesso di antiche statue, strumenti musicali, libri rari), ma l\'illimitata promessa di questi ultimi non risulta necessariamente vincente sulla minore autorità dei primi. Sperimentare e registrare le forme di oggetti dissimili fra loro per dimensioni, colori e funzioni, confrontare ciò che altri artisti - pittori, operatori cinematografici - hanno elaborato da analoghe esperienze: da tutte le parti balzano fuori le meraviglie del possibile. Gli oggetti, accostati gli uni agli altri, formano una rete di corrispondenze che cattura e lascia fuggire continuamente apparizioni - ombre, mezzetinte, riflessi, luminescenze - che l\'artista vede sorgere in superficie." (in <em>Miria Malandri. Nature Morte</em>, Forlì 2001).</p> <p>Miria Malandri vive e lavora a Forlì.</p> '))
![Annibali Paolo](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/annibali.jpg', 'Annibali Paolo', 'Nato a San Benedetto del Tronto nel 1958, si dedica alla realizzazione di opere d\'arte sacra e a destinazione pubblica in contesti architettonici. Tra queste spiccano: la Cappella della Resurrezione nella Chiesa di San Pio X a San Benedetto del Tronto, 1994-2009; la <em>Porta</em><em> della Misericordia</em> per la Chiesa di San Filippo Neri a San Benedetto del Tronto, 1997; la <em>Porta</em><em> dello Spirito Santo</em> per la Chiesa di San Pio X a San Benedetto del Tronto, 1998; le porte della Chiesa <em>Regina Pacis</em> a Matelica, Macerata, 2001; <em>Il mare, il ritorno</em>, monumento ai caduti del mare nel porto di San Benedetto del Tronto, 2002; <em>Racconti di mare e di costa</em>, fregio per la Capitaneria di Porto di San Benedetto del Tronto, 2002; la statua di San Giuseppe da Copertino per il Monastero della Santa Speranza di San Benedetto del Tronto, 2002; la <em>Porta</em><em> del Giubileo</em> per la Cattedrale di Jesi, 2002-2004; la <em>Porta</em><em> di San Giovanni Battista</em> per la Chiesa di San Giovanni Decollato a Fiesole, 2003; la Statua di San Bartolomeo per la Cattedrale di Matelica, 2003; la <em>Porta</em><em> di San Giacomo Maggiore</em> per la Chiesa di San Jacopo a Pratovecchio, Arezzo, 2004; il concorso per la Porta della Basilica di Santa Maria Maggiore di Roma, 2004; l\'ambone per la Cattedrale di Fiesole, 2007; la porta dell\'Opera per il Meridione d\'Italia Padre Giovanni Minozzi ad Amatrice, Rieti, 2007; l\'ambone per il Santuario di Santa Maria delle Grazie a Stia, Arezzo, 2007; <em>Tre disegni </em>per il<em> Nuovo Lezionario</em>, Libreria Editrice Vaticana, 2007-2008; il monumento per il parco letterario <em>Il porto sepolto</em> di Sagrato di Isonzo, Gorizia, 2008-2009; l\'ambone per la Chiesa Prepositurale di Pratovecchio, Arezzo, 2010; il fregio di Santa Barbara per la Nasa, per le ricerche petrolifere dell\'Eni-Saipem, 2000-2010; la <em>Statua</em><em> di Santo Sollecito</em> per la Cattedrale di Matelica, Macerata, 2009-2010; il monumento <em>I Sognatori</em> per piazza Matteotti, San Benedetto del Tronto, 2009-2010. <p>Il linguaggio espressivo di Paolo Annibali è classico e sposa completamente il figurativo: la scultura classica di Giovanni Pisano, come racconta lui stesso, gli procura ancora grandi emozioni, tanto che cerca di riprodurla nelle proprie creazioni poiché "la scultura figurativa ancora tenta di conciliare passato e presente, inoltre il figurativo è più immediato e può essere letto da chiunque".</p> <p>Tra le sue mostre personali ricordiamo: nel 1988 <em>Il sogno dell\'angelo</em>, Galleria L\'Ariete, Bologna (catalogo con testo di Franco Solmi); nel 1997 <em>Naufragio con spettatore</em>, Palazzina Azzurra, San Benedetto del Tronto (catalogo con testo di Flaminio Gualdoni); nel 2000 <em>Fugaci Liturgie</em>, Pescheria Centro per le arti visive, Pesaro (catalogo con testo di Rossana Bossaglia); nel 2007 <em>Paolo Annibali. Sculture 1997-2007</em>, Palazzina Azzurra, Casa Bice Piacentini, San Benedetto del Tronto; la stessa mostra nel 2008 viene portata al complesso monumentale di San Salvatore in Lauro, Roma, e documentata dal catalogo Skira.</p> <p>Inoltre nel 2005 realizza su commissione di FMR-ART\'È due opere in bronzo per il <em>Premio eroi di pace</em>, istituito sotto l\'Alto Patronato della Presidenza della Repubblica e consegnato all\'Arma dei Carabinieri per il loro sacrificio in difesa della pace, della convivenza tra le diverse culture e per la tutela del patrimonio artistico italiano. </p> <p>Tra le mostre collettive citiamo: nel 1987 <em>Non invano</em>, Palazzo Lanfranchi, Pisa (catalogo con testo di Franco Solmi); nel 1990 <em>L\'essere è tempo</em>, Istituto di Cultura Germanica, Bologna; nel 1991 Premio Marche, Palazzo delle Esposizioni, Ancona; nel 1999 <em>Biblia Pauperum</em>, Museo Diocesano, Jesi; nel 2000 la IX Biennale di Arte Sacra<em>. La porta segno di Cristo</em>, Museo Stauròs d\'arte contemporanea, San Gabriele, Teramo (a cura di Maurizio Calvesi); nel 2001 <em>Koinè</em>. selezione di porte realizzate nella seconda metà del Novecento, Palazzo delle Esposizioni,Vicenza; nel 2002 <em>Nuova scultura italiana</em>, Galleria il Polittico, Roma (catalogo con testo di Alessandro Riva); nel 2008 <em>Venite adoremus</em>, mostra internazionale d\'arte sacra, V edizione, Basilica di Santa Maria in Montesanto, Roma; nel 2010 <em>Humana Passio</em>, collezione museo Stauròs d\'arte sacra contemporanea, sala museale del Quartiere Santo Stefano, Bologna.</p> <p>Paolo Annibali vive a San Benedetto del Tronto e lavora a Grottammare, in provincia di Ascoli Piceno.</p> '))
![Donizetti Mario](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/Donizetti.jpg', 'Donizetti Mario', 'Nel 1998, in occasione della commemorazione per i settantacinque anni di vita della rivista "Time", viene selezionato, tra 1800 copertine, il ritratto fatto da Donizetti a Indira Gandhi per rappresentare una delle settantacinque copertine più significative della famosa rivista. Nel 1992 la televisione americana CNN gli dedica un servizio documentario.<br />Altre importanti rassegne gli vengono dedicate, come quella del Comune di Milano presso Palazzo Sormani (1995) e, sempre nello stesso anno, ad Aquileia, nel Museo del Patriarcato. Nel 1997 conclude ed espone il suo ultimo grande progetto, quello di realizzare una serie di sette grandi tele che hanno per tema i peccati capitali, ciclo pittorico la cui realizzazione ha richiesto un lavoro di oltre due anni.<br />Dopo I Sette Vizi Capitali, Palazzo della Ragione, Bergamo (1999) si susseguono numerose mostre, tra cui: 75° TIME prima al National Academy Museum, New York (1999), poi alla Chicago Historical Society, Illinois (2000), alla Libreria Bocca, Galleria Vittorio Emanuele, Milano (2000), all\'Edsel & Eleanor Ford House, Grosse Pointe Shores, Michigan (2000; una personale alla Galleria Schreiber, Brescia (2000); le personali La mia Bergamo (2002) e Donizetti Designer (2003) entrambe alla Galleria Arsmedia, Bergamo; Quadrato per la Ricerca, GAMEC, Bergamo (2005); una personale alla Galleria Cappelletti, Milano (2007); la personale Arte e Filosofia dell\'Arte, Radici Casa, Bergamo (2008).<br />Giudicato unanimemente il più importante esponente della pittura figurativa realistica, oltre che uno tra i massimi ritrattisti contemporanei, Mario Donizetti è noto in tutto il mondo soprattutto per i suoi quadri pervasi da una sensibilità rinascimentale.<br />Per FMR-ART\'E\' realizza nel 2004 gli interventi artistici sia dell\'opera Canzoniere sia del primo dei tre volumi de La Commedia: Inferno.<br />Mario Donizetti vive e lavora a Milano'))
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, nelle isole Baleari, realizza a diciott\'anni la sua prima mostra. Nel 1965 si reca a Madrid e s\'iscrive alla Scuola di Belle Arti di San Fernando. Prima di finire gli studi fa la sua prima mostra personale alla Galleria Skira di Madrid (1970) e comincia la collaborazione presso la Galleria Mordò. <p>Con un atteggiamento quasi da visionario, Quetglas rompe i ponti con l\'estetica vigente, attuando una ricerca espressiva nuova, in un\'originale sintesi tra classicismo e modernità.</p> <p>Agli inizi la sua rappresentazione della realtà è molto concreta, inquadrata nella scuola del realismo spagnolo, con Antonio Lòpez Garcia come maestro, tanto da far inserire Quetglas nella corrente "iperrealista". </p> <p>Il problema del "verismo pittorico" si sviluppa nelle opere degli anni Ottanta. Successivamente, si allontana dalla realtà esterna e lavora con la memoria emozionale, senza osservare il modello. Attravaerso l\'immaginazione scaturiscono figure che assumono la dimensione di divinità della natura. Spesso non hanno tratti personalizzati e, con la loro nudità, diventano espressione dell\'essere umano allo stato puro, al di là della superficie, in un ritorno al paradiso perduto. <br /> Alcune raffigurazioni, come afferma lo stesso artista, richiamano alla mente il Picasso monumentale degli anni italiani; altre rimandano ai colori secchi e all\'aspetto murale di pittura a fresco di Sironi, o ancora alla pittura metafisica, ma soprattutto a Piero della Francesca e ai pittori del Quattrocento.<br /> Quetglas manifesta una profonda attenzione per la materia; ciò lo porta ad utilizzare tutti i tipi di tecniche e a sperimentare una vastissima gamma di colori. Grande importanza nei suoi dipinti riveste la luce. Le scene che rappresenta sono dotate di un chiarore che ricorda l\'atmosfera rinascimentale, rappresentando uno stato d\'animo, più che una luce naturalista.<br /> Pittore, incisore e scultore, citato nel prestigioso quotidiano "El Mundo" fra gli artisti spagnoli più quotati accanto ad Antonio Lopez e Antoni Tàpies, nel corso della sua carriera Quetglas espone in numerosissime mostre personali e collettive in tutto il mondo, da Barcellona a New York, da Madrid a Tokio, da Siviglia a Roma. L\'artista fa anche parte della Delegazione Pontificia per il Santuario della Santa Casa di Loreto, insieme ad altri artisti di fama internazionale, quali Ariel Auslender, Robert Carroll, Piero Guccione, Bellano Velasco, chiamati a realizzare, per il Museo-Pinacoteca del Palazzo Apostolico, opere sul tema <em>L\'immagine della parola. Artisti contemporanei per le Parabole di Gesù</em>.<br /> Giorgio Seveso, ne <em>Una nuova vitalità del figurativo</em>, lo cita fra gli artisti contemporanei che hanno opposto la resistenza dell\'arte figurativa alla "marea montante dell\'arte astratta". </p> <p>Nel 2004 per FMR-ART\'E\' realizza le tavole che illustrano l\'edizione in due volumi a tiratura limitata del <em>Don Chisciotte della Mancia.</em><br /> Tra le collettive italiane più recenti segnaliamo <em>Realidad. Arte spagnola della realtà</em>, rassegna a cura di Laura Gavioli, che si tiene a Potenza, Galleria Civica Palazzo Loffredo, tra settembre 2006 e gennaio 2007.</p> <p>Oggi non solo vari musei nel mondo possiedono suoi lavori, ma anche numerose manifestazioni internazionali accolgono sue opere: la Biennale di Parigi, la Biennale di Mentone, il Salone internazionale di Arte Contemporanea di Parigi; l\'ARCO di Madrid; la Biennale della Grafica Europea a Baden-Baden. <br /> Per Quetglas tutto ciò che è fisicità è, al tempo stesso, qualcosa che va oltre la mera superficie: assume un significato profondo, è metafisico; i colori sono in grado di provocare emozioni particolari; i quadri sono il segno del suo legame con la vita, espressione di splendore, bellezza spirituale, respiro vitale. La pittura diventa il modo particolarissimo di ingannare la sofferenza e la morte e gli fa desiderare di essere un "alchimista" in grado di trasformare tutto ciò che è privo di vita in sentimenti e passione.</p>'))
![López Hernández Julio](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/Hernandez_SAN_PAO.jpg', 'López Hernández Julio ', '<p>Nato a Madrid nel 1930, nel laboratorio paterno di oreficeria apprende ben presto i fondamenti della scultura. Nonostante l\'imperversare della guerra civile, compie i suoi studi in ingegneria tecnica presso l\'Istituto di Formazione Professionale. Nel 1949 entra nella prestigiosa Accademia di Belle Arti di San Fernando dove incontra Lucio Muñoz e Antonio López García, con il quale sceglie di percorrere la strada di un nuovo figurativismo e fondano così, insieme ad Amalia Avia, Isabel Quintanilla e María Moreno, la famosa Scuola realista madrilena, uno dei movimenti artistici europei più importanti del Novecento.</p> <p>Nelle sue prime opere, per la maggioranza a tema religioso, si avverte l\'influenza di due grandi maestri: Henry Moore e Marino Marini. Ben presto definirà un suo proprio stile che, prendendo spunto dal vissuto quotidiano, lo porterà alla creazione di opere che sembrano immagini sospese nel tempo, come congelate, nelle quali grande rilevanza ha il modellato particolare delle superfici, generalmente bronzee.</p> <p>Nel 1958 viene premiato dall\'Istituto di Francia e dalla Fondazione Juan March di Madrid, premi che gli permettono di visitare la Francia e l\'Italia, arricchendo la propria formazione. Negli anni Sessanta inizia a lavorare sulle "statue in frammenti" che confrontano due visioni della stessa immagine attraverso il ricorso alla mancanza di una parte del viso.</p> <p>Nel 1960 ottiene una borsa di studio dal Comitato Francese di Scrittori e Artisti, nel 1963 riceve una sovvenzione dalla Fondazione Juan March. Nel 1970 è nominato docente di Scultura alla Scuola di Arte di Madrid.</p> <p>Tra i numerosi premi vinti ricordiamo nel 1975 il Premio Nazionale per la Medaglistica "Tomás Francisco Prieto", indetto dalla Zecca di Stato; nel 1980 il Premio Nazionale di Arte Plastica e, nel 1984, il Premio Cácerez di Scultura e, in Giappone, il premio speciale del Concorso Internazionale di Scultura Kotaro Takamura.</p> <p>Nel 1986 è nominato Accademico dell\'Accademia di Belle Arti di San Fernando di Madrid, nel 1992 riceve dal Comune di Madrid il Premio per la Scultura e nel 1994 entra a far parte del Patronato del Museo del Prado.</p> <p>Numerose sono le sue opere pubbliche, tra cui il busto dedicato al poeta Jorge Manrique a Paredes de Nava, il monumento a Andrés Segovia a Linares, il monumento a Pablo Neruda e quello a Federico García Lorca a Madrid, commissionatogli dal Comune.</p> <p>Realizza anche l\'<em>Omaggio allo studente sconosciuto</em>,<em> </em>collocato nei giardini del Museo del Prado, la scultura <em>Formasti simmetria del tuo amore</em> per il Giardino Botanico, il busto di Fernando de los Ríos e il medaglione monumentale di Carlo II per l\'Università "Carlo III" di Madrid.</p> <p>Tra le opere pubbliche vanno ricordate il monumento a Gerardo Diego a Santander, la scultura <em>Esperanza in cammino</em> per la città di Oviedo, il monumento al pittore Sebastian Muñoz a Madrid, la medaglia ufficiale del Premio Miguel de Cervantes e, nel 1988, il ritratto del Re Juan Carlos I, commissionato dal Ministero degli Affari Esteri per esporlo in tutte le ambasciate di Spagna.</p> <p>Nella sua lunga carriera López Hernández ha esposto in tutta la Spagna e, tra le altre città, ricordiamo Strasburgo, Roma, Francoforte, Londra, Lisbona, Budapest, New York e Tokio.</p> <p>Nel 2005 espone alla mostra dedicata alla figura di Don Chisciotte nell\'arte spagnola contemporanea, che si tiene al Museo Reina Sofia di Madrid nell\'occasione del quinto centenario della pubblicazione dell\'opera. Allo stesso anno <em>La scultura dormiente. Julio López Hernández, il disegno come processo</em>, Sala Cultural Cajastur, Oviedo. Tra il 2006 e il 2007 alla Galleria Civica, Palazzo Loffredo di Potenza si tiene, sotto l\'Alto Patronato della Presidenza della Repubblica Italiana, la mostra collettiva <em>Realidad. Arte spagnola della realtà</em> in cui, oltre a López Hernández, espongono una quindicina di artisti per un totale di un centinaio di opere che intendono ricostruire la temperie culturale di quella generazione di artisti maturata all\'Accademia di San Fernando a Madrid.<br /> Per FMR-ART\'È realizza gli interventi artistici per le opere <em>Familia Via Ecclesiae </em>(2006) e<em> San Paolo </em>(2009). </p> <p>Opere di Julio López Hernández fanno parte di molte istituzioni culturali e prestigiose collezioni pubbliche e private, tra cui la fondazione Juan March, la collezione dell\'Accademia di Belle Arti San Fernando di Madrid, la collezione della Chase Manhattan Bank e la collezione dell\'Istituto del Credito Ufficiale di Madrid. Numerose sono anche le sue opere custodite in vari musei, tra cui citiamo a Madrid il Prado, il Museo Nazionale Reina Sofia e il Museo Nazionale della Zecca, il British Museum a Londra, i Musei Vaticani a Roma, il Museo di Arte contemporanea di Siviglia, il Museo Figueira de Foz, in Portogallo, il Museo Atheneum di Helsinki, il Museo di Belle Arti di Boston, il Palazzo d\'Europa a Strasburgo, il Muzeum Sztuki Medalierskiej di Varsavia. </p> '))
 e alla Tafe Gallery di Perth (Australia). <p>Nel 2002 ogni suo lavoro è spogliato degli indizi narrativi e prendono forma le prime carte strappate, impresse col monotipo e applicate su tela, alle quali si affiancano lavori consistenti nel riscrivere e manomettere i codici della pittura antica; i soggetti sono invenzioni remote che non rimandano solo a se stesse, incubi calcografici che "zoomano" sul corpo.</p> <p>Fino al 2006 si succedono alcune decine di figure femminili frontali che col colore "carnificano" la piattezza di molta fotografia contemporanea, spegnendone il glamour. La superficie è il risultato di sovrapposizioni di pellicole dipinte col solo nero a magmi informali di colore, nel tentativo di scollare fisicamente, per ricollegare otticamente, tono e chiaroscuro. Le mostre che meglio descrivono questo segmento della sua ricerca si tengono alla Galleria L\'Ariete artecontemporanea di Bologna, allo Studio Raffaelli di Trento, alla Erdmann Contemporary Gallery di Cape Town e alla Die Galerie di Frankfurt am Main.</p> <p>Una nuova svolta è costituita dal dialogo con la scultura, nella quale Samorì privilegia la pratica del <em>moulage</em>, che si offre come modello per scandagliare il confine fra il vivo e il morto, il mobile e l\'inerte. Nascono così nel 2004 le prime "teste-molosso", seguite da una lunga catalogazione di "anti-ritratti" che rovesciano lo sguardo all\'interno, rappresentano una collisione fra la lezione dell\'informale e la sua negazione, una pittura analitica fino al parossismo. La stesura gestuale è, infatti, un falso ottico: ogni pennellata è eseguita su un supporto a parte, poi stracciata e successivamente rimontata. Una frattura del gesto che viene riconosciuta con l\'assegnazione, nel 2006, del Premio Michetti e con una lunga serie di mostre che ne annotano il divenire: Forte austro-ungarico di Vermiglio, Museo d\'Arte Contemporanea di Gibellina, Palazzo Reale di Milano.</p> <p>Dal 2007 la scultura entra in dialogo con la pittura nel contesto d\'installazioni che talvolta prevedono l\'impronta di opere celebri e la loro manipolazione (Villa delle Rose, Bologna e Mercati di Traiano, Roma). Dinamica che presto contamina la pittura stessa, dando luogo al ciclo delle <em>Simonie</em>, trascrizioni fedeli di brani pittorici d\'ogni epoca che, prima di stabilizzarsi col processo di essiccazione, sono energicamente scosse da gesti istintivi che ne intaccano il rigore formale. </p> <p>Questa costante oscillazione fra la cura e la collera della forma preesistente trova stanze eccellenti presso i Magazzini del Sale di Cervia e l\'Antico Convento di San Francesco a Bagnacavallo, dove nel 2009 hanno luogo due vaste monografiche. Questi ultimi spazi diventano una sorta di laboratorio dell\'immagine dove il soggetto si isola, si manipola e si riduce a materia il più possibile informe cercando di realizzare un progetto di essere non determinato. </p> <p>La pratica artistica di Samorì si fa spazio da tempo fra la memoria visiva dell\'Occidente e la sua perdita, fra le sue ossessioni e le sue amnesie, fra la sparizione dell\'arte e il tentativo difficile di rimanerle aggrappato. Attraverso riferimenti storici, artistici e filosofici, i suoi lavori esplorano i confini fra il già detto e il sempre detto, o le dinamiche che accompagnano l\'osservatore dalla fruizione del ritratto a quelle di un anti-ritratto che custodisce la folla.</p> <p><em>Imago Christi </em>è l\'opera d\'arte totale in forma di libro che realizza nel 2010 per FMR-ART\'È, traducendo in immagini il <em>Discorso della Montagna</em>,<em> </em>summa di concetti e della passione cristologica espressa nel <em>Vangelo di Matteo</em>. Come racconta lo stesso Samorì, rileggendo questo testo alla luce del saggio <em>Sequela</em> del teologo tedesco Dietrich Bonhoeffer, "sono apparse le prime note a margine, delle chiose in immagini al testo di Bonhoeffer, che in pochi mesi si sono dispiegate in oltre cinquanta tavole".</p>'))
![Ravaioli Carlo](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/RAVAIOLI.jpg', 'Ravaioli Carlo', 'Nato a Ravenna nel 1954, l\'iter della sua formazione è costellato di interessi molteplici. La sua prima comparsa pubblica risale al 1972, quando, insieme a due compagni del liceo, vince il secondo premio del concorso per il progetto del parco urbano di Forlì. Terminata la scuola, si iscrive alla Facoltà di Architettura e da qui inizia il suo interesse per le materie artistiche; diventa illustratore anatomico e le prime mostre risalgono alla fine degli anni Settanta. All\'inizio del decennio successivo, la passione per il fumetto lo porta ad abbandonare la carriera di illustratore per cimentarsi con il mondo delle "nuvole parlanti". Poi si dedica alla ricerca fotografica, partecipando a mostre e vedendo le proprie opere utilizzate a scopo pubblicitario. Apre uno studio di grafica pubblicitaria e dal 1990 l\'utilizzo del computer influenza notevolmente la sua creatività: la pittura si fonde al disegno, alla fotografia e alla grafica computerizzata. <p>L\'elenco delle mostre personali e collettive cui partecipa è lungo e variegato. Tra le personali, oltre alla partecipazione a varie edizioni di Forlì Contemporanea e di Arte Fiera di Forlì, ricordiamo: nel 1998 <em>Ospiti del nessun luogo</em>, a cura di Nicola Micieli, Oratorio San Sebastiano di Forlì; nel 1999 <em>Ritratti apparenti delle sfuggevoli verità</em>, Magazzini del Sale di Cervia (RA); nel 2000 <em>Mostra Estemporanea</em>, Palazzo Comunale di Bertinoro (FO); <em>Artisti in Fiera</em>, Fiera di Parma; <em>Immagina</em>, Fiera di Reggio Emilia; nel 2001 la mostra, a cura di Andrea Brigliadori e Piero Rinaldi, al Circolo degli Artisti di Faenza; nel 2003 <em>Luoghi simultanei, </em>a cura di Silvia Pegoraro, al Ta Matete Living gallery di Roma; nel 2004 <em>Labirinti</em>, a cura di Enzo Dall\'Ara, allo Show Room Cierre di Forlì; nel 2004 <em>Immagina</em>, Fiera di Reggio Emilia; nel 2005<em> All\'ombra del controluce</em>, Magazzini del Sale di Cervia (RA) e <em>Le scale del sogno</em>, a cura di Enzo Dall\'Ara, Salone Comunale di Bertinoro; nel 2006 al Golem Art Cafè di Bologna, alla Galleria Mega di Forlì e alla Galleria BiBò di Bologna; nel 2007 espone di nuovo ai Magazzini del Sale di Cervia con una personale, a cura del Comune di Cervia; nel 2009 espone a<em> I luoghi della memoria</em>, Galleria Piazza grande, Manfredonia (FG), al Chiostro di S. Francesco Ravello (NA), a cura della galleria Petit Prince, e alla<em> </em>Galleria Artemax di Napoli; dello stesso anno è <em>Il luogo senza tempo</em>, a cura di Silvia Arfelli, che si tiene alla Salannunziata di Imola (BO); per arrivare ad anni più recenti, ricordiamo nel 2010 <em>Memoria di altra vita</em>, galleria Michelacci, Meldola e <em>Identità & alterità</em>, galleria Il vicolo, Cesena; nel 2011 <em>Luoghi apparenti</em>, a cura di Silvia Arfelli, galleria AMarte, Ravenna e <em>Paessaggi interiori</em>, galleria Spazio9cento, Avellino.</p> <p>Tra le collettive citiamo: nel 1981 la Biennale di Forlì (3° premio), Accademia di San Mercuriale; nel 1986 Arte in Romagna, <em>Uomo o macchina?</em> a cura di Romano Pieri, Cervia (FO); nel 1998 <em>Progetto Magnificat</em>, Sinodo di Forlì, Duomo e Palazzo Albertini di Forlì; nel 1999 <em>Espressioni d\'Arte Contemporanea</em>, Bratislava; nel 2000 <em>Figurattiva</em>, a cura di Stefania Carrozzini, Agenzia D\'Ars, Forte Crest, Milano; <em>Cromaticos</em>, a cura di Gabriele Turola e Paolo Orsatti, al Castello Estense di Ferrara; <em>Tendenze</em>, a cura del Comune di Parma, Palazzo San Ludovico di Parma; nel 2002 <em>Memoria e nostalgia</em>, Ta Matete living gallery di Milano; <em>Deagu-Milano Fine Art Exhibition</em>, Deagu, Corea; nel 2004 <em>Il sentimento dell\'arte</em>, a cura di Flaminio Gualdoni, Palazzo Isolani, Bologna; nello stesso anno prende parte alla collettiva, curata sempre da Gualdoni,<em> Dipingere è amare ancora</em>, al Ta Matete Living gallery di Roma, in cui ognuno dei sei artisti selezionati espone sei opere; nel 2005 <em>Ritratto di artista, Pittori e Pasolini</em>, Forlì; nel 2009 <em>Una modella per l\'arte</em>, Aqui Terme (AL); nel 2010 <em>Omaggio ad Anna Magnani</em>, Forlì e <em>Visioni di città, </em>a cura di Paolo Maria Rocco, Castello di Piobbico, Mombaroccio, Sant\'Angelo in Vado. </p> <p>Piero Rinaldi nel catalogo della mostra personale di Faenza del 2001 scrive così dell\'artista: "La figura femminile, l\'interno in cui più spesso è collocata, lo sguardo che segue e indica due direzioni opposte, la sorgente di luce nascosta sotto l\'orizzonte in attesa di sorgere o nell\'atto di tramontare, rappresentano costanti su cui l\'artista lavora senza soluzione di continuità alla ricerca sempre più approfondita e puntuale del significato. L\'operazione che accompagna questa indagine è un progressivo togliere peso alle opere, sottraendo via via elementi ritenuti pleonastici (la scrittura) o estranei (veri e propri elementi della composizione), nel tentativo di isolare e quindi ritrarre il solo cuore dell\'intenzione dell\'artista". </p> <p>L\'arte di Ravaioli è una "coincidentiae oppositorum" in cui le ambientazioni sono "luoghi dell\'assenza", come ha scritto Silvia Pegoraro.</p> <p>Carlo Ravaioli oggi vive e lavora a Forlì.</p>'))
![Bertoldi Alberto](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/bertoldi.jpg', 'Bertoldi Alberto', 'Nasce nel 1955 in provincia di Torino e trascorre la prima infanzia tra le montagne del Canavese. <p>Pur frequentando una scuola tecnica, intorno ai quattordici anni si accosta alla pittura, seguito dall\'attenzione del padre, anch\'egli pittore dilettante. La sua personalità risulta profondamente permeata dall\'asprezza dell\'ambiente montano che rivive nel suo attuale linguaggio pittorico.</p> <p>In pittura, fatta eccezione per una breve frequentazione della scuola di nudo a Brera tra il 1974 e il 1975, può dirsi autodidatta.</p> <p>Inizia subito a esporre i propri lavori in collettive locali a Piacenza e provincia; si tratta prevalentemente di vedute fantastiche con accenti espressionistici e romantici, soggetti fortemente influenzati da un vissuto tutto trascorso tra le montagne.</p> <p>La sua prima mostra personale si tiene nel 1973, a Saint Vincent, in Val d\'Aosta, e ad essa seguono altre esposizioni in varie città italiane. </p> <p>Alla fine degli anni Settanta Bertoldi interrompe l\'attività per un lungo periodo, pur continuando a dipingere. <br /> Poco dopo i trent\'anni ricomincia un lavoro di studio, tanto intenso quanto solitario, affrontando vari temi; ora però, a differenza che nel primo periodo giovanile, i suoi interessi e modelli di riferimento escludono l\'arte del Novecento per guardare agli antichi maestri, soprattutto quelli del nord Europa, più aderenti alla sua propensione per il paesaggio e, più in generale, per l\'estetica del sublime. <br /> Dal 1992 ricomincia a esporre con regolarità; il suo lavoro incontra gradualmente l\'attenzione del pubblico e della critica, conseguendo vari riconoscimenti in importanti rassegne; contemporaneamente si affaccia l\'interesse di varie gallerie, il ché gli permette di abbandonare ogni altra attività per dedicarsi esclusivamente alla pittura. Dal 1992 a oggi allestisce oltre una trentina di mostre personali, a cui si uniscono più di una decina di monografie a lui dedicate.</p> <p>Nel frattempo, il cielo assorbe progressivamente l\'attenzione dello sguardo dell\'artista piemontese, diventando oggetto privilegiato della sua espressione. Proprio questo tema ne ha fatto, per i cultori della meteorologia, il "poeta del cumulonembo". Non a caso Bertoldi è uno dei pochi pittori italiani a cui sia stato dedicato spazio nel famoso sito "The Cloud Appreciation Society" (http://cloudappreciationsociety.org) dedicato proprio alle nuvole.</p> <p> </p> '))
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. Nel frattempo collabora con alcune delle più importanti aziende altoatesine: Doppelmayr-Agamatic, Apparatebau, Turbinebau Troyer, Pedross.</p> <p>Inoltre, sviluppa con sempre maggior convinzione quelli che chiama "progetti speciali", in un tentativo di recuperare metodologie e approcci straordinariamente efficaci di documentazione e reportage; nascono così servizi per Ceccarini, Shooting the shooters, Wonderful Mistakes, per citarne solo alcuni.</p> <p>Nel 2003, quando trova lo strumento adatto, cioè i dorsi digitali Hasselblad che gli permettono un salto qualitativo considerevole, passa alla ripresa digitale. Questa tecnica gli concede di sviluppare fortemente alcune delle sue specialità, come la ripresa dall\'altro, e lo porta sempre più a specializzasi in quelle che egli definisce "riprese impossibili": riprese panoramiche, senza distorsione, riprese con problematiche apparentemente insuperabili. Nel frattempo, sviluppa gradualmente un\'attività di consulenza sulla fotografia digitale e, in particolare, sui software di Hasselblad e di Photoshop, per la stessa Hasselblad, per aziende e fotografi.<br /> Tiene anche diversi corsi, seminari e conferenze. Diviene "Hasselblad photo partner"; per Hasselblad testa i nuovi prodotti e le versioni "beta" dei software; è consulente e product tester per il Gruppo Manfrotto e consulente per l\'archivio fotografico e per il controllo della qualità digitale per il Gruppo FMR-ART\'E\'.<strong><br /> </strong>Attualmente si divide tra progetti editoriali auto-prodotti e servizi "tecnologici" per il Gruppo Manfrotto sui marchi Manfrotto, Gitzo, Avenger; per Monier Roofing e per alcune delle più importanti aziende altoatesine (alle già citate si aggiunge la Provincia Autonoma di Bolzano).<br /> Due libri a cui lavora vengono premiati con importanti riconoscimenti: il primo, realizzato per gli antiquari milanesi Cesati, è premiato alla Tefaf, fiera dell\'antiquariato di Maastricht, come migliore pubblicazione del settore; il secondo <em>Alta Cucina in Alto Adige</em> (Ideal Edizioni), dedicato ai più importanti cuochi del Sud Tirolo, è premiato nel 2007 con il "Gourmand World Cookbook Award" per la migliore fotografia nel settore food in Italia.<br /> Negli ultimi anni sviluppa le proprie collaborazioni nel campo dell\'arte: collabora ancora con FMR-ART\'E\' e inizia un intenso e appassionante lavoro con enti culturali e istituzioni del Sud Italia, in particolare di Napoli. Crea inoltre con Acme21 (in partnership con Massimiliano Sanpaolesi, apprezzato restauratore napoletano) una struttura specializzata in servizi avanzati per i Beni Culturali.</p> '))
 e nel 1992 i Musei Civici di Reggio Emilia gli dedicano una mostra antologica, con un saggio in catalogo di Luciano Caramel.</p> <p>Partecipa alla collettiva <em>Itinerari di arte contemporanea</em> (Lisbona, 1986) e alla Biennale Internazionale de II Cairo (1995); poi, nel 1999 è la volta dell\'esposizione alla Fondazione Gulbenkian di Lisbona.</p> <p>Nel 2000 Davide Benati ha esposto presso la Maison du Livre di Aix en Provence e alla Gam di Montecarlo; nel 2001 Silvana Editoriale pubblica la monografia <em>Davide Benati</em>, curata da Flaminio Gualdoni; nello stesso anno l\'artista espone alle gallerie Patrizia Poggi di Ravenna e Alberto Peola di Torino. </p> <p>Nel 2003 tiene una personale a Palazzo Magnani di Reggio Emilia, con catalogo a cura di Sandro Parmigiani. Nel 2005 la galleria G7 di Bologna gli dedica una mostra personale. </p> <p>Nel 2006 espone alla Galleria Malborough di Montecarlo ed è sempre qui che presenta, nel 2009, le sue <em>Opere recenti</em>.</p> <p>Oggi insegna anatomia all\'Accademia di Belle Arti di Bologna.</p>'))
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 e <em>The Italian Wave</em> (Holly Solomon Gallery di New York). Nel 1981 è prima ad Amsterdam, poi a Roma, al Palazzo delle Esposizioni e alla Galleria Nazionale d\'Arte Moderna. Dopo l\'ampia retrospettiva organizzata nel marzo 1982 da Massimo Minini al Museum van Hedendaagse Kunst di Gand, nell\'aprile dell\'anno seguente sono riunite al Kunstmuseum di Lucerna le sue opere più significative, proposte poi al pubblico francese, al Nouveau Musée di Villeurbanne, Lione. Nell\'estate del 1984 Maurizio Calvesi invita Salvo ad <em>Arte allo specchio</em>, rassegna organizzata in occasione della XLI Biennale di Venezia. Nell\'86 espone lavori recenti da Barbara Gladstone a New York e alla Galleria del Milione di Milano; segue nel dicembre \'87 la grande retrospettiva alla Rotonda di via Besana, con testo di Renato Barilli in catalogo. </p> <p>Nel 1988 prima il Museum Boymans-van Beuningen di Rotterdam poi il Musée d\'Art Contemporain di Nîmes presentano l\'itinerario percorso da Salvo negli ultimi dodici anni.</p> <p>Nel gennaio 1989 si apre la sua ultima mostra a Colonia da Paul Maenz, che nel 1990 cessa l\'attività. Nel 1992 alla Galerie Kaess-Weiss di Stoccarda s\'inaugura una personale in cui appaiono recenti paesaggi montani, stazioni ferroviarie e chiese umbre che una luce metafisica astrae dal tempo.</p> <p>Nonostante una pausa del lavoro a fine del 1992 per motivi di salute, le mostre si susseguono fino alla fine del 1994, quando inaugura l\'importante esposizione a Stoccarda. L\'anno seguente Renato Barilli lo invita alla mostra <em>I nuovi-nuovi </em>alla Galleria Civica d\'Arte Moderna di Torino.</p> <p>Tra il \'96 e il \'97 sue personali si susseguono a Torino, Milano, Firenze, a Santa Cruz de Tenerife, nella Galerìa Leyendecker e a Colonia, alla Galerie Buchmann. Tra le collettive<em>: Theories of the Decorative</em>, a Washington DC, Baumgartner Galleries, <em>Luci del Mediterraneo</em> a Torino, Palazzo Bricherasio, <em>Fuori uso</em>, a cura di Giacinto Di Pietrantonio e<em> Arte italiana. Ultimi quarant\'anni. Pittura iconica</em> alla GAM di Bologna. Nel 1998 a Bologna, a Villa delle Rose, è la volta di una grande retrospettiva curata da Renato Barilli, Danilo Eccher e Dede Auregli, a cui segue, nel luglio 1999, un\'altrettanto ampia retrospettiva nel suggestivo ex-convento dei Cappuccini di Caraglio, in Piemonte, a cura di Luca Beatrice. Nello stesso anno partecipa alle collettive <em>Minimalia</em> al P.S.1 Contemporary Art Center di New York, a cura di Achille Bonito Oliva, e <em>Proiezioni 2000</em> al Palazzo delle Esposizioni di Roma.</p> <p>Nel 2002 è invitato al Palazzo delle Papesse di Siena alla collettiva <em>De gustibus</em>, a cura di Bonito Oliva e Risaliti, e a <em>Private/Corporate</em> al Daimler Chrysler Contemporary di Berlino.</p> <p>Alla Galleria d\'Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo, Giacinto Di Pietrantonio organizza <em>Gabriele Basilico e Salvo-Paesaggio contemporaneo</em>. </p> <p>Il 2004 è l\'anno di numerose collettive in varie città italiane, oltre a due grandi personali, al museo di Ulm e <em>Salvo - opere 1974-2004 </em>da Mazzoleni Arte Moderna a Torino, in cui sono esposte oltre cento opere, di cui sessanta oli.</p> <p>Nel 2005 partecipa alla XIV Quadriennale di Roma e alla II Biennale di Pechino, alla collettiva <em>War is over</em>, nella Galleria d\'Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo. Sul finire dell\'anno, dopo una breve pausa, la sua pittura si avvia verso una ricerca nuova che vede introdurre nei paesaggi un nuovo taglio prospettico.</p> <p>Nell\'estate 2006 espone a Varese, Reykjavik, Genova e Trento e partecipa a numerose collettive, tra cui <em>Sicilia!</em> ad Acireale, a cura di Marco Meneguzzo, <em>Arte contemporanea per i rifugiati</em> a Roma, a cura di Danilo Eccher, <em>Ironica</em> al Refettorio delle Stelline, a Milano, a cura di Valerio Dehò ed Elena Pontiggia.</p> <p>Tra le più recenti consacrazioni vi è la grande retrospettiva del 2007 alla Galleria d\'Arte Moderna di Torino, a cura di Pier Giovanni Castagnoli.</p> <p>Nel 2009 realizza per FMR-ART\'E\' gli interventi artistici dell\'opera <em>Mundus Novus</em>: sei tavole originali e due sculture a bassorilievo, l\'una per la prima di copertina (<em>Croce del Sud</em>), l\'altra per la quarta di copertina (il trittico <em>La riva</em>). </p>'))
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 e nel 1996 presso la galleria Turelli di Pistoia. Nel 1997 lascia l\'insegnamento per dedicarsi completamente alla sua ricerca espressiva simbolica. Nel 1999 aggiunge una nuova sperimentazione scultorea con fusioni in vetro di opere di grandi dimensioni che si possono ammirare presso la galleria d\'arte Daniele Luchetta di Venezia. Nel 1998 partecipa ad <em>Ancona Arte</em> e a <em>Padova Arte</em>; nel 1999 tiene una personale alla galleria Arte e Arte di Bologna e nel 2000 presso la galleria Lucchetta di Venezia. </p> <p>Così l\'artista racconta la sua ricerca: "Ho immaginato fin da bambina di poter fare dell\'arte il mio lavoro e ringrazio quella forza interiore che ha fatto capire ai miei genitori che era la mia strada. Dopo il Liceo Artistico e l\'Accademia di Belle Arti, mi sono dedicata all\'insegnamento e alla ricerca di un linguaggio personale che mi ha portato ad interessarmi sempre più alla simbologia e alla conoscenza degli archetipi. Questo cammino mi ha rivelato la presenza di un codice che si esprime attraverso i simboli e comunica in modo universale superando le barriere della mente razionale. Amo raccontare la mia esperienza spirituale attraverso le mie opere, che evocano quella luce che a volte irrompe all\'improvviso nel silenzio."</p> <p>Cieli stellati e cattedrali gotiche sono la sua vera passione, coltivata con intensità e pazienza nel corso degli anni, con risultati eccellenti e, a volte, sorprendenti. L\'artista bolognese continua così la propria attività, con puntuale serenità programmatica, per tener vivo il proprio sguardo sull\'orizzonte creativo che si richiama a simboli e ad alcuni segni distintivi dell\'arte.</p> <p>Nell\'ultimo decennio Patrizia Merendi cura progetti innovativi di valorizzazione artistica di diversi luoghi di culto, attraverso l\'installazione di vetrate realizzate con varie tecniche di lavorazione quali la vetrofusione e la pittura a <em>grisailles</em>. Nel 2011 partecipa alla 54a edizione della Biennale di Venezia (Padiglione della Repubblica di San Marino) con l\'opera <em>Schermi Cosmici</em>, un\'installazione in vetrofusione e oro.</p> <p>Loretta Guerrini ha scritto di lei: "Come immagine di un altrove inadeguato alla sua stessa idea o concetto, il cielo costituisce da sempre, nell\'arte, uno dei soggetti privilegiati per esprimere l\'ineffabile. Per Patrizia Merendi diventa la soglia enunciativa di una luce che si infrange nel diradarsi centrale di ciò che è opaco. L\'occhio dell\'osservatore non deve essere folgorato da quella fonte luminosa che ci ricorda Turner, ma seduttivamente invitato da ciò che la raccoglie: grappoli di cirri, nuvole, nembi, profilati da riflessi di trame tormentate. La figurazione del tutto è incentrata nel disvelamento e il richiamo ai modelli classici è inevitabile. Se i cieli di Turner tendono a esplodere come sfondati dal fragore del fuoco di una lente convessa, quelli di Patrizia si raccolgono dall\'esterno al centro. Se dei primi i contorni perimetrali sembrano fatti apposta per essere violati, i secondi custodiscono silenziosamente i contorni di uno sguardo interiore. Questi cieli non sono quelli di un esterno, questi cieli dai tratti opalescenti sono quelli di un interno. [...] Quella di Patrizia sembra la ricerca espressiva di un ritorno. Dalle luci frantumate della notte al grembo luminoso del tramonto che costituisce nell\'esperienza di ogni uomo l\'orizzonte della gestazione, dove può apparire quella luna capace di illuminare le sue notti..." (in <em>Patrizia Merendi. Pastelli e Incisioni</em>, Bologna, 1998).</p> <p>Patrizia Merendi vive e lavora nella periferia di Bologna.</p> '))
, in cui de Felipe sembra tentare un ritorno dell\'immagine pubblicitaria alla sua funzione originaria.</p> <p>Nei cicli successivi compaiono volti noti di personaggi del cinema (le grandi muse sono Audrey Hepburn e Marilyn Monroe), in un continuo dialogo tra logotipi e simboli, ma anche tra canoni estetici appartenenti a diversi momenti artistici. I molti spunti che il cinema offre divengono pretesto per l\'autore per raccontare storie della realtà quotidiana.</p> <p>Grande appassionato della cultura del grande schermo, de Felipe nel 1997 collabora con Pedro Almodóvar per il film <em>Carne tremula</em>, ma già dall\'inizio della sua attività guarda a personaggi di Walt Disney, quali Mickey Mouse o Bugs Bunny, ma anche King Kong. Questi appartengono al suo immaginario, ma anche a quello di ognuno di noi. Le icone che compaiono nei suoi quadri, quindi, risultano molto riconoscibili ed evocative. Compito dello spettatore è investigare tra numerosi rimandi, associazioni e giochi di parole; un\'arte di non facile lettura, dunque, come a volte è stata considerata, piuttosto un\'arte che possiede diversi livelli di comprensione, che appare semplice, ma che in realtà deriva da un processo creativo complesso e che passa attraverso molti stati d\'animo. </p> <p>La personale di de Felipe curata da Flaminio Gualdoni e allestita nel 2004 alla galleria Ta Matete di Roma, presenta trenta opere realizzate dall\'artista spagnolo tra il 2001 e il 2004, in gran parte acrilici su tela, in cui si ritrovano alcuni dei suoi cicli più conosciuti, come quello che ha per soggetto il volto di Marilyn Monroe - reinterpretato ora alla maniera di Picasso, ora di Miró, ora di Matisse, ora di Warhol - e quello di <em>Guerre Stellari.</em></p> <p>Ritroviamo l\'artista nella collettiva <em>Viva il pop</em> che si tiene nel 2006 allo spazio Ta Matete di Bologna. Fra le numerose mostre che Antonio de Felipe tiene in Spagna, ricordiamo quelle tenutesi alla Casa de Vacas e alla Galleria Levy di Madrid, alla galleria María José Castellví di Barcellona, al Museo de la Ciudad di Valencia, alla Fundación Bizkaia Kutza di Bilbao, oltre alle tante presenze in sedi pubbliche e istituzionali a Cadice, Granada e in numerose altre città. Anche in ambito internazionale spiccano le esposizioni alla Galleria Levy di Amburgo e le partecipazioni a fiere internazionali, come quelle di Colonia, di Bruxelles e ARCO a Madrid.</p> <p>Per venire ad anni più recenti, nell\'aprile 2010 presenta la sua mostra <em>Popsport</em> al Palazzo della Musica di Valencia, nel febbraio 2011 è a Stoccolma per la rassegna internazionale <em>Art Anglais</em>, mentre nell\'aprile dello stesso anno è alla Casa de Vacas con <em>LPop</em>, un tributo alla musica moderna.</p> <p>Sue opere sono conservate in importanti collezioni pubbliche e private, fra cui il Museo Nacional de Arte Reina Sofía, la Colección Testimoni de la Caixa e la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza.</p> <p>Artista multidisciplinare, de Felipe non si limita a pittura e scultura e percorre ulteriori vie espressive: realizza scenografie per Telemadrid, crea stoviglie d\'artista per la fabbrica Santa Clara<strong>, </strong>collabora a importanti testate, come "ByN Dominical", magazine domenicale di "ABC", "El País"<strong>, </strong>"El Mundo", "Marie Claire", "Elle", "Rolling Stone" e molte altre ancora.</p> <p>Antonio de Felipe vive e lavora a Madrid.</p> '))
 all\'Istituto d\'Arte della sua città. Allievo di Emilio Notte, frequenta il corso di pittura all\'Accademia di Belle Arti di Napoli e tiene a Padova la sua prima mostra personale.</p> <p>Nel 1958 partecipa con Guido Biasi, Bruno Di Bello, Sergio Fergola, Luca (Luigi Castellano) e Mario Persico alla fondazione a Napoli del "Gruppo 58", collegato con il "Movimento Nucleare" (guidato da Enrico Baj a Milano e con i gruppi "Phases" a Parigi, "Spur "a Monaco e "Boa" a Buenos Aires). Nel 1959 aderisce al "Manifeste de Naples" e partecipa attivamente alla creazione della rivista "Documento Sud", rassegna di arte e di cultura di avanguardia. <br /> Soggiorna a Matera, dove lavora, oltre che come pittore, come professore di ceramica nell\'Atelier della Martella, creato dai fratelli Cascella e dall\'architetto Quaroni. Decora la cupola della Chiesa di Sant\'Antonio, a Stigliano, con una pittura di 80 metri quadrati, <em>Storie di Antonio da Padova</em>.</p> <p>Nel 1960 si trasferisce a Milano su invito di Enrico Baj e di Arturo Schwarz e tiene una personale nella Galleria Schwarz. Nel 1961 ottiene a Pittsburg il "Carnegie International Award" e presenta la sua prima personale a New York. Nel 1962 tiene una conferenza sulla propria ricerca nel corso di Eugenio Battisti all\'Università degli Studi di Genova. Progetta arredamenti d\'interno, in collaborazione con numerosi architetti. Nel 1964 realizza insieme ad altri artisti, tra cui Baj e Fontana, il <em>Labirinto del Tempo Libero</em> alla XIII Triennale di Milano, ottenendo uno dei premi internazionali; partecipa alla XXXII Biennale di Venezia; si trasferisce a Parigi, dove abita nel vecchio studio di Max Ernst.</p> <p>Nel \'65 viene nominato membro sia del Comitato di selezione del Salon de la Jeune Peinture sia del Salon de Mai. Alla XXXIII Biennale di Venezia è presente con una sua sala personale.</p> <p>Invitato per un anno come "visiting professor" all\'Istituto delle Arti a Minneapolis (USA), partecipa nel 1967 all\'organizzazione della mostra <em>De Metafisica</em> nella Galleria Kruger di Ginevra, dove espone assieme a de Chirico, Carrà, Morandi, De Pisis, Sironi e Gnoli.</p> <p>La sua prima personale a Parigi risale al 1968; lo Stato francese acquisisce due sue opere e allestisce la "sala metafisica" al Museo di Grenoble (de Chirico, Max Ernst, Herbin, Carrà, Nevelson, Del Pezzo), commissionandogli, inoltre, due grandi sculture all\'aperto per un complesso di architetture scolastiche. Nel \'69 è invitato a Cuba al Festival Mondiale dei Popoli, dove presenta la scultura <em>La Tomba</em><em> di Marat</em>. La nuova università di Leverkusen gli commissiona un allestimento (poi non realizzato) di sculture per il campus. Nel \'70 tiene la retrospettiva, curata da Arturo Carlo Quintavalle, all\'Università di Parma e inizia la collaborazione come progettista grafico con la Olivetti; l\'anno successivo tiene alla Sorbona uno stage alla facoltà di Psicologia applicata, in qualità di assistente agli atelier d\'arte; realizza un bassorilievo in acciaio inossidabile dipinto per un edificio di Giò Ponti a Milano.</p> <p>Negli anni seguenti s\'intensifica il lavoro per la Olivetti, a cui si aggiunge la collaborazione con il gruppo Renault Italia e nel \'73 per il Centre Pompidou di Parigi realizza un\'opera, <em>Il muro</em>, che copre due lati della palizzata del cantiere di costruzione del Beaubourg.</p> <p>Nel 1974 il Comune di Milano gli dedica una retrospettiva alla Rotonda della Besana, curata da Guido Ballo; nel 1976 il Centre Pompidou gli affida uno stage di animazione sul teatro all\'Atelier des Enfants, mentre nel 1978 le Officine Italsider di Taranto gli dedicano una mostra riservata alla sua produzione di multipli e stampe e gli commissionano alcune sculture in ferro.</p> <p>Nel 1979 ritorna definitivamente in Italia stabilendosi a Milano, dove, dall\'80 all\'83 espone allo Studio Marconi le opere del ciclo dedicato a de Chirico<em>, Paraphrases</em>. </p> <p>Nel frattempo, negli anni dal 1963 al 1979 insegna grafica e illustrazione come assistente alla Scuola d\'arte del Castello e tiene insieme ad altri artisti italiani una serie di incontri e di lezioni in alcune università e college in California.</p> <p>Guido Ballo lo invita nell\'84 a prendere il posto di Emilio Tadini come titolare della cattedra di Pittura sperimentale alla nuova Accademia di Belle Arti a Milano. In questo periodo Del Pezzo lavora al progetto di un film didattico sulla sua pratica artistica. Nell\'86 progetta le scenografie dell\'opera <em>Samarcanda</em> di Evelina Schatz, realizzata nei giardini del Museo d\'Arte Moderna a Milano, per un concerto di musica antica nel chiostro della chiesa Ognissanti a Firenze e per una presentazione dell\'opera <em>La festa del Principe</em> di Lambertini e Barra al Festival Vesuviano di Ercolano. Nel 1988, su invito dell\'Unione degli Artisti Russi, espone insieme ad altri venti artisti italiani al Palazzo degli Arti a Mosca. Al 1990 risale la scenografia per il balletto <em>Sogno di una notte di mezza estate</em> nel teatro Valli di Reggio Emilia e nel Teatro Verdi di Parma, mentre l\'anno successivo è invitato in Giappone, dove l\'architetto Alhadeff gli commissiona una scultura per la ditta Sunstar di Osaka.</p> <p>A Mantova, nella Casa del Mantegna, si tiene la personale<em> Omaggio ad Andrea Mantegna</em> (1994). Nello stesso anno conclude la collaborazione con le aziende Olivetti e Renault Italia. <br /> Dopo un periodo di viaggi in India, Nepal e Polinesia, nel 1997 riceve il "Premio Imola", in occasione del quale Luigi Lambertini pubblica la monografia <em>Pagine a Zig-Zag</em>. <br /> Su commissione dell\'architetto Marco Zanuso, nel 1998 realizza una grande pittura per la sede milanese della casa di moda Gianfranco Ferré. Nell\'anno 2000 disegna quattro grandi rilievi ceramici e una plastica in bronzo per due stazioni della nuova metropolitana di Napoli e l\'Istituto Mathildenhöhe di Darmstadt presenta la prima grande restrospettiva della sua opera in Germania.</p> <p>Lucio Del Pezzo vive e lavora a Milano.</p> '))
. </p> <p>Partecipa alle prime due edizioni del "Premio Città di Nova Milanese" (1999 e 2000), ricevendo una segnalazione. Finalista del concorso "Arte2000", promosso dalla rivista "Arte" del Gruppo Giorgio Mondadori, tiene una mostra personale alla Libreria del Giallo a Milano e partecipa al "Premio Pavia Giovane Arte Europea", che si svolge nel settembre 2001 al Castello Visconteo.</p> <p>Sempre nel 2001 tiene la mostra personale <em>Sfumature: dal giallo al noir</em>, Villa Gargantini, Paderno Dugnano (MI); nel 2004 prende parte a tre collettive curate da Flaminio Gualdoni: <em>Il sentimento dell\'arte,</em> Palazzo Isolani, Bologna, <em>Strategie del corpo</em> e <em>Dipingere è amare ancora</em>, entrambe allestite al Ta Matete living gallery di Roma. </p> <p>Del 2006 è la personale <em>Scenografia in bianco e nero</em> allo spazio Kiklonas di Milano.</p> <p>Tra le collettive ricordiamo: nel 2002, <em>Memoria e nostalgia,</em> al Ta Matete living gallery di Milano, nel 2003, <em>Meraviglia</em>, al Ta Matete di Roma; sempre nel 2003 partecipa al Premio Nazionale di Pittura "Treccani degli Alfieri", Montichiari (BS); nello stesso anno è presente al <em>Daegu-Milano Fine Arts Exhibition</em>, Daegu Culture and Arts Center, Corea del Sud, dove sarà anche per le edizioni 2004 e 2005. Nel 2004 è a Torino per l\'Anteprima della XIV Quadriennale di Roma; nel 2005 al Forte Prenestino, Roma, nel 2006 alla Broadway Art Gallery di New York con <em>Continue to descend</em>.</p> <p>Umberto Torricelli è un grande appassionato di fumetti (di cui è anche maniaco collezionista). Tra gli autori predilige Andrea Pazienza, Stefano Tamburini e Tonino Liberatore, ma anche Hugo Pratt. Le sue opere sono influenzate da Will Eisner, in particolare nelle storie di <em>The Spirit</em>, in cui si ritrova un\'atmosfera analoga a quella delle sue opere. È affascinato anche dai grandi autori del passato, come Alex Raymond e Lee Falk, e da personaggi come Dick Tracy di Chester Gould, o Blake & Mortimer di Edgar P. Jacobs. </p> <p>Dai tanti libri gialli che legge trae ispirazione per i personaggi dei suoi quadri, e anche i titoli spesso derivano da citazioni di brani o da nomi dei protagonisti. </p> <p>Pur non disdegnando il giallo classico all\'inglese, le atmosfere che predilige sono quelle dello <em>hard boiled</em> e del <em>noir</em>, quindi Dashiell Hammet, Raymond Chandler, James Cain, Cornell Woolrich, Jim Thompson, Ed McBain oppure, sul versante europeo, il <em>noir</em> francese di Léo Malet, Boris Vian, Jean Patrick Manchette, Jean Claude Izzo e Didier Daeninckx, senza dimenticare Georges Simenon e Giorgio Scerbanenco. </p> <p>Per quanto riguarda il cinema, fonte d\'ispirazione sono i <em>gangster movies</em> degli anni Trenta, i film <em>noir</em> degli anni Quaranta e Cinquanta e il grande Alfred Hitchcock. Di questi registi apprezza lo stile duro e aspro, la fotografia contrastata e il buio inquietante. Gli piacciono i detective duri, le <em>dark ladies</em>, i perdenti (film come<em> Piccolo Cesare</em>, <em>Nemico pubblico</em>, <em>Una pallottola per Roy</em>, <em>L\'ombra del passato</em>, <em>Il grande sonno</em>, <em>La fiamma del peccato</em>, ma anche come <em>Il bacio della pantera</em> o <em>Phantom Lady</em>).</p> <p>L\'artista, che tra i pittori moderni ama Hopper, Freud, Bacon e i grandi ritrattisti, si racconta così: "Le mie figure vengono da una storia di percezioni, da un retaggio d\'immagini, di visioni, abiti, colori, contrasti. La sceneggiatura la scrivo così, attraversando fotogrammi del mio immaginario, per poi, in veglia, trasferirli senza nome nei miei colori, quale nuovo fotogramma di una storia in immagini che ogni giorno viene snodandosi e modificando, sorprendendomi sempre".</p> '))
 dove il colore si dilata e si aggruma in un variare leggero di tonalità, armonie cromatiche lievi e precise. <br /> Nel 1997 tiene la personale <em>Quattro ritratti</em> presso la Libreria delle Donne di Bologna, con un catalogo presentato da Doriana Chiarini. Nel 1999 espone a Bologna al Circolo Culturale della Grada e alla Sala Benjamin, con il patrocinio dell\'Assessorato alla Cultura e una presentazione di Guido Armellini. Nel 2000 allestisce una mostra presso il Centro Culturale Loggia della Fornace a Rastignano (BO) e nel 2001 tiene una personale alla galleria L\'Ariete di Bologna, con una presentazione di Silvia Evangelisti, allora vice-Direttore dell\'Accademia di Belle Arti di Bologna e oggi Direttore artistico di Arte Fiera. </p> <p>Nel 2002 collabora con ART\'E\' per il progetto Ta Matete. Nel 2003 all\'Accademia di Belle Arti di Bologna ha l\'occasione di completare la sua formazione con studi teorici, che spaziano dalla storia dell\'arte all\'estetica all\'antropologia, e pratici: qui sperimenta le più svariate tecniche pittoriche e incisorie. </p> <p>Nel 2005 espone prima <em>Trasparenze</em> allo spazio Winicot 21g di via Porta Nova, poi <em>Iridescenze </em>allo <em>show room</em> Alessandra Fontanelli di via Santo Stefano; nel gennaio 2006 è al Centro San Domenico (Cappella Ghisilardi) con <em>Fior... di parole</em>. <br /> Nel 2009 all\'Accademia di Bologna consegue il diploma in Pittura con una tesi di riflessione sulle radici del proprio lavoro. Dal 2010 frequenta l\'atelier-stamperia delle Magnifiche Editrici, producendo raffinate opere grafiche col loro marchio. Nel maggio 2010 espone allo spazio Azimut per "un incontro tra finanza e arte"; nello stesso anno partecipa al progetto sostenuto da Silvia Evangelisti<em> Trenta artiste per Santo Stefano</em> (col patrocinio di Comune, Provincia e Regione Emilia-Romagna): una mostra per finanziare i restauri della Basilica,<em> </em>che si conclude l\'1 dicembre con l\'asta, in collaborazione con Sotheby\'s, nel chiostro delle Sette Chiese. Nel settembre 2010 espone l\'opera <em>Fiori a carnevale</em> ad Arte Libro, Fiera del libro d\'artista, di Bologna. </p> <p>Il numero di settembre 2010 della rivista "I Martedì" del Centro San Domenico di Bologna viene illustrato con una serie dei suoi acquerelli.</p> <p>Nel gennaio 2011 è presente a Parigi al <em>Museum expressions</em> (Salon de l\'objet et du marketing culturel); espone inoltre alla collettiva <em>Equilibri Armonici - Art&Design </em>(Sessantaquattrorosso, Firenze, maggio 2011) e, nel giugno seguente, la personale allestita presso lo spazio Capo di Lucca, intitolata <em>Arie d\'estate</em>,<em> </em>durante la cui inaugurazione lancia il suo sito web come mezzo attraverso cui conoscere la propria arte e dare parola alle sue opere servendosi del linguaggio della rete. </p> <p>Nel settembre 2011 espone, in occasione di Artelibro, a Palazzo Re Enzo, il libro d\'artista <em>Tracce delle origini</em>, mentre in ottobre dello stesso anno propone una selezione antologica presso Il mondo di Eutèpia, lo spazio bolognese di via Testoni 5/e.</p> <p>Così scrive di lei Silvia Evangelisti: "Nei dipinti di Sandra Senni non compaiono mai figure animate, persone, eppure i suoi soggetti non sono <em>inanimati</em>; Senni non ha scelto un ‘genere\', non dipinge ‘nature morte\', ma solo e semplicemente ciò che esiste, nella naturalità dell\'essere, dell\'esserci nel mondo, quotidiano, feriale, <em>normale</em>. Un\'aria leggera sfiora le cose, i tralci di verde, i fiori spampinati, i petali diafani nella trasparenza dell\'acquerello, gli oggetti quotidiani, quasi che la pittura abbia la capacità di riconsegnare la trasparenza di un bicchiere, la compattezza di un barattolo, il profumo di un fiore, la fragilità della natura, il suo vivere appena un attimo in quel taglio di luce e in quella densità cromatica, ma un attimo che si perpetua sempre diverso e sempre uguale in ogni attimo del tempo. La sua pittura è leggerezza nel fluire di forme e di colore, come ‘stati d\'animo\', che divengono interpretazione poetica personalissima della natura e del mondo, segnata dal riaffiorare di memorie, di luci, di silenzi, espressione visiva di un ineludibile sentimento della precarietà umana, segnata da una sottile ansia sommessa. Leggerezza d\'animo ed equilibrio di forme, instabile nel segno e nel colore, usati con giudiziosa parsimonia, a creare in queste carte una suggestione di memorie filtrate, di mondi famigliari, di tempi trascorsi, di solitudini..." (in <em>Sandra Senni. Cendre de roses brune</em>, Bologna 2001).</p> '))
![Caboni Leonardo](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/CABONI.jpg', 'Caboni Leonardo ', '<p>Leonardo Caboni nasce a Roma nel 1960. Dopo aver frequentato il Liceo Artistico di via Ripetta, si iscrive al corso di pittura dell\'Accademia di Belle Arti, dove si diploma col massimo dei voti nel 1983.</p> <p>Da sempre dedica il suo interesse alla pittura di figurazione e già dagli anni del liceo si interessa molto alla pittura di Giorgio de Chirico, attraverso il quale scopre Arnold Böcklin, che da allora ammira incondizionatamente. Non è un caso che anche il maestro svizzero, che soggiornò a Roma, si recasse a disegnare e a prendere appunti per le sue ambientazioni classico-mitologiche sul Tuscolo - alle cui pendici da sempre vive e lavora Caboni - uno dei siti archeologici più ricchi di quella che notoriamente viene denominata "Campagna romana", meta obbligata edipinta da tutti gli artisti giunti in Italia per il "Grand Tour"...</p> <p>Con questi due poli d\'interesse - Böcklin e de Chirico - la ricerca che Caboni coltiva non può che essere sottile e segreta. Come scrive Pier Paolo Racioppi su "Arte e Critica" in occasione della sua prima personale "... nei soggetti [è] di sapore surrealista, ma di un surrealismo contenuto nei limiti del possibile...". È per questo che si è sempre parlato per lui di un realismo irrealistico.</p> <p>Alla fine degli anni \'90 la tecnica si fa sempre più importante, e da quadri realizzati interamente a olio, Caboni si dedica alla tempera, per poi ultimare il dipinto con velature a olio: ciò gli consente di entrare nei particolari più minuti del soggetto. Questa tecnica non è finalizzata a un effetto virtuosistico, ma è mirata a creare l\'atmosfera di ogni dipinto.</p> <p>Nel 1985 partecipa alla prima edizione del Premio "Arte Mondadori" e vince il secondo premio; nella giuria vi sono Oreste del Buono, Giorgio Soavi ed Enrico Baj, che lo incoraggiano a continuare a esplorare il figurativo attraversato dalla sua vena fantastica.</p> <p>Nel 1988, con la prima versione di <em>Giocavi nuovi giorni annunziando</em>, partecipa all\'esposizione del XXII Prix International d\'Art Contemporain de Montecarlo e rappresenta l\'Italia insieme ad altri sei artisti, tra i quali l\'anacronista Bruno d\'Arcevia. In questo periodo si sviluppa, infatti, l\'anacronismo, e la critica ufficiale si riavvicina dopo anni alla pittura figurativa.</p> <p>Negli anni 2000, ai quadri di immaginazione affianca anche la ritrattistica. Esegue numerosi ritratti, attività che continua anche oggi: la committenza, calata nelle sue storie dipinte, diviene protagonista di rappresentazioni surreali.</p> <p>Il primo dipinto realizzato nel 2002 è una testimonianza del mai sopito interesse per Böcklin: <em>Le delizie del volo</em> è il titolo di questo omaggio in cui alla finestra è lo stesso Böcklin che, con un gesto da prestigiatore, libera due colombe.</p> <p>Espone in varie mostre personali e collettive sia alla Galleria Davico di Torino sia alla Galleria Incontro d\'Arte di Roma. Nel 2008, in occasione della collettiva romana <em>Al seguito dell\'immaginario. Omaggio ad Arnold Böcklin</em>, conosce Hans Holenweg, massimo esperto del maestro svizzero che, nel 2009, in occasione della personale <em>La realtà incantata</em> alla Galleria Davico, acquisterà la seconda versione de <em>Le delizie del volo</em> per esporla nell\'archivio böckliniano, da lui creato e ora custodito al Kunstmuseum di Basilea. Nell\'estate 2011 quindici suoi dipinti vengono esposti in Russia, al "Viva Italia Contemporary Art" (Manege-San Pietroburgo); poi, nell\'autunno dello stesso anno sarà la volta della mostra collettiva <em>Dreamscape</em> alla Galleria Davico.</p> '))
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![Festari Mara](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/FESTARI.jpg', 'Festari Mara', 'Nata nel 1979 a Borgomanero, in provincia di Novara, si diploma al Liceo Artistico di Novara e frequenta l\'Accademia di Brera a Milano, indirizzo Pittura, sotto la guida del professor Nicola Salvatore. <p>Premiata nel 2000 al Salon I, Accademia di Brera, Palazzo della Permanente, Milano e al "Premio Stella", concorso giovani artisti delle Accademie d\'Italia, Palazzo Stella di Crespellano, Bologna. Nello stesso anno alla Biennale di Pittura "Lions Club", Villa San Carlo Borromeo, Milano, alle esposizioni di ceramiche presso l\'istituto COVA di Milano presso la Galleria Sargadelos, Milano,<em> </em>oltre che alla rassegna<em> Tra Arte e Champagne</em>, Brera e Nicolas Feuillatte, Sala Napoleonica di Brera, Milano.</p> <p>Nel 2001 partecipa a un workshop con l\'artista Enzo Cucchi.</p> <p>Nel 2002 partecipa a <em>Memoria e nostalgia</em>, la mostra d\'inaugurazione della living gallery Ta Matete di Milano ed è presente ad <em>Ausstellungsreihe Junger Kunstlerinnen Aus Italien</em>, Kulturzentrum Alte Kaserne, Winterthur, in Svizzera.</p> <p>In questo periodo rimane affascinata da Joseph Kosuth e dai suoi <em>ready made</em> e, partendo da questa lezione autorevole, imbocca una strada del tutto originale: dipinge le ombre di persone e oggetti, mettendo in posa i suoi modelli e senza ricorrere al mezzo della fotografia. Dipinge in modo bidimesionale, senza ricorrere ad artifici né alla prospettiva. </p> <p>Una pittura del quotidiano, la sua, nata per caso, guardandosi attorno ma che finisce per cogliere anche aspetti inediti della realtà.</p> <p>Nel 2003 espone alla mostra collettiva <em>Meraviglia</em> che si tiene alla living gallery Ta Matete di Roma e alla <em>Daegu - Milano Fine Art Exibition</em>, Culture and Arts Center, a Daegu, in Corea.</p> <p>Nel 2004 è presente all\'Anteprima della Quadriennale di Roma che si tiene a Torino. Nello stesso anno è tra gli artisti che espongono a <em>Il sentimento dell\'arte</em>, mostra collettiva a cura di Flaminio Gualdoni, Palazzo Isolani, Bologna; è ancora al<em> Daegu - Milano Fine Art Exibition</em> e a <em>Fantastico quell\'anno settantanove</em>, a cura di Maurizio Sciaccaluga, Vulcano Art Gallery, Caivano, Napoli; infine al "Premio Arte 2004", Palazzo della Permanente, Milano.<br /> Nel frattempo, al termine degli studi, si specializza con un Master in comunicazione e organizzazione delle arti visive (2004). Nello stesso periodo approccia il mondo di Internet e, dopo alcune esperienze lavorative sia in campo artistico che in campo editoriale e curatoriale, inizia a lavorare in una piccola agenzia pubblicitaria occupandosi di progettazione grafica, impaginazione e sviluppo di pagine web.</p> <p>Nel 2007 decide di indirizzare il suo lavoro verso una declinazione più progettuale e trova spazio in un\'azienda del novarese specializzata in ICT. </p> <p>Dal 2009 è come web designer presso The Fool s.r.l., società del gruppo Giacomini Investimenti. </p> <p>Oggi Mara Festari vive e lavora a Marano Ticino, in provincia di Novara. </p>'))
 ma anche di scorci urbani e rovine antiche, la presenza dell\'uomo è soltanto evocata, mai palesata. L\'insieme del suo lavoro può essere visto come metafora di un viaggio, una ricerca inesausta di pretesti compositivi da elaborare in funzione delle infinite potenzialità espressive del colore.</p> <p>Per Cola il colore è il simbolo che consente di trovare corrispondenze esteriori alla complessità dell\'universo interiore; ed è il linguaggio più naturale per dare voce a un\'anima ricca di semplicità e di profondità, nella quale gli slanci emozionali e le passioni sono trattenuti da un\'inclinazione alla riservatezza.</p> <p>Come ha scritto Silvia Evangelisti, "in un gioco cromatico luminoso e inconsueto, i suoi quadri ci raccontano della fascinazione che su di lui (e su di noi) esercita il dipingere, mestiere segreto e misterioso. I soggetti sono ritratti con una pittura veloce e nervosa che, seppure non ricalca con fedeltà la verità ottica della realtà, ne evoca la visione ‘complessiva\', pur mettendone in discussione le regole statuarie, a cominciare da quelle prospettiche. I tagli obliqui, le inquadrature ‘dilatate\', le profondità spaziali volutamente e quasi scenograficamente calcate insinuano, nelle scene dipinte, un senso di silenzio, di attesa che pare mettere in crisi la certezza dell\'immagine, la sua ipotetica inalterabile verità. Protagonista dei dipinti è la luce, intensa e ‘assoluta\', che invade la tela con la forza e l\'energia di una fonte di vita: una luce-colore che taglia come una lama la superficie del dipinto, rendendo ‘pulsante\' la rappresentazione e trasformando gli oggetti stessi."</p> <p>Oggi Cola alterna l\'attività di pittore con quella di insegnante. Vive e lavora a Forlimpopoli. </p>'))
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![Campigotto Luca](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/campigotto.jpg', 'Campigotto Luca', '<p>Luca Campigotto nasce a Venezia nel 1962; si laurea in Storia moderna con una tesi sulla letteratura di viaggio nell\'epoca delle grandi scoperte geografiche. Inizia a fotografare nei primi anni Ottanta, concentrando il proprio interesse sul paesaggio, l\'architettura e l\'industria.</p> <p>Dal 1990 i temi della sua ricerca personale si intrecciano alla committenza per enti e istituzioni, portandolo a realizzare progetti fotografici di ampio respiro su Venezia, Roma, Napoli, New York, Chicago, Cairo, Marocco, Cambogia, Yemen, Iran, Patagonia.</p> <p>Espone in tutto il mondo: The Art Museum e The Warehouse, Miami; C.C.A, Montreal; MEP e Mois de la Photo, Parigi; Galleria Gottardo, Lugano; IVAM, Valencia; Biennale di Venezia; MAXXI e Festival della Fotografia, Roma.</p> <p>Sue opere fanno parte di collezioni private e pubbliche, tra cui: la Maison Européenne de la Photographie, Parigi; The Progressive Collection, Cleveland; The Margulies Collection at the Warehouse e The Sagamore Collection, Miami; Canadian Centre for Architecture, Montreal; Collezione Unicredit, Milano; Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino; Metropolitana di Napoli; Museo Fortuny, Venezia; Museo d\'Arte Moderna e Contemporanea, Varese; Galleria Civica, Modena; Museo della Fotografia, Cinisello Balsamo; Museo Civico, Riva del Garda.</p> <p>Tra le sue pubblicazioni ricordiamo: <em>The Stones of Cairo</em>, Peliti Associati, Roma 2007; <em>Venicexposed</em>, Contrasto, Roma/Thames&Hudson, London/La Martinière, Paris 2006; <em>Sguardi gardesani</em>, Nicolodi, Trento 2004; <em>L\'Arsenale di Venezia</em>, Marsilio 2000; <em>Fuori di casa</em>, Imagina 1998; <em>Molino Stucky</em>, Marsilio 1998; <em>Venetia Obscura</em>, Peliti Associati, Roma /Dewi Lewis, Stockport /Marval, Paris 1995. </p> <p>Coltiva da sempre l\'interesse per la scrittura e nel 2005 la rivista "Nuovi Argomenti" pubblica una selezione di sue immagini e poesie.</p> <p>Nel suo ultimo libro intitolato <em>My Wild Places</em> (realizzato in occasione della mostra omonima nel settembre 2010 al Museo Fortuny di Venezia) Campigotto scrive: "Amo la dimensione eroica dei paesaggi. La forza spudorata delle atmosfere, la bellezza delle luci. Rimesto in un confuso immaginario mitico e fisso il mio stesso stupore. Determinato a inseguire la meraviglia".</p> <p>Le sessantesette fotografie di questo suo recente lavoro sono intrise di storia e di attesa, ed evocano l\'anima dei luoghi, come fossero documenti imprescindibili di un mondo destinato a scomparire.</p> <p>"Mi chiedo - spiega - se un giorno sarà ancora possibile perdersi a guardare i paesaggi maestosi accompagnati, come in Patagonia, dalla sola violenza del vento. La contemplazione degli orizzonti forti è una magnifica via di fuga, una forma di pacificazione dello spirito. Un modo per capire, in fondo, che le semplici ragioni della bellezza sono la base di ogni consapevolezza ecologica".</p> <p>Alla 54a edizione della Biennale di Venezia è presente con otto opere aventi come tema Chicago e New York, al Padiglione Italia <em>L\'Arte non è Cosa Nostra</em>, curato da Vittorio Sgarbi (sezione fotografia curata da Italo Zannier).</p> <p>Suoi lavori sono apparsi su importanti riviste internazionali quali "The New York Times Magazine", "The Wall Street Journal", "Vogue", "Le Monde", "Liberation", "le Parisien", "The Independent", "Frankfurter Allgemeine", "AD France", "Vanity Fair", "Traveller"; su quotidiani e settimanali italiani come "Il Corriere della Sera", "La Repubblica", "Il Sole 24ore", "Panorama", "L\'Espresso"; e periodici di prestigio quali "Domus", "Abitare", "Casabella", "FMR" (<em>Al-Qāhirah. Luca Campigotto in Egitto</em>, n. 17, 2007).</p> <p>Luca Campigotto vive e lavora a Milano.</p> '))
![Attardi Ugo](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/ATTARDI.jpg', 'Attardi Ugo', 'Ugo Attardi, pittore, incisore, scultore e romanziere, nasce a Sori, vicino a Genova, nel 1923, da genitori siciliani. L\'anno seguente è costretto a fare ritorno con la famiglia in Sicilia, dapprima presso Agrigento, e pochi anni dopo a Palermo; qui frequenta i corsi presso il Liceo Artistico e nel 1941 si iscrive alla Facoltà di Architettura, ma deve interrompere gli studi a causa della guerra. Nel 1945 si trasferisce a Roma, ospitato da Pietro Consagra, dove comincia l\'attività di pittore e trova nei fermenti culturali di quegli anni un ambiente fecondo di impegno artistico e ideale. Il 15 marzo 1947 con Carla Accardi, Pietro Consagra, Piero Dorazio, Mino Guerrini, Achille Perilli, Antonio Sanfilippo e Giulio Turcato fonda a Roma la rivista "Forma. Mensile di Arti figurative" e insieme a loro firma il manifesto che appare sul primo e unico numero pubblicato, dando vita al movimento di orientamento astratto "Forma 1". Un\'esperienza che dura poco perché la sua natura lo spinge verso altre consapevolezze e altre visioni, portandolo ad abbandonare l\'Astrattismo e a ritornare alle tematiche sociali del Neorealismo. Nel 1952 e nel 1954 partecipa alla Biennale di Venezia, dove sarà nuovamente invitato nel 1978. Espone a Roma nel 1951 alla Galleria Pincio e nel 1956 alla Galleria La Tartaruga. In questi stessi anni inizia la sua produzione incisoria, che dura tuttora e che fa di lui, per la maestria del segno, uno degli incisori più complessi e significativi dell\'arte italiana.<p>Nel 1958 collabora al giornale di politica e cultura "Città Aperta", insieme a Tommaso Chiaretti, Elio Petri e Renzo Vespignani. A partire dai primi anni Sessanta, partecipa a numerose esposizioni in Italia e all\'estero: Praga, Mosca, Los Angeles, Londra, Parigi, Berlino, New York. Nel 1961, insieme ad altri artisti e critici d\'arte, tra cui Calabria e Guccione, fonda il movimento "Il Pro e il Contro", partecipando a tutte le esposizioni fino al 1965, anno in cui il gruppo si scioglie.</p> <p>Nel 1965, dopo un soggiorno in Spagna, decide di rileggere i classici della letteratura spagnola e di studiare le ragioni del crollo di quel grande impero. Si profilano allora i temi dominanti che tratterà successivamente nella sua opera scultorea: la conquista, l\'abuso del potere, il viaggio. </p> <p>Tra il 1964 e il 1967, scrive il romanzo <em>L\'erede selvaggio</em> che nel 1971 gli consentirà di vincere il Premio Viareggio per la narrativa. Proprio nel 1967 comincia la sua attività di scultore con <em>l\'opera Donna che cura un bambino ammalato</em> e inizia a creare le sue prime sculture in legno, portando a termine nel 1968 il bassorilievo ligneo <em>Addio Che Guevara</em>. Nello stesso periodo inizia il primo dei grandi gruppi lignei<em>, L\'arrivo di Pizarro</em>, che terminerà nel 1971. L\'allegoria della conquista del Nuovo Mondo prosegue con veri e propri monumenti lignei<em>: Cortés e la bellezza dell\'Occidente</em> (1976) e <em>Il ritorno di Cristóbal Colón</em> (1980). Due grandi antologiche si svolgono nel 1976 a Ferrara, al Palazzo dei Diamanti, e nel 1981 a Milano, alla Rotonda della Besana. Nel 1982 è a Parigi con una mostra personale organizzata dalla FIAC; l\'anno seguente il Centre Georges Pompidou dedica alle sue sculture una manifestazione e un balletto ispirato alle sue opere.</p> <p>Nel 1983 a Parigi una sua personale è allestita dalla Galleria Faris, nel 1984 alla Galleria MR di Roma, nel 1985 a Nizza. Nello stesso anno viene organizzata una grande retrospettiva nelle sale del Museo di Palazzo Barberini, a Roma. Nel 1986, per il quarantennale della Repubblica Italiana, Attardi realizza il grande bassorilievo bronzeo dal titolo <em>Per la libertà</em>, posto l\'anno successivo davanti alla sede centrale della UIL a Roma. Tra il 1987 e il 1989, in occasione del bicentenario della Rivoluzione Francese, si dedica quasi esclusivamente alla realizzazione del complesso monumentale <em>Il Vascello della Rivoluzione</em>, esposto a Roma e a Parigi. Nel 1990, per l\'anniversario della scoperta dell\'America, realizza il complesso monumentale <em>Nelle Americhe</em>, esposto per le celebrazioni colombiane a Buenos Aires e a Genova nella mostra <em>Due mondi a confronto</em>, poi definitivamente collocato a Buenos Aires nel 1992, anno in cui realizza la grande opera <em>I sogni del Re normanno</em> per l\'aeroporto di Palermo.</p> <p>Importanti mostre personali si tengono durante gli anni Novanta a Roma, Parigi, Washington e New York, dove nel 1997 installa l\'opera monumentale dell\'<em>Ulisse</em>,<em> </em>collocata al Battery Park di Manhattan. Nel 1998 una seconda opera gemella dell\'Ulisse viene collocata a Roma, a Palazzo Valentini, sede della Provincia. Nel 2000 la città di Buenos Aires ospita una sua importante antologica; nel catalogo, edito da ART\'È, l\'artista viene introdotto da un messaggio del Presidente della Repubblica Italiana Carlo Azeglio Ciampi e dal Premio Nobel Ernesto Sabato. Nel 2002 viene donata al Santo Padre la scultura monumentale <em>L\'uomo dei dolori</em>, che entra a far parte della collezione dei Musei Vaticani. Nello stesso anno realizza un monumentale <em>Enea</em> collocato a Fiumicino.</p> <p>Ugo Attardi vive e lavora a Roma, dove continua nella sua intensa attività di pittore e scultore.</p> '))
. Le immagini di quei luoghi sono raccolte da occhi in perenne movimento: dagli autobus, dai treni, da vecchie camionette. L\'utilizzo della tecnica del "mosso" resterà una caratteristica peculiare della sua intera opera.<br /> Nei primi anni Settanta si trasferisce in California e nel 1979 si sposta a Taos, nel New Mexico. Viaggia frequentemente in Francia e Africa, tanto che il corpus più sostanzioso del suo lavoro è costituito proprio da reportage di viaggio. Globe-trotter per indole naturale, nell\'arco di pochi anni si muove tra India, Alpi francesi, Senegal, Egitto, New Mexico, Italia e Nigeria, dove incontra e ritrae la tribù nomade dei Peul Bororo. <br /> Nel 1988 viene celebrato da una retrospettiva al Centre Georges Pompidou di Parigi e vince il Grand Prix der la Photographie in Francia. <br /> Nel 1990-91 vive a Nijar, presso Almeria, e conosce la località di Cabo de Gata, dove svolge un\'intensa attività di mostre e seminari.<br /> Fotografa in tutto il mondo, isolando dal flusso del visibile frammenti dotati di uno straordinario equilibrio formale e raffinata poeticità. <br /> Nel corso della sua carriera Bernard Plossu pubblica oltre sessanta libri monografici, fra cui <em>New Mexico</em> <em>Revisited</em> (University of New Mexico Press, Albuquerque 1983), <em>The Garden of Dust</em> (Marval 1989) e due volumi della Mission Photographique Transmanche. La sua pubblicazione più recente è <em>Bernard Plossu: Rétrospective 1963-2005</em> (Editions des Deux Terres, 2006).<br /> Ormai considerato un classico tra i protagonisti della storia della fotografia contemporanea, sue opere si trovano esposte nei più grandi musei del mondo e sono presenti in tutte le più importanti collezioni pubbliche e private, fra cui il Centre Georges Pompidou di Parigi, il Musée Stedeljik di Amsterdam e il Museum of Fine Arts di Houston. <br /> Attualmente Bernard Plossu vive a La Ciotat, nei pressi di Marsiglia.'))
![Jori Marcello](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/jori.jpg', 'Jori Marcello', 'Marcello Jori, nato nel 1951 a Merano, vive e lavora tra Bologna e Torino. <p>Fra i protagonisti della scena artistica italiana, fin dall\'inizio della sua attività persegue un progetto di arte totale che oggi lo porta a rivestire una posizione di grande attualità nella definizione dell\'eclettismo contemporaneo.</p> <p>Dopo la laurea al DAMS, inizia nel 1977 la sua attività di artista, che lo porterà ad esporre in gallerie e musei nazionali ed esteri. Dalla metà degli anni Settanta, Jori muove i primi passi partendo da alcune premesse concettuali, da cui subito si distacca per violarne lucidamente gli aspetti più freddi e austeri, nel tentativo di infondere nuova linfa vitale all\'opera d\'arte.</p> <p>Si tratta di lavori fotografici dove egli interviene su alcuni capolavori del passato interpretandoli testualmente: l\'arte viene in tal modo restituita al mondo, l\'artista "ridà corpo" ai quadri e ne prende possesso, facendoli ritornare "veri". Così accade che un dipinto astratto che evoca il tramonto venga esposto alla luce e ai colori di un tramonto reale (<em>Tramonto sul mare, sul mare al tramonto</em>, 1976).</p> <p>Nel 1979 Jori ritrae se stesso in cima a una scala nell\'atto di dipingere la caduta dell\'angelo: quest\'opera segna una svolta nel suo percorso artistico, da allora animato da una nuova vivacità espressiva che lo accompagnerà per tutto il decennio successivo.</p> <p>È in questa fase che l\'esperienza della pittura diviene centrale nella sua evoluzione creativa:<br /> sono gli anni delle "scritture", vorticose e fluttuanti parole sospese tra lo spazio fisico e quello mentale dell\'artista. Parole che vengono, poi, ingabbiate negli edifici policromi dei "Teatrini", sgargianti architetture in movimento che preludono ai volumi delle successive serie dei "cristalli" e delle "gioie", piccole geometrie incantate e caleidoscopiche.</p> <p>Presente a due edizioni della Biennale di Venezia (1982 e 1993), alla Biennale di Parigi del 1982 e alla Quadriennale di Roma del 1986 e del 1996, da un ventennio partecipa a mostre in musei nazionali e internazionali, oltre che in gallerie private: la Galleria d\'Arte Moderna di Roma, l\'Hayward Gallery di Londra, il Kunstverein di Francoforte, l\'Holly Solomon gallery di New York, per citarne solo alcuni.</p> <p>Negli anni \'80 è tra i fondatori del Nuovo Fumetto Italiano. Pubblica in Italia per "Linus", "Alter" e "Frigidaire", in Francia per Albin Michel su "L\'Echo des Savanes".</p> <p>Collabora con le riviste CondéNast "Vogue" e "Vanity Fair" e, dal 1992 al 1998, disegna in esclusiva per la casa editrice giapponese Kodansha.</p> <p>Nel 1996 pubblica <em>La Città Meravigliosa</em><em> degli artisti straordinari</em> (Charta), con testi di Stefano Benni e Alessandro Mendini, a cui segue la personale al Palazzo Comunale di Siena. Nel 2000 tiene una personale curata da Danilo Eccher alla Galleria d\'Arte Moderna di Bologna. Nello stesso anno inizia la collaborazione con Alessi, per cui nel 2007 realizza, insieme a LPWK, la serie intitolata "Figure" e la sua pittura trova nuova espressione collaborando con l\'azienda Moroso. Nel 2010 viene presentato al Salone del mobile di Milano il suo primo lavoro per Moroso: <em>Alì Babà, il tavolo del tesoro</em>.</p> <p>Per FMR-ART\'E\' nel 2008 realizza gli interventi artistici dell\'opera d\'arte totale in forma di libro <em>Dante Petrarca Boccaccio</em>, mentre nel 2010 a lui sono affidate l\'ideazione e la realizzazione dell\'intero corpus iconografico di <em>Universal Declaration of Human Rights</em> in cui, ispirandosi alla Dichiarazione Universale dei Diritti Umani, Jori ne ha personalmente manoscritto il preambolo e i trenta articoli in altrettante lingue del mondo.</p> <p>Nel 2010 realizza due mostre, curate da Elena Re, che trattano il tema dell\'opera fotografica del maestro: l\'una, personale, presso la Galleria de\' Foscherari di Bologna, dal titolo <em>Marcello Jori - La Conversione</em>; l\'altra, collettiva, <em>Geografia senza punti cardinali. La fotografia nell\'arte degli anni \'70 in Italia</em>, presso la galleria Giorgio Persano di Torino. </p> <p>Nel 2011, oltre ad essere presente in numerose collettive, Tra Catania, Bologna e Lugo, espone alla Fondazione Giorgio Marconi di Milano con una personale, <em>L\'Albo dell\'Avventura</em> in cui presenta nuove fotografie a colori, tutte realizzate tra il 2008 e il 2010, e tre libri scritti e illustrati all\'acquerello.</p>'))
![Da Gioz Graziella](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/DA-GIOZ.jpg', 'Da Gioz Graziella', '<p>Nasce a Belluno nel 1957, vicino alla casa estiva di Dino Buzzati, e frequenta i corsi di Emilio Vedova all\'Accademia di Belle Arti a Venezia dove studia l\'informale e il simbolismo dell\'alchimia. Espone dal 1979 nel bellunese, a Venezia e a Palermo alle mostre organizzate dalla Fondazione Bevilacqua La Masa. </p> <p>Nel 1984 Vedova sceglie due suoi lavori per la mostra <em>Vedova e il laboratorio</em>, tenutasi al Museo d\'Arte Moderna di Strasburgo. Un incontro significativo è quello con il poeta Andrea Zanzotto, da cui nascono alcune illustrazioni di liriche pubblicate nella rivista parigina "Noise" (1986), edita dalla Galleria Maeght di Parigi.</p> <p>Lo studio del paesaggio si accompagna alla sperimentazione nell\'incisione dell\'acquatinta e della puntasecca che espone in Italia e all\'estero. Nel 1992 è invitata con una personale al Museo d\'Arte Moderna di Palazzo Sarcinelli di Conegliano (TV): il catalogo presenta un testo di Marco Goldin e una poesia di Andrea Zanzotto. </p> <p>Negli anni 1993-1997 espone in gallerie private e in spazi pubblici; nel 1994 partecipa alla collettiva itinerante <em>Venti pittori in Italia </em>e nel 1996-97 alla collettiva <em>Pitture. Il sentimento e la forma. Artisti italiani degli anni Cinquanta e Sessanta</em>, a cura di Marco Goldin. Nel 1999 viene invitata alla mostra <em>Elogio del pastello</em> a Palazzo Sarcinelli di Conegliano, dove sono raccolte opere eseguite con la tecnica del pastello da pittori italiani della seconda metà del Novecento.</p> <p>Nel 1999-2000 sviluppa un ciclo di dipinti sul tema del fiume presentati nella collettiva itinerante <em>Acqua</em> e nelle personali a Venezia, a Varese<em> (Dimenticare il paesaggio</em>, Galleria Ghiggini, 2001), a Cremona e a Monza. </p> <p>Partecipa nel 2002 alla collettiva <em>Memoria e nostalgia</em> alla galleria Ta Matete di Milano e nel 2003 tiene una personale a Roma alla Living Gallery Ta Matete (catalogo con testi di Manlio Brusatin, Marco di Capua e un\'intervista di Aldo Caterino). Nel 2004 è alla Galleria 61 di Palermo con <em>Di là dal faro</em>, mentre nel 2007 è alla?Galleria Antologia di Monza<em> </em>con<em> Natura lirica</em>.<br /> Con quattro opere dedicate al tema del disgelo nel 2005 è presente a Sonthofen (Germania), nell\'ambito della manifestazione <em>Die Grosse Sudliche</em>, dove riceve uno dei tre premi destinati agli artisti europei invitati.</p> <p>Nel 2006 esce il libro d\'artista <em>Dal paesaggio</em>, edito dalla stamperia Corrado Albicocco di Udine, con poesie di Andrea Zanzotto dedicate al paesaggio, nove incisioni di Graziella Da Gioz e la postfazione di Manlio Brusatin. Il libro viene presentato tra il 2006 e il 2008 a Venezia, Feltre, Bologna, Bassano del Grappa, Varese, Monza, Belluno, Treviso, Roma e Pordenone, in luoghi pubblici e in gallerie private. Dedica alla città di Palermo una serie di pastelli e oli che espone nel 2008-2010 nella Galleria 61 con sede nel capoluogo siciliano.</p> <p>Nell\'autunno del 2009 Marco Goldin la invita all\'importante rassegna sulla pittura italiana <em>Pittura d\'Italia </em>nel Castel Sismondo a Rimini e alla mostra <em>Italia dipinta</em> all\'Università IULM di Milano, curata dai suoi allievi (intervista e intervento critico di Silvia Zava). </p> <p><em>Verso il mare</em> è il titolo della mostra personale che tiene nel 2010 al Galata Museo del Mare di Genova, con la presentazione di Viana Conti, che scrive "un viaggio visivo-emozionale dalla terraferma verso il Mare, attraverso corsi e specchi d\'acqua" e che definisce l\'artista bellunese "inarrivabile declinatrice del senso della fluidità lagunare, della nostalgia, delle nebbie, delle mezze luci...".</p> <p>Nel 2011 è invitata alla 54a Biennale Internazionale d\'Arte di Venezia, Padiglione Italia, Villa Contarini, Piazzola sul Brenta (Padova). La natura continua ad essere il soggetto della sua ricerca espressiva, luogo dell\'anima, simbolo di inquietudini e trasformazioni.</p> <p>Artista della natura, di cieli, montagne, alberi e degli elementi della natura, come nei recenti cicli dedicati al fuoco e all\'acqua, interprete di nei suoi lavori vero protagonista è il colore, che trasforma in espressione ogni elemento della pittura e che si fa emozionale</p> <p>Graziella Da Gioz vive a Crespano del Grappa (TV) e lavora a Nove (VI), dove insegna Discipline Pittoriche al Liceo Artistico. </p> '))
![Regazzoni Domenica](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/Regazzoni.jpg', 'Regazzoni Domenica', '<p>Nasce nel 1953 in Valsassina, in provincia di Lecco. Nei primi anni Settanta inizia a dipingere, frequentando i corsi serali all\'Accademia di Brera. A poco a poco, abbandona la pittura figurativa per passare a un\'impostazione più astratta e informale.</p> <p>Dai primi anni Novanta il suo lavoro è volto a trovare un punto d\'incontro tra pittura, scultura, musica e poesia, alla ricerca delle affinità che legano colore e materia, suono e parola. Nel 1992 illustra per la collana "All\'insegna del pesce d\'oro" di Vanni Scheiwiller <em>Canto segreto</em>, una raccolta di poesie di Antonia Pozzi, a cura di Giorgio Seveso. <br /> Ispirandosi alle più poetiche canzoni di Mogol e di Lucio Dalla nascono le mostre <em>Colore Incanto</em> (Bergamo, Centro Culturale San Bartolomeo, 1996), con catalogo a cura di Paola Gribaudo, e <em>Regazzoni&Dalla</em> (Bologna, ex chiesa di San Mattia, 2001), con catalogo a cura della Galleria Blu di Milano.</p> <p>Realizza esposizioni personali a Tokyo (Ginza Center Point Gallery, 1997) e in spazi pubblici di varie città italiane, tra cui Milano (Fondazione Stelline, 1998) e Roma (Complesso del Vittoriano, 2000). </p> <p>Nel 2000 pubblica una monografia, edita da Viennepierre, ispirata alla poesia Haiku. Nello stesso anno, in seguito alla scomparsa del padre Dante Regazzoni, grande liutaio lombardo, nasce l\'esigenza di realizzare la mostra <em>Dal Legno al Suono</em> (catalogo a cura di Gillo Dorfles, Skira, Milano 2003) ispirata all\'arte della liuteria. L\'esposizione, di volta in volta arricchita di nuovi lavori, viene presentata a Firenze (Sala d\'Arme di Palazzo Vecchio, 2003), Milano (Teatro dal Verme, 2004), Lecco (Museo Civico di Villa Manzoni, 2005), Roma (Auditorium Parco della Musica, 2006). Le esposizioni ispirate alla liuteria proseguono nel 2006 con <em>Lo spartito del sogno</em> alla Compagnia del Disegno di Milano, a cura di Domenico Montalto. La mostra viene riproposta in una nuova versione nel 2008 all\'Università Bocconi e alla Miyawaki Galerie di Kyoto con il titolo<em> From wood to sound</em>. Nell\'ottobre dello stesso anno inaugura al Museo Internazionale e Biblioteca della Musica di Bologna la mostra <em>Scolpire la musica</em> (catalogo Skira, a cura di Martina Corgnati). Nel 2009 una sua opera in bronzo, <em>The Giant Violin</em>, viene collocata nella piazza dell\'Università di Bucarest. <br /> Tra le ultime personali del 2010 citiamo <em>Musica e Silenzio</em> alla Galleria Stefano Forni di Bologna, con testi in catalogo di Gillo Dorfles e Silvia Evangelisti; la mostra alla Galleria Montrasio Arte di Monza in cui presenta sculture e opere su carta a collage e acquarello; infine <em>Ultime luci: Sestri 1980-1990, a cura di Stefano Crespi, al Palazzo Comunale di Sestri Levante.</em></p> <p>L\'artista racconta di sé: "Ogni giorno al cavalletto, lavoro alla mia interiorità, ed ecco che qualcosa prende forma, come una gioia o una malinconia. Per chi scrive una musica, una poesia, o si mette davanti a una tela bianca, la gioia è talmente intensa da diventare sofferenza e viceversa: non si scopre la luce del giorno se prima non si è conosciuta l\'ombra della notte" (in <em>Regazzoni e Dalla. Cosa sarà</em>, 1998).</p> <p>Martina Corgnati nel 2008 scrive: "Da non musicista, Domenica Regazzoni ha visto, conosciuto, coltivato una straordinaria intimità con la musica, i suoi santuari e i suoi strumenti. Le sue opere nascono da questo, crescono in un ambiente attraversato, impregnato di musica, consapevole delle sue tiranniche leggi, dei suoi umori, delle sue estasi e delle sue stagioni. E tuttavia sono lavori pieni di silenzio. Non a caso Medardo Rosso dice (e la frase è riportata dalla stessa Regazzoni in uno dei suoi cataloghi) che ‘la musica ti porta al silenzio dell\'immagine\'. C\'è da qualche parte, insistente, un invito alla contemplazione, all\'attenzione, all\'apprezzamento di circostanze minime, sottili, impalpabili. L\'opera sembra sempre proporsi sul filo della rischioso e incerto della variazione su un tema limitato: il legno, spesso sotto forma di tavoletta, di superficie su cui incastonare l\'opera ma anche parte dell\'opera stessa; il violino o la sua memoria, il colore, la carta e qualche volta le circostanze naturali [...] È Gillo Dorfles ad aver chiarito con la consueta precisione ed efficacia la qualità speciale di questa sensibilità ‘estetica, non solo plastica ma insieme visiva, ornamentale e acustica\'. Una sensibilità che si traduce anche in rigore, in incrollabile esigenza di perfezione, rinnovata continuamente, ad ogni nuovo incontro con l\'opera. Da questa serietà si articola sia il solido rapporto con la tradizione che Domenica Regazzoni intrattiene (la tradizione artistica delle avanguardie ma anche quella artigianale della liuteria), sia la sua notevole originalità, la propositività paziente, costruttiva e aperta al futuro."</p> <p>Domenica Regazzoni vive e lavora nella tranquilla quiete del suo rifugio nel castello di Peschiera Borromeo, alle porte di Milano.</p> '))
![Amendola Aurelio](javascript:showDetail('http://www.fmrarte.it/./liquidoCMS/imgsUpl/1/Artisti/amendola.jpg', 'Amendola Aurelio', 'Nato a Pistoia nel 1938, nel corso della sua lunga carriera di fotografo Aurelio Amendola sviluppa una particolare sensibilità per il mondo della scultura, documentando l\'opera di Jacopo della Quercia, Michelangelo e Donatello, e illustrando singoli capolavori e monumenti quali il pulpito pistoiese di Giovanni Pisano, il fregio robbiano dell\'Ospedale del Ceppo, sempre a Pistoia, Santa Maria della Spina e il Battistero a Pisa, San Pietro in Vaticano. <p>Quest\'ultimo lavoro, primo di una serie dedicata ai grandi temi dell\'arte italiana, visitati secondo l\'ottica personale del fotografo, presenta una campagna iconografica completamente nuova, calibrata sul "taglio" e sulle esigenze specifiche del progetto: approfittando della rara occasione di un contatto senza vincoli <br /> con i monumenti berniniani e, più in generale, con i vari elementi architettonici e scultorei caratterizzanti la cattedrale, simbolo di tutta la cristianità, Amendola riesce a riprenderne gli scorci e i particolari più inaspettati. </p> <p>L\'arte contemporanea rappresenta l\'altro polo di grande interesse per Amendola, che negli anni è arrivato a raccogliere una vera e propria galleria di ritratti, comprendente i più rinomati maestri del XX secolo, come De Chirico, Lichtenstein, Pomodoro, Schifano, Kosuth, Warhol, per ricordarne solo alcuni. </p> <p>Questa collezione, che quotidianamente si rinnova con immutata passione, aggiornandosi sui nomi e sulle tendenze più all\'avanguardia, acquista un particolare valore culturale </p> <p>e umano grazie alla lunga frequentazione personale del fotografo con gli artisti. </p> <p>All\'opera di Amendola si devono, infatti, numerose monografie dedicate ai maggiori </p> <p>scultori e pittori contemporanei, tra cui quelle su Marino Marini, Burri, Manzù, Fabbri, </p> <p>Ceroli, Vangi, Kounellis. Così la sua collezione di ritratti di artisti contemporanei famosi viene più volte esposta: nel 1986 ad Arco Fiera, a Madrid, nel 1990 alla mostra <em>Videoarte 2</em> presso l\'Accademia di Francia, a Roma.</p> <p>Nel 1994 il volume <em>Un occhio su Michelangelo </em>sulla cappella medicea in San Lorenzo, a Firenze, vince il "Premio Oscar Goldoni". Nel 1997 gli viene conferito il premio alla carriera "Cino da Pistoia".</p> <p>Per venire agli anni più recenti di una carriera densa di riconoscimenti, nel 2005 alla Fondazione Arnaldo Pomodoro di Milano vengono esposte alcune delle sue foto-ritratto più emblematiche; nel 2006 e 2007 dedica due mostre ad Alberto Burri: prima al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia di Madrid, poi alla Fondazione Magnani Rocca di Parma. Nel 2007 è il primo fotografo a esporre al Museo dell\'Ermitage di San Pietroburgo, in una mostra fotografica sull\'opera scultorea di Michelangelo Buonarroti, che poi porta negli Istituti Italiani di Cultura di Budapest e di Vienna. Nel 2008 la Fondazione Gam di Torino acquista alcune sue fotografie, esposte successivamente al Castello di Rivoli. Sempre nel 2008 espone al Musée d\'Art Moderne di Saint-Etienne, al MuBE (Museu Brasileiro da Escultura) di San Paolo del Brasile (<em>Michelangelo, il Genio</em>), alle Sale affrescate del Palazzo Comunale di Pistoia e, tra il 2008 e il 2009, alla Galleria Civica di Palazzo Loffredo di Potenza. Nel 2009 partecipa a "United Artist of Italy" alla Fondazione Stelline di Milano; nel 2010 espone alla Galleria Nove di Berlino; nel 2011 a Castelbasso (TE) con <em>Renato Guttuso, immaginazione realistica</em>.</p> <p>Tra le pubblicazioni degli ultimi anni ricordiamo: <em>Michelangelo, opere complete</em> (Taschen, 2007);<em> Arte ambientale. Fattoria di Celle. Collezione Gori</em> (Gli Ori, 2008)<em>; Michelangelo. La dotta mano</em> (FMR-ART\'È, 2008) in cui dialoga con il maestro del Rinascimento senza inchinarsi di fronte al magistero del passato, ma compiendo un\'operazione artistica attuale e inedita, ove è possibile ritrovare la dimensione del sacro, della riflessione e dell\'ascolto;<em> United Artist of Italy</em> (Massimo Minini-Photology, 2008); <em>Canova alla corte degli Zar</em> (Federico Motta editore, 2008); <em>Monumenta. Le mani nei capolavori dell\'arte</em> (Pacini editore, 2010).</p> <p>Aurelio Amendola vive e lavora a Pistoia. </p>'))
.</p> <p>Realizza moltissime opere pubbliche, in particolare di committenza religiosa ,come lo Stemma Papale che orna la Sala Stampa del Vaticano; per l\'Istituto Ortopedico Rizzoli di Bologna il monumento al professor Mario Campanacci; e ancora fontane, bassorilievi e targhe commemorative per varie città emiliane</p> <p>Nel 1991 e nel 1993 vince il "Premio Fetonte" dell\'Accademia dei Concordi di Rovigo. Realizza inoltre medaglie e trofei in occasione di eventi e manifestazioni di grande rilievo. </p> <p>Le sue opere sono presenti in importanti collezioni private e pubbliche, tra cui la Fondazione Giacomo Lercaro di Bologna, per la quale esegue il conio della medaglia commemorativa dell\'inaugurazione, nel maggio 2003. È inserito nel X <em>Catalogo della Scultura Italiana</em>, edito da Mondadori.</p> <p>Nel 2001, al Complesso degli Olivetani di Rovigo,<em> </em>è presente alla collettiva<em> Il Po in controluce, arte padana, alluvione e dintorni</em>,<em> </em>a cura di Laura Gavioli.</p> <p>Nel 2005 vince il prestigioso "Premio Marconi" di Pittura, Scultura e Arte Elettronica, che annovera tra gli insigniti i maggiori artisti contemporanei, da Bruno Munari a Gio Pomodoro, da Gillo Dorfles a Luciano Minguzzi e Pietro Cascella.</p> <p>Mazzali è autore esemplare di arte plastica in quanto sa coniugare sapienza e gesto e i suoi lavori sono contrassegnati da un continuo processo di movimento. Pregevoli sono le sue terrecotte, i bronzi e le sculture in bronzo e cemento Una delle caratteristiche del suo lavoro scultoreo è quella di aver ricercato modi e tecniche per realizzare opere con la gomma siliconica, una materia "tenera" che chiama ad essere creata, trasformata in forme, che, collocate in appositi spazi chiusi, affascinano tanto da indurre chi le guarda a volerle toccare per verificarne la fisicità.</p> <p>Nella chiesa di San Procolo, a Bologna, si possono ammirare alcuni dei suoi lavori: qui l\'artista ha sistemato il presbiterio, fondendo in bronzo la cattedra, il paliotto dell\'altare e l\'ambone.</p> <p>Come scrive Laura Gavioli, in occasione della mostra <em>Still life</em>, che si tiene nel 2006 al Granaio di Ca\' Cornera di Porto Vito (RO), "Mazzali è un artista dalla preparazione solida e dalla raffinata cultura della forma, raggiunta con profondi passaggi di studio e di insegnamento. In questi ultimi anni il suo registro tecnico risulta completamente sovvertito: dopo aver usato il gesso, il bronzo e la terracotta, eccolo sentire il fascino per i materiali nuovi del nostro tempo. È importante tenere conto della dichiarazione dell\'artista stesso (‘alla fine degli anni Novanta ho pensato di spingere la mia ricerca all\'uso dei materiali di sintesi...\'). Questa è la spiegazione tecnologica ma, più importante, è la motivazione spirituale e creativa per comprendere la scelta del genere artistico sul quale si concentra oggi tutta la sua passione: la natura morta, anzi la natura viva o, meglio, la natura!".</p> <p>Mazzali, che preferisce appunto l\'espressione "still life" a "natura morta", così si racconta: "...un giorno, guardando un campo di grano falciato, ridotto a balle di paglia, ho avuto una grande emozione: la natura veniva ciclicamente ‘solidizzata\'. Il parallelepipedo, metafora del blocco di marmo, di una dimensione geometrica artificiale, frutto di un\'azione umana, stava lì disteso, serialmente composto nello spazio...".</p> <p>Nel 2006 realizza per FMR-ART\'E\' la scultura a tiratura limitata <em>Cielo e terra</em>.</p> <p>Arrivando ai giorni nostri, nel 2001 partecipa alla 54a edizione della Biennale di Venezia (Padiglione Italia-Emilia Romagna); alla collettiva <em>Fratelli in Italia</em> che si tiene a Palazzo Rasponi di Ravenna da aprile a giugno; e alla Biennale Internazionale di scultura, pittura e fotografia che si tiene al Complesso Museale di San Francesco di Montone (PG), da giugno ad agosto.</p> <p>Mauro Mazzali vive e lavora a Bologna.</p> '))
, a Rodi (<em>La nascita, la vita e la morte</em>). A Caltanissetta realizza il monumento <em>Resurrezione </em>dedicato a Falcone e Borsellino; a Torrenova una grande fontana dedicata ai segni dello zodiaco.<br /> Per conto della Diocesi di Sorrento, realizza il grande portale in bronzo policromo di 6 metri per 3, dedicato alla Santissima Trinità e inaugurato nel mese di luglio dell\'anno Giubilare.<br /> Per l\'ordine dei benedettini, nel mese di agosto del 2000, esegue una straordinaria scultura in bronzo policromo dedicata a San Benedetto.</p> <p>È presente alla mostra permanente di cultura internazionale in Costa Azzurra, a Montecarlo, con tre grandi opere: <em>Medusa</em>, <em>Icaro</em> e <em>Lo Scudo di Achille</em>.<br /> Alessandro Romano è anche autore della medaglia ufficiale del Giubileo dedicata a <em>Dio padre</em>, in due versioni, in oro e argento: la medaglia raffigura l\'Eden, simbolo di amore, perfezione e armonia, al centro del quale si materializza il volto consapevole del <em>Padre</em> dal quale irradia la Grazia. </p> <p>Realizza inoltre un grande monumento in bronzo policromo, denominato <em>Icaro in Volo</em>, collocato in piazzale Varisco, all\'interno della Città Giudiziaria di Piazzale Clodio, a Roma: le aspettative e le speranze dell\'uomo, i dubbi e le paure, sono incarnati dal Messaggero degli dei, un grande Mercurio in volo con un braccio teso a indicare il raggiungimento di una meta, il drappo al vento che sottolinea la signorilità dell\'intenzione, il volto deciso e sereno come simbolo della perseveranza. </p> <p>Per la Pasqua dell\'anno Santo realizza un grande cero pasquale in bronzo policromo, in cui si materializzano tutte le suggestioni ricevute dall\'ascolto dell\'<em>Exultet</em>, eseguito dal diacono nella notte del sabato Santo. <br /> In occasione del grande Giubileo del 2000, Alessandro Romano, invitato dalla Santa Sede, tiene il 10 dicembre nell\'Aula Paolo VI un intervento che costituisce un\'importante testimonianza sull\'arte sacra contemporanea.</p> <p>Autore di altre importanti opere di arte sacra, quali amboni, tabernacoli, via Crucis, collocate all\'interno e all\'esterno di chiese e istituti ecclesiastici, per la collana "I Testi della Coscienza", edita da FMR-ART\'E\', nel 2003 illustra le<em> Confessioni</em> di Sant\'Agostino.</p> <p>Tra gli ultimi monumenti realizzati vanno ricordati, per la Basilica di San Pietro in Vaticano <em>San Luigi Orione </em>(2008), <em>San José Magnyanet y Vives</em> (2007), <em>Santa Genoveffa Torres Morales</em> (2006) e ancora la <em>Sirena</em>, scultura in bronzo policromo di 2,80 metri, collocata al centro dell\'omonima fontana che si trova nella piazza principale di Maratea, e <em>l\'Icaro</em>, una grande scultura di 3,60 metri, dedicata alla libertà e collocata nel centro storico di Piombino.</p>'))